Cinema Paradiso

Fin de emisiones

2011-12-30T18:29:00.000-08:00

Y con esto, damos fin a Cinema Paradiso.

Han sido tres años, pero nos hemos dejado infinidad de títulos por tratar. Cosa que, a mi ver, debería ser un mensaje esperanzador: el cine, y el arte en general, no acaban nunca. En nuestro saco de películas posibles hemos dejado de todo, desde clásicos intemporales hasta proyectos que aún están haciéndose un nombre en la historia del medio, y aunque hemos sido todo lo amplios que humanamente se puede a la hora de elegir nuestros títulos, dejamos huérfanas de programa a cintas de todo año, género o nacionalidad. Incluso ha habido filmografías nacionales, como la india, que no hemos llegado a tocar. Y siendo positivos, esto es un mensaje maravilloso, el mensaje de que el cine, su belleza y su maravilla, son infinitos, y tres años no han sido nada para acercarse a ello. El mensaje de que podríamos usar toda una vida en la contemplación del medio al que debemos tantas emociones y reflexiones, y no habríamos malgastado esa existencia.

Es imposible, sin embargo, no sentir una cierta desazón ante el panorama de todo lo que pudo ser y no fue. El consuelo que tanto yo como el resto de personas que a lo largo del tiempo hemos formado el programa tenemos es que en todo momento hemos dado lo mejor de nosotros, con el único propósito de transmitir nuestro amor por el cine. En todo este tiempo lo único que hemos tenido en mente ha sido compartir con vosotros los títulos que nos han calado hondo, que han despertado algo en nuestro interior, luchando contra el absurdo de intentar verbalizar algo que es esencialmente inefable. Hemos hablado de las historias, sus tramas y sus implicaciones; hemos tratado la parte técnica, desvelando los recursos internos de cada película y el lenguaje propio del cine; hemos revisado las idiosincrasias de directores, actores y técnicos; pero ante todo hemos querido proponeros a todos vosotros, semana a semana, experiencias cinematográficas a descubrir o revisitar, ofreciéndoos nuestra compañía para compartir el momento y, todos juntos, avanzar en el camino del conocimiento y la fascinación hacia el objeto de nuestra pasión. Si alguna vez lo hemos conseguido, todo este esfuerzo que hoy acaba está lleno de sentido.

Hayamos logrado o no ese objetivo, está claro que nada de esto pudo haber sido posible sin la participación de todos aquellos que nos hemos puesto delante del micrófono o los controles para realizar el programa. A título personal, quiero dar las gracias y hacer receptores de mi más sincera admiración, a: Dídac Gimeno y Cristina Pareja, auténticos fundadores del proyecto y las personas que más han luchado por hacerlo avanzar y evolucionar; Laia Serna, que con su buen hacer y su altura tanto humana como profesional ha marcado un nuevo estándar de calidad; Jorge Mompó, cuyo apoyo a todos los niveles ha hecho posible no sólo episodios inolvidables, sino que ha propiciado el que hayamos llegado hasta la emisión de hoy; Julio Fontán, que con su genio natural consiguió que el programa saliese de su encorsetado formato habitual y experimentase nuevas formas de llegar a la audiencia; y Carlos Gener, que no sólo compartió en los programas a los que vino nuestro sueño, sino que también nos apoyó desde su propio espacio radiofónico. Gracias, por supuesto, a todos los otros miembros de Ràdio Klara, cuyo apoyo, paciencia y simpatía nos han animado siempre a seguir al pie del cañón y a ofrecer contenidos cada vez mejores. Y gracias también a todas las personas que confiaron en nosotros y nos hicieron el tremendo honor de ofrecernos su tiempo y su talento al aparecer en el programa: directores tanto consumados como noveles, literatos, críticos, profesores, organizadores de eventos y grandes cinéfilos que nos han acompañado y nos han hecho vivir algunos de los mejores momentos de nuestra carrera.

Y cómo no, el mayor de todos los agradecimientos para quienes se hayan interesado por nosotros, para quienes nos hayan seguido, para quienes hayan extraído algo de nuestras reflexiones, y nuestras divagaciones, para quienes hayan disfrutado de una película en nuestra radiofónica compañía, para quienes hayan descubierto nuevos horizontes y para quienes hayan visto confirmada su pasión estética. A todos vosotros, cinéfilos nocturnos: GRACIAS, GRACIAS, MUCHÍSIMAS GRACIAS.

No diré adiós, porque seguro que, si sabeis dónde buscar, encontraréis mi nombre y el de mis compañeros. En otros sitios, en otros formatos, quién sabe si en otros niveles o lenguajes, pero seguiremos dedicándonos de alguna forma a devolver aquello que recibimos del cine, y a compartir nuestros sentimientos por ello.

Siendo así, hasta más ver, cinéfilos nocturnos.

Y el último programa... Cinema Paradiso

2011-12-26T09:00:00.000-08:00

Título original: Nuovo Cinema Paradiso.

Año de estreno: 1988.
Compañía productora: Cristaldifilm, Les films Ariane, TFI films, RAI.
Productor: Franco Cristaldi.
Director: Giuseppe Tornatore.
Fotografía: Blasco Giurato.
Música: Ennio Morricone.
Guión original: Guiseppe Tornatore.
Intérpretes principales: Philippe Noiret (Alfredo), Salvatore Cascio (Salvatore, niño), Marco Leonardi (Salvatore, joven), Jacques Perrin (Salvatore, adulto), Antonella Attili (madre de Salvatore, joven), Pupella Maggio (madre de Salvatore, anciana), Leopoldo Trieste (padre Adelfio), Agnese Nano (Elena).

Salvatore, o Toto como lo llaman cariñosamente, un pequeño niño que vive en un pueblo siciliano junto a su hermanita y su madre, en eterna espera del regreso de su padre de la guerra, no siente ningún interés por el colegio o la iglesia: a él le fascina el pequeño cine de la villa, el Cinema Paradiso, que es también el gran pasatiempo y punto de reunión y contacto social de todos sus conciudadanos. Esta fijación por las películas y todo lo que hay detrás de ellas le llevará a trabar amistad con el proyeccionista del cine, Alfredo, al principio contrario a las intromisiones del chico, pero con el tiempo conmovido por su tesón y ternura. Así, Toto comienza a aprender el oficio y, con el paso de los años, se convierte en el reemplazo del propio Alfredo, ciego por un accidente con el proyector. Pero llega el momento en el que el chico, ya todo un joven hecho y derecho, ha de abandonar el pueblo y buscarse la vida en Roma: cuando ya es un hombre maduro, convertido en un prestigioso director de cine, recibe la noticia de la muerte de su maestro y mentor, lo que le llevará a volver al pueblo de su infancia, y a los recuerdos que con él dejó atrás.

Con toda probabilidad el homenaje más potente y sensible al mundo del cine y a todas las filias que conlleva, Cinema Paradiso, la opera prima de su director y a la vez su película más reconocible, es un canto al amor y la belleza intrínsecos al arte, al crecimiento personal y espiritual a través del mismo, y una reivindicación del fenómeno cinematográfico como experiencia total y dadora de sentido. A través de una historia hábilmente urdida sobre una base de nostalgia, nos trasladamos a un pasado no perfecto, pero dulce en su idílica inocencia, donde la vida seguía siendo dura y difícil, pero conservaba algo más de humanidad. Tornatore, abriéndonos su alma y permitiendo que nos adentremos en unas vivencias que, aunque idealizadas, son las suyas, nos trasnsporta a su propio pasado, y comparte el gérmen que le llevó a ser quien hoy es y que explica por qué ama lo que hace. Sincera, emocionante y catártica en su retrato de una época que ya murió pero cuyos ecos aún pueden ser escuchados, esta cinta será siempre un referente para los cinéfilos que quieran autoafirmarse en su pasión.

Con este título, cuyo nombre hemos usurpado (con permiso del propio Tornatore, quien en la entrevista que le hicimos se mostró encantado de dicha adopción) durante los tres años de nuestro periplo radiofónico, queremos despedirnos de todos vosotros, cinéfilos nocturnos. Qué menos que dedicar nuestra última aparición en este medio y bajo este nombre a la película que nos dió una identidad, y a través de cuya referencia obtuvimos intención y objetivos antes incluso de comenzar nuestras emisiones: al igual que el joven Toto en la película, todos nostros, los que a lo largo de este tiempo hemos formado el staff del programa, hemos crecido en el amor al cine, y ha sido ese mismo amor, esa infinita e inagotable fascinación, el motor que nos ha impulsado a compartir nuestras vivencias con vosotros. A recomendar títulos, a sugerir géneros y filmografías, a compartir anécdotas, a maravillarnos con las historias contadas y sus tramas y su implicación, y sobre todo a tratar de acercarnos al cine y al arte con ojos cada vez más informados e inquisitivos. A avanzar y hacer avanzar, en definitiva, en nuestra condición de cinéfilos. Ojalá nos sigáis apoyando y escuchando en este adiós con la misma ilusión que tenemos nosotros por hacerlo algo memorable.

Problemas con la emisión

2011-12-23T17:16:00.000-08:00

Hemos tenido unos problemas técnicos con la emisión de nuestro programa de esta noche sobre La tormenta de hielo. Debido a ellos, no hemos podido emitir la última media hora del programa, y por lo cual pedimos mil disculpas a los oyentes: ha sido algo ajeno a nuestra voluntad y sentimos enormemente el percance.

Os esperamos la semana que viene, para nuestro último programa.

Y el próximo programa... La tormenta de hielo

2011-12-20T01:32:00.000-08:00

Título original: The ice storm.

Año de estreno: 1997.
Compañías productoras: Fox searchlight pictures, Good machine productions.
Productores: Ang Lee, Ted Hope, James Shamus.
Director: Ang Lee.
Fotografía: Frederick Elmes.
Música: Mychael Danna.
Guión adaptado: James Schamus.
Panfleto original: Rick Moody.
Intérpretes principales: Kevin Kline (Ben Hood), Joan Allen (Elena Hood), Tobey Maguire (Paul Hood), Christina Ricci (Wendy Hood), Jamey Sheridan (Jim Carver), Sigourney Weaver (Janey Carver), Elijah Wood (Mikey Carver), Adam Hann-Byrd (Sandy Carver), Katie Holmes (Libbets Cassey).

Dos familias acomodadas de clase media-alta, vecinas entre sí, verán sus destinos inextrincablemente unidos por los lazos del deseo, la traición y la tragedia. Mientras Elena intenta buscarse a sí misma y a sus ganas de vivir perdidas en elementos exteriores a su propia familia, su marido Ben mantiene una aventura con su vecina, Janey, que ella cree totalmente sexual, mientras él comienza secretamente a establecer vínculos afectivos. Al mismo tiempo, la hija de ambos, Wendy, utiliza su recién descubierta sensualidad para mantener una relación ambigua con los dos hijos de Janey, Mikey y Sandy, ambos dos chicos apocados y algo raros, intentando los tres iniciarse en el mundo de los adultos en solitario debido al desamparo de sus propios padres. Mientras tanto, dos personas permanecen ajenas a todo esto: Jim, el marido de Janey, casado más con su trabajo que con su esposa; y Paul, el hermano mayor de Wendy, que lucha por conquistar a su interés romántico Libbets en el elitista instituto de Nueva York al que asiste. Poco a poco, los subterfugios con que cada uno de estos personajes se oculta del resto irán cayendo, revelando el podrido interior que subyace bajo la aparente perfección y armonía de sus vidas.

Combinando una sensibilidad estética muy oriental y unos lugares comunes y una psicología de personajes típicamente occidental, Ang Lee consigue con esta película una de esas raras obras en que ambas formas de concebir el arte cinematográfico se dan la mano con total armonía. Convertido en el cineasta chino de más proyección internacional, Lee ha ido combinando la producción cinematográfica en su propio país centrada en los dos grandes temas nacionales, la epopeya histórica y el retrato del oriente moderno, con trabajos para la meca del cine que varían entre el blockbuster más descarado y el filme intimista, terreno en el que ha cosechado sus mayores éxitos. Altamente preocupado por la relación entre sexo y vida, sus historias, decididamente arrománticas, exploran hasta las últimas consecuencias la vasta variedad de sentimientos y traumas que surgen de las relaciones interpersonales a todos los niveles. Calificado a veces como frío y academicista, no se puede negar tampoco que su cine no deja indiferente a nadie.

Y el próximo programa... El espíritu de la colmena

2011-12-13T01:44:00.000-08:00

Título original: El espíritu de la colmena.

Año de estreno: 1973.
Compañía productora: Elías Querejeta P.C.
Productor: Elías Querejeta.
Director: Victor Erice.
Fotografía: Luís Cuadrado.
Música: Luís de Pablo.
Guión original: Ángel Fernández-Santos, Victor Erice.
Intérpretes principales: Ana Torrent (Ana), Isabel Tellería (Isabel), Teresa Gimpera (Teresa), Fernando Fernán Gómez (Fernando).

Hoyuelos, en la meseta castellana, hacia 1940: un pueblo rural y bucólico en que la diversión más popular es la sala de cine. En ella, dos niñas pequeñas quedarán fascinadas por la película El doctor Frankenstein, de James Whale, que estimulará enormemente su imaginación. Con la fantasía de que el monstruo de la película existe, y que es un espíritu benévolo al que pueden convocar, ambas niñas, desconectadas por completo del mundo de los adultos y sus tribulaciones, verán completamente cambiada su visión del mundo.

Delicada, poética y hermosa, El espíritu de la colmena es sin asomo de duda una de las películas más bellas de la filmografía española y universal. Con una concepción sencilla del arte cinematográfico, alejada de todo bizantinismo, la cinta se recrea en la lírica de la imagen pura, maravillándose a sí misma en la plástica de cada plano a la vez que también maravilla al espectador, transformando sus ojos en los de un niño; nuevos, límpidos, libres de toda carga y prejuicio. Una experiencia liberadora y catártica que hace de la sutileza el motor central y final de su mensaje, sugiriendo más que mostrando, haciendo soñar más que proclamando cualquier tipo de mensaje. Con una hábil simbología que conforma un universo referencial íntimo en que objetividad y magia se funden en una sóla cosa, y ante todo, un canto de amor eterno al cine, al arte y a todo su universo, Victor Erice rubrica gloriosamente el título más representativo de su tristemente escasa filmografía, uno de los exponentes de nuestra filmografía nacional más queridos dentro y fuera de nuestras fronteras. Una obra que ha sido, es y será el deleite de todo cinéfilo que se acerque a ella.

Y el próximo programa... El Topo

2011-12-05T00:53:00.000-08:00

Título original: El Topo.

Año de estreno: 1970.
Compañía productora: Dirección general de cinematografía de México, Producciones Panic.
Productores: Roberto Viskin, Moishe Rosemberg, Saúl Rosemberg, Juan López Moctezuma.
Director: Alejandro Jodorowsky.
Fotografía: Rafael Corkidi.
Música: Alejandro Jodorowsky, Nacho Méndez.
Guión original: Alejandro Jodorowsky.
Intérpretes principales: Alejandro Jodorowsky (el pistolero, el Topo), Brontis Jodorowsky (hijo del pistolero, pequeño), Robert John (hijo del pistolero, mayor), María Lorenzio (la mujer, Mara), Paula Romo (la desconocida), Jacqueline Luis (la mujercita), Héctor Martínez "el borrado" (primer maestro del revólver), Juan José Gurrola (segundo maestro del revólver), Víctor Fosado (tercer maestro del revólver), Agustín Isunza (cuarto maestro del revólver).

Por el desierto vaga un pistolero, sólo acompañado por su hijo de siete años. Se dedica a impartir su propia ley, buscando un conocimiento cada vez más profundo de su revólver, del mundo y de sí mismo. Tras liberar una pequeña misión franciscana de unos bandidos que la tiranizaban, abandona allí a su hijo y sigue su camino acompañado de una mujer que acaba de conocer, y a la cual enseña todas sus revelaciones. Esta mujer le insta a que mire más allá de sí mismo y se convierta en el mejor pistolero de la Tierra, venciendo a los cuatro maestros del revólver que vivien en el desierto. Sin embargo, los maestros poseen sabiduría y habilidades que van más allá del alcance del pistolero, con lo que tiene que recurrir a tretas y trampas para salir victorioso; aún con esos métodos, es finalmente derrotado, y la mujer que lo acompañaba lo abandona moribundo en el camino. Es salvado por un grupo de hombres, deformes por el contínuo incesto, que viven recluídos en una galería de cavernas debido al ostracismo que sufren por parte de los habitantes de un pueblo cercano, falsamente puritanos y religiosos. Es en este momento cuando el pistolero se convierte en el Topo, encargado de mendigar en la ciudad cercana para obtener el dinero suficiente y excavar un túnel que conecte las cuevas con la población, tarea en la que le ayuda una enana de las grutas. Allí se encontrará con su hijo abandonado, ya un hombre, que a pesar de vestir los hábitos de monje se ha convertido con el paso de los años en una nueva versión de lo que él fue en su pasado.

Tremendamente singular, casi podría decirse que única en su género, El topo es un western extraño y sugerente... si es que realmente podemos afirmar que entre dentro de alguno de los géneros conocidos. Obra definitiva en el terreno de lo cinematográfico de una de las mentes más peculiares aún vivas, la de Alejandro Jodorowsky, plasma en la gran pantalla todas las inquietudes a las que ha dedicado cada una de sus facetas de artista: no sólo como director de cine, sino como escritor, filósofo, dramaturgo, compositor, actor, guionista de cómic, humanista, arcanista y psicomago. Con una honda carga metafórica muy enraizada en el surrealismo, el dadaísmo y otras corrientes de "arte y ensayo", la cinta se erige en un mapa cifrado de la realidad misma y las esferas ajenas a ella, donde mediante el acto y la lírica de la imagen pura hecha significado y no significante, se escenifican todas las recompensas y pesares de la vida, tanto terrenal como espiritualmente. Tan críptica como deslumbrante, los espectadores encontrarán en El topo una cinta a revisitar infinitas veces, siempre cargada de sentido y tan hermosa de ver y pensar que sin duda entrará a formar parte inmediatamente de su lista de indispensables.

Último mes de emisiones

2011-11-30T01:19:00.000-08:00

Con gran pesar, anunciamos que este inminente mes de diciembre será nuestra última etapa de emisiones. Nos quedan por delante los últimos cinco programas, teniendo en cuenta siempre que podamos reducir al mínimo las interferencias que puedan ocasionar las fiestas típicas de estas fechas, y dicho número no se reduzca aún más.

Confiamos en seguir recibiendo vuestro soporte y cariño en este canto de cisne, y aún antes del final, queremos expresar nuestra gratitud a Ràdio Klara por su apoyo y buen hacer, y a todos vosotros, cinéfilos nocturnos, que nos habéis acompañado en nuestro viaje de tres años por las ondas en busca del arte y la cultura.

Aún tenéis una cita, como siempre, los próximos viernes de estas semanas entrantes. Hasta entonces, y esperando el final de todo, buen cine, compañeros.

Y el próximo programa... Man on the moon

2011-11-29T00:40:00.000-08:00

Título original: Man on the moon.

Año de estreno: 1999.
Compañías productoras: Universal pictures, Mutual film company, Jersey Films, Cinehaus, Shapiro/West productions.
Productores: Danny DeVito, Michael Shamberg, Stacey Sher, Howard West, George Shapiro, Bob Zmuda.
Director: Milos Forman.
Fotografía: Anastas Michos.
Música: R.E.M., varios artistas.
Guión original: Scott Alexander, Larry Karaszewski.
Intérpretes principales: Jim Carrey (Andy Kaufman), Paul Giamatti (Bob Zmuda), Danny DeVito (George Shapiro), Courtney Love (Lynne).

Andy Kaufman ha buscado desde niño su propio estilo como artista de variedades. Lo suyo no es meramente hacer reír, no: él busca ofrecer experiencias viscerales a su público, sorprenderlos constantemente, incluso enfadarlos y horrorizarlos. Esta forma de hacer las cosas le depara poca fortuna hasta que, por azares del destino, se encuentra con George Shapiro, un productor que ve en él el destello del genio. Lo que a Shapiro le cuesta entender, sin embargo, es que Kaufman no está dispuesto a hacer ninguna concesión a ningún medio; tanto él como su socio detrás del escenario Bob Zmuda no entienden de dinero, éxito, fama ni respetabilidad. Para ellos solo existe una forma de hacer las cosas, la suya, y le pese a quien le pese, incluso si les acaba pesando a ellos mismos, van a hacerlo todo de dicha manera.

Contar de forma fidedigna la historia real de Andy Kaufman en el cine desde luego no era un proyecto sencillo. Hablar del hombre que trastocó completamente el concepto tradicional americano del show business, incendió y provocó con su arte allá donde pasó y dividió, y aún divide, a todo un país entre amantes y detractores acérrimos por igual, respetando en todo momento la delgada línea divisoria que hubo entre su yo real y las distintas máscaras que vistió en sus apariciones públicas, podría haber llevado fácilmente al proyecto en aras del drama y el patetismo facilón, como una forma sencilla y efectiva de reconciliar al hombre con su público y su tiempo. Sin embargo, la mano firme y humanista de Milos Forman, bien guiada desde las sombras por los antiguos colaboradores de Kaufman, Shapiro y Zmuda, convierte Man on the moon en toda una declaración de principios, una historia conmovedora que acerca la figura del auténtico Kaufman, toda su complejidad y hondos valores, así también como sus momentos más bajos y su absurdo personal. Al igual que pasó con su propia vida, la cinta desborda comicidad, momentos estelares de ingenio, lágrimas, sorpresa, incredulidad, odio, amor, y toda clase de sentimientos encontrados, haciendo creíble y entendible una existencia que, aunque sabemos que ocurrió en la vida real, difícilmente podríamos habernos tragado de otra forma.

Cancelación del programa del 18/11/11

2011-11-17T10:51:00.000-08:00

Por motivos de agenda se cancela el programa de esta semana "Giro al infierno". En su lugar se emitirá el programa de la semana pasada "El maquinista de la General".

Sentimos las molestias ocasionadas pero esperamos que nos volvamos a encontrar en el mundo de las ondas la semana que viene.

Y como dice el gran E.T., mientras tanto, "sed buenos", cinéfilos nocturnos.

Y el próximo programa... Giro al infierno

2011-11-15T00:37:00.000-08:00

Título original: U Turn.

Año de estreno: 1997.
Compañías productoras: Phoenix pictures, Illusion entertainment grup, Clyde is hungry films.
Productores: Dan Halsted, Clyton Townsend, John Ridley.
Director: Oliver Stone.
Fotografía: Robert Richardson.
Música: Ennio Morricone, varios artistas.
Guión adaptado: John Ridley.
Panfleto original: John Ridley.
Intérpretes principales: Sean Penn (Bobby Cooper), Nick Nolte (Jake McKenna), Jennifer Lopez (Grace McKenna), Powers Boothe (sheriff Potter), Claire Danes (Jenny), Joaquin Phoenix (Toby), Billy Bob Thornton (Darrell), Jon Voight (el hombre ciego).

La vida de Bobby Cooper da un auténtico vuelco cuando, conduciendo su coche para entregar el dinero que le salvará de los mafiosos que le acosan, el vehículo le deja tirado en la carretera. Buscando reparación, Bobby llega a Superior, un pequeño pueblecito que vendría a ser la versión de la América profunda del mismísimo infierno. Tras dejar las reparaciones en manos del estrambótico mecánico Darrell, se da un paseo por la zona, durante el cual se topa con la guapa Grace McKenna, una seductora mujer que le involucra en su disputa con su tiránico marido, Jake. Ambos le ofrecen dinero a Bobby por matar al otro, y aunque éste en un principio experimenta rechazo por ambas propuestas, pronto la aparente imposibilidad de salir del pueblo, acompañada de una racha de catástrofes y mala suerte que le harán perder todo su dinero y su paciencia, propiciarán que se lo piense dos veces y se inmiscuya de manera irremediable y fatal en la vida de la pareja. El destino, sin embargo, no está exento de ironía, para todos los implicados...

Provocativa tanto argumental como visualmente, Giro al infierno basa su relato en la extrañeza de sus personajes y sus escenarios, deformando la realidad cotidiana hasta hacerla pesadillesca y repulsiva. Oliver Stone deja de lado aquí su habitual pasión filosófico-política para embarcarse en una "movie", como bien rezan los títulos de crédito de la propia cinta, un producto de puro entretenimiento en el que se dedica a deconstruír su elaborada estética de planos y montaje usando una sucesión arrítimica de tomas largas y detalles que fuerzan al espectador a salir del propio relato y así experimentar, desde la distancia, el atractivo de unos personajes pantomímicos y en cierta manera absurdos con mayor fuerza. Una película más inteligente de lo que parece a simple vista, con estructura de tragedia clásica y ciertos regustos de comedia negra y una mezcla de géneros entre policíaco y western crepusculares, Giro al infierno supone un hiato, agradable pese a su singular factura, en la obra de su director, lo que, precisamente por su factor de contraste extremo, permite estudiar con mayor ahínco la obra de uno de los creadores más personales y entregados que legó el Estados Unidos de los '80.

Y el próximo programa... El maquinista de La General

2011-11-06T00:37:00.000-07:00

Título original: The General.

Año de estreno: 1927.
Compañía productora: United artists.
Productor: Joseph M. Schenck.
Directores: Buster Keaton, Clyde Bruckman.
Fotografía: Dev Jennings, Bert Haines.
Música: Clásicos del folklore estadounidense.
Guión original: Buster Keaton, Clyde Bruckman.
Intérpretes principales: Buster Keaton (Johnnie Gray), Marion Mack (Annabelle Lee), Glen Cavender (capitán Anderson), Jim Farley (general Thatcher).

Johnnie es un humilde conductor de ferrocarril que anhela demostrar su valor en la guerra civil estadounidense sirviendo al bando sudista. Sin embargo, los contactos de la familia de su novia Annabelle no le dejan alistarse, por lo que no tiene más remedio que seguir conduciendo su vieja locomotora, La General. Sin embargo, cuando Annabelle es raptada por un comando camuflado de soldados del Norte, Johnnie no dudará en darles caza al mando de La General, viviendo mil aventuras tanto en el camino de ida como en el de vuelta.

Una joya del humor dentro del mudo norteamericano, El maquinista de La General es una más de las constataciones de la madurez de Keaton como intérprete y director. Habiendo dejado muy atrás tanto estética como ideológicamente sus mediometrajes puramente slapstick, emprende la narración de historias donde la comicidad no es el fin único, sino un vehículo para entretener, emocionar o incluso involucrar al espectador en una aventura tan trepidante como alocada. Ensombrecido primero por el genio aplastante de su contemporáneo Chaplin, y más tarde por la llegada de los primeros experimentadores del cómico sonoro como los hermanos Marx, Keaton fue, en su mayor momento de creatividad e inventiva, ninguneado al nivel de mero intérprete de gags; sólo más adelante, en el imparable declive de su carrera, se le reconoció su maestría no sólo a la hora de poner su humor y agudo ingenio al servicio del divertimento de su público, sino también a la hora de acometer proyectos arriesgados que, en no pocas ocasiones, pusieron en peligro su integridad física. Es por esto que, en el programa de esta semana, intentaremos poner en verdadero contexto la aportación de un innegable cineasta de rango mayor a la historia y la técnica del medio a través de su película más popular (que no, lamentablemente, la más lograda).

Y el próximo programa... Especial 3º aniversario: Ladrón de bicicletas

2011-11-02T01:42:00.000-07:00

Título original: Ladri di biciclette.

Año de estreno: 1948.
Compañía productora: Produzioni de Sica.
Productores: Vittorio de Sica, Umberto Scarpelli.
Director: Vittorio de Sica.
Fotografía: Carlo Montuori.
Música: Alessandro Cicognini.
Guión adaptado: Vittorio de Sica, Cesare Zavattini, Suso Cecchi D'Amico, Oreste Biancoli, Adolfo Franci, Gerardo Guerrieri.
Panfleto original: Luigi Bartolini.
Intérpretes principales: Lamberto Maggiorani (Antonio), Enzo Staiola (Bruno), Lianella Carell (Maria), Vittorio Antonucci (el ladrón).

Italia, durante los duros años de recesión económica de principios del siglo XX. Antonio, un parado que ha estado buscando trabajo largos años, recibe por fin una buena oferta de empleo como colocador de carteles. La única pega es que para acceder a dicho trabajo necesita su bicicleta, que ya empeñó por dinero. Su mujer, María, empeña toda la ropa de cama de la que disponen para recuperar la bicicleta y así asegurar el trabajo de su esposo. Sin embargo, durante el primer día de trabajo de Antonio, un joven aprovecha un momento suyo de descuido y le roba la bicicleta, huyendo con éxito a pesar de la persecución a la que es sometido. Pronto, Antonio se dará cuenta de que recurrir a la policía y poner una denuncia es de poca ayuda, con lo que, acompañado por su pequeño hijo Bruno, emprenderá por sí mismo una búsqueda rastreando por los mercados y los rincones sórdidos de Roma. Esta misión, que ya de por sí es difícil, se les va haciendo a ambos cada vez más y más imposible de lograr.

Valiéndose de una sencillez y una sinceridad tan puras como engañosamente poderosas, Vittorio de Sica consigue en Ladrón de bicicletas convertir lo que en manos de muchos otros directores no habría sido más que una peripecia burlesca y retratista en una historia universal, potente y concienciadora, que conmina a la bondad y la hermandad de todos los que se hacen llamar hombres. Conmovedora en su patetismo sin ambajes, la cinta nos relata un pasado que, a día de hoy con la presente crisis, se nos hace cercano y entendible, mientras nos sumerge en las vidas de unos personajes a los que hacemos nuestros desde el primer momento. Sin necesidad de florituras ni en el guión ni en su ejecución visual, esta obra clave del neorrealismo italiano consigue gracias a su obsesión en centrarse casi obsesivamente en la fuerza de la cotidianeidad pura, con sus males de andar por casa y sus pequeñas y humildes odiseas de un solo hombre, llamar a nuestros más profundos sentimientos de honradez y solidaridad a la vez que afirma dulce pero inflexiblemente una cierta moral de entrega a la alteridad.

Con este título, elegido por la audiencia, celebramos nuestro tercer aniversario en antena. Ha sido una elección afortunada: desde Cinema Paradiso aprovechamos dicho evento y dicho título para solidarizarnos con las víctimas de estos tiempos modernos de incertidumbre, los parados desesperados, o sin esperanzas, y los afectados por todos los ladrones de bicicletas, grandes y pequeños, que campan impunes por el mundo. Siendo nuestro programa cultural y no social ni político, diríase que hemos estado ignorantes e insensibles con la dolorosa realidad que todas estas personas padecen: por eso es nuestro deseo aprovechar una ocasión como ésta, por lo demás feliz (es un orgullo haber estado con todos vosotros estos tres años, y nos da fuerzas para seguir con nuestra labor en el futuro), para ponernos serios y reivindicar, como ya lo hizo de Sica mediante su arte, la justicia y la prosperidad inalienables que merecen quienes han sido puestos por los incognoscibles poderes fácticos en el peor peldaño de la escalera.

Y el próximo programa... Especial Zombi Party Valencia 2011: No profanar el sueño de los muertos

2011-10-25T00:43:00.000-07:00

Título original: Let sleeping corpses lie.

Año de estreno: 1974.
Compañía productora: Flaminia produzioni.
Productor: Edmond Amati.
Director: Jorge Grau.
Fotografía: Francisco Sempere.
Música: Giuliano Sorgini.
Guión original: Sandro Continenza, Marcello Coscia.
Intérpretes principales: Ray Lovelock (George), Cristina Galbó (Edna), Arthur Kennedy (inspector de policía).

Debido a un azaroso accidente, dos jóvenes en ruta por carretera hacia destinos distintos acaban juntos en el coche de ella. Lo que empieza como una situación incómoda para ambos, por tener que adaptarse a los planes y necesidades del otro, pronto se convierte en una situación límite al descubrirse los extraños efectos de una nueva máquina agrícola para exterminar plagas mediante ultrasonidos: ejerce también influencia sobre el sistema nervioso de los cuerpos humanos muertos, reviviéndolos y convirtiéndolos en homicidas caníbales. Perseguidos implacablemente por la policía, que los etiqueta como principales sopechosos de las extrañas muertes que se suceden al estar siempre en medio de la escena del crimen, ambos deberán unir fuerzas no sólo para demostrar su inociencia, sino también para intentar detener el caos y el horror que se avecina. O, como mínimo, intentar sobrevivir a él.

Surgida inicialmente como un proyecto marginal para imitar a la película La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero, pero en color y con algo más de presupuesto, pronto queda claro que No profanar el sueño de los muertos acabaría por ser mucho más. Situada dentro de la enorme avalancha de títulos de género que se dio en la España de los 70, la propuesta de Jorge Grau, a pesar de pertenecer como sus contemporáneas a la serie B, no se dedica a machacar de manera repetitiva a los viejos monsters de las películas de la Universal o la Hammer (Narciso Ibáñez Menta haciendo de Drácula para León Limowsky, Paul Naschy y su perenne hombre lobo o caracterizado de momia, el "mad doctor" Orloff de Jesús Franco, la amenaza extraterrestre de Pánico en el Transiberiano, etc) sino que se aventura con una temática recientemente remozada por la ya citada producción de Romero, y por tanto con un léxico y unas potencialidades que, por aquél entonces, aún estaban por explotar. Quizá el espectador moderno, hastiado ya de zombis de toda forma y tamaño debido a la sobreexplotación de los mismos, tienda a ningunear esta humilde producción hispano-italiana como una más de un mundo harto explorado, pero a este título hay que reconocerle que, en un momento donde los aficionados al terror aún no sabían que debían temblar ante la presencia de los muertos vivientes, supo hallar lo que mucho más tarde serían clichés del género precisamente por su efectividad estética y narrativa. Una película, en definitiva, a reivindicar y de la que estar orgullosos por parte de todos los aficionados españoles a esto de pasar miedo.

Y qué mejor propuesta que ésta, tan de la tierra y tan acertadamente enmarcada en el universo del zombi moderno, para tener de nuevo en el programa al staff del evento Zombi Party Valencia, que vuelven para hablarnos de los actos a realizar el próximo sábado 29 en pleno centro de la ciudad. Tras el éxito hace un año de la emisión del programa sobre La noche de los muertos vivientes en su compañía, hemos querido repetir la experiencia y así, también, darle un buen tiento al terror nacional mientras os recomendamos encarecidamente que os acerquéis a estas jornadas zombi tan divertidas que, al parecer, se van a convertir felizmente en un evento anual a tener en cuenta.

Problemas de ultimísima hora

2011-10-21T13:12:00.000-07:00

Sentimos anunciar que, por desacuerdos y problemas en el último momento, no podremos emitir el programa de esta noche sobre El maquinista de La General. En su lugar, podréis escuchar la resposición del programa de la semana pasada sobre Las alas de Honneamise, del que esperamos que podáis disfrutar.

Nos veremos, en directo y sin falta, la semana que viene a la hora usual. Hasta entonces, muy buenas noches, cinéfilos nocturnos.

Y el próximo programa... Las alas de Honneamise

2011-10-10T00:55:00.000-07:00

Título original: Honneamise no tsubasa / Royal space force.

Año de estreno: 1987.
Compañías productoras: Gainax, Bandai visual.
Productores: Hirohiko Sueyoshi, Hiroaki Inoue.
Director: Hiroyuki Yamaga.
Fotografía: Hiroshi Isakawa.
Música: Ryuichi Sakamoto, Yuji Nomi, Koji Ueno, Haruo Kubota.
Guión original: Hiroyuki Yamaga.
Dobladores: Leo Morimoto (Ladatt), Mitsuki Yayoi (Rikuni).

Aún estando en guerra, el reino de Honneamise tiene cabida en su fuerza militar para proyectos no violentos, por más que no se los tome en serio. Es así como, dentro de su fuerza aérea, existe la Fuerza Real Espacial, el único proyecto del mundo que busca enviar un hombre al espacio. Sin embargo, la falta de interés incluso entre sus propios medios hace que no sea más que una quimera, y un nido de fracasados que piensan más en cobrar un sueldo mientras buscan otro trabajo, esta vez de verdad. En el seno de dicha fuerza se encuentra Ladatt, un joven descarriado y sin ideales que, como todos, se dedica a pasar el rato despreocupadamente. Un día se encontrará casualmente con Rikuni, una guapa chica que predica por las calles enseñanzas religiosas. Con ánimos en principio de ligar, Ladatt pronto se ve seducido por el carisma y la fuerte moral de la muchacha, que le conducirán a tomarse en serio su trabajo y a poner verdaderamente en marcha el programa espacial de su país. Esto, por supuesto, atraerá la atención de las naciones enemigas de Honneamise.

Una rara avis en todos los sentidos de la expresión, Las alas de Honneamise fue la primera propuesta animada del por aquél entonces recientemente fundado estudio Gainax. En vez de hacer un anime al uso, atractivo para un gran espectro de público y así darse a conocer, los integrantes del estudio, que hasta 3 años antes habían sido meros aficionados y ahora se enfrentaban a su primer proyecto serio, decidieron hacer una película compleja, madura, cuya lentitud y argumento lleno de detalles no le iba a granjear precisamente popularidad instantánea. Y así, su producción fue dada de lado por el gran público, y aún hoy no está considerada ni siquiera una obra de culto debido al prácticamente total desconocimiento del espectador moderno de su existencia. Sin embargo, y sin entrar en detalles de sus muchas virtudes técnicas y argumentales (de las que hablaremos largo y tendido en el programa), fue y sigue siendo el gérmen maravilloso del que florecería uno de los estudios más populares entre los seguidores del anime japonés, y responsable directo de varias de las producciones de más altura dentro de este género.

Y el próximo programa... Entre copas

2011-10-06T00:38:00.000-07:00

Título original: Sideways.

Año de estreno: 2004.
Compañía productora: Fox searchlight.
Productores: Michael London, George Parra.
Director: Alexander Payne.
Fotografía: Phedon Papamichael.
Música: Rolfe Kent.
Guión adaptado: Alexander Payne, Jim Taylor.
Panfleto original: Rex Pickett.
Intérpretes principales: Paul Giamatti (Miles), Thomas Haden Church (Jack), Virginia Madsen (Maya), Sandra Oh (Stephanie).

Miles, un escritor fracasado que aún está intentando superar un divorcio traumático, decide utilizar su posición como padrino de la boda de su amigo Jack, actor igualmente fracasado, para ir ambos de último viaje de soltero a hacer la ruta vinícola de California. Lo que iba a ser un tranquilo periplo entre caldos exquisitos y buena comida se convierte pronto en un rifirrafe constante entre el vitalismo desatado y algo canalla de Jack y el racionalismo depresivo de Miles, aumentado por la presencia de las camareras Maya y Stephanie que pondrán la tensión sexual en su punto álgido. Como buena despedida de soltero, nada acabará de forma sencilla y en el camino se perderán y ganarán múltiples cosas.

Engañosamente sencilla, Entre copas fue la reconciliación definitiva entre el cine independiente estadounidense y su público tras una década de los 90 llena de desencuentros. Centrándose en un guión sólido como la roca que utiliza el ambiente de la cata de vinos como más que una excusa situacional, la película se centra en el retrato psicológico de sus personajes hasta límites casi obsesivos, haciendo de los demás elementos técnicos y artísiticos un mero accesorio a la profundidad casi freudiana de la que hace gala. Sin embargo, nada está fuera de lugar: las actuaciones, destacando al brillante Paul Giamatti, otorgan la verosimilitud necesaria a sus personajes; la fotografía y la dirección, sencillas pero cuidadas, sirven de forma sencilla el tan complejo plato; y la genial banda sonora pone la guinda final. Una muestra magistral de que la sencillez y el bajo presupuesto no están para nada reñidos con el triunfo artístico, y una película deliciosa para disfritar sin inhibiciones, como los buenos borrachos, convertirse en jocosos filósofos.

Podéis descargar y escuchar en programa aquí.

Y el próximo programa... Canino

2011-09-27T00:50:00.000-07:00

Título original: Kynodontas.

Año de estreno: 2009.
Compañía productora: Boo productions.
Productores: Iraklis Mavroidis, Athina Rachel Tsangari, Giorgos Tsourianis.
Director: Giorgos Lanthimos.
Fotografía: Thimos Bakatatakis.
Música: varios artistas.
Guión original: Efthymis Filippou.
Intérpretes principales: Christos Stergioglou (padre), Michelle Valley (madre), Christos Passalis (hijo), Aggeliki Pappoulia (hija mayor), Mary Tsoni (hija mayor).

Quizá con el deseo inicial de proteger a su progenie de las cosas perniciosas del gran mundo, un padre de familia decide aislar del exterior a su mujer y a sus tres hijos, un varón y dos hembras, formando su carácter de forma que no deseen ir mas allá de la propia casa ni conozcan incluso ningún término útil fuera del ámbito doméstico. Esta obsesión desembocará en un dogma, casi una religión, una forma de vida ritualística y atávica en que ciertas palabras adquieren nuevos significados, los aviones caen del cielo en forma de juguetes, y las competiciones de fuerza y lealtad son constantes en una pugna por decidir el entretenimiento nocturno familiar. Y sin embargo, esta "libertad de influencias" acabará por revelarse a sí misma no tan libre como era en un principio el objetivo del patriarca.

Impactante, visceral y sin concesiones, Canino es una de las mayores sorpresas del cine griego reciente. Sin embargo, considerarla desde un punto de vista de producción nacional y alabarla tan solo por por ser una de las pocas producciones de su país con eco internacional sería causarle un gran desprecio, puesto que la película es también, y por derecho propio, una metáfora surrealista de tremendo poder sobre los peligros de determinadas posturas ideológicas y morales. Fascinante de principio a fin gracias a las virtudes de un guión esculpido a conciencia, no deja de provocar en el espectador sensaciones de rechazo mientras, a la vez, lo mantiene pegado a la butaca en su deseo morboso de ver hasta qué punto es capaz de degradarse la familia protagonista. El amargo final, desde luego, no va a dejar indiferente a nadie.

Podéis escuchar el programa mientras navegáis por la red (a ver dónde os metéis...) o descargarlo si visitáis nuestro canal en iVoox.

Despedida de Dídac Gimeno de Cinema Paradiso

2011-09-22T12:03:00.000-07:00

Cinéfilos nocturnos,

Aunque retirado desde hace bastantes semanas de la dirección del programa, aprovecho este momento para comunicaros mi despedida oficial de Cinema Paradiso. Tras casi tres años compartiendo con todos vosotros mi pasión por el cine dejo el programa para seguir formándome como cienasta.

Son muchos los buenos recuerdos que me llevo de esta etapa: el paso por los festivales, las charlas con los amigos que vinieron a compartir su amor por el cine, el cariño de muchos oyentes y el estreno de mi primer corto en la Mostra de Valencia, en el que fue uno de los momentos más emocionantes que he vivido.

Aunque yo me marche, el programa continúa con Ernesto Gimeno, Laia Serna y Jorge Mompó. A ellos les deseo la mayor de las suertes y espero tengan muchos éxitos a partir de ahora. Sé lo dentro que llevan el cine y estoy seguro que van a hacer un gran trabajo.

Quiero agradecer otra vez más a la dirección de Ràdio Klara la libertad y la confianza que nos han dado, también quiero dar las gracias a los colaboradores que hemos tenido en Cinema Paradiso, especialmente a Cristina Pareja y Carlos Gener, y a todos los invitados que compartieron su tiempo con nosotros -muchos de ellos a horas intempestivas-. Pero sobre todo quiero daros las gracias a los que nos habéis escuchado durante este tiempo. Muchísimas gracias porque vosotros habéis hecho que el sueño de Cinema Paradiso sea posible.

Hasta siempre, cinéfilos nocurnos,
Dídac Gimeno.

Y el próximo programa... El año pasado en Marienbad

2011-09-20T00:42:00.000-07:00

Título original: L'année dernière a Marienbad.

Año de estreno: 1961.
Compañías productoras: Terra film, Société nouvelle des films Cormoran Precitel, Como-films, Argos-films, Les films Tamara Cinetel, Silver-films, Cineriz.
Productor: Michel Choquet.
Director: Alain Resnais.
Fotografía: Sacha Vierny.
Música: Francis Seyrig.
Guión original: Alain Robbe-Grillet.
Intérpretes principales: Giorgio Albertazzi (el amante, "X"), Delphine Seyrig (la mujer, "A"), Sacha Pitoëff (el marido "M").

Una pareja va a pasar unos días en un suntuoso hotel de situación bastante indeterminada. Allí, mientras el marido se dedica a retar a otros huéspedes a juegos de intelecto y desatiende a su pareja, ella se encontrará con un hombre que dice ser su amante, y que defiende que ambos se conocieron el año pasado en otro hotel de similares características, posiblemente Marienbad. Sin embargo, la mujer no tiene constancia de estos hechos, lo que hará que el supuesto amante se vuelque en un cortejo incesante mientras intenta por todos los medios hacerle recordar lo que para él es prístino y claro. A medida que esta especie de acoso escale su intensidad, el marido también se verá involucrado en dicho juego.

Enigmática y deslumbrante como ella sola, El año pasado en Marienbad es sin lugar a dudas una de las obras más inclasificables de la historia del cine. Partiendo de un guión de profundidades insondables, Resnais hace un uso absoluto de las potencias cinematográficas para que todo, absolutamente todo, tenga algo que aportar a la lectura de la película. Así, fotografía, encuadres, montaje, actuaciones, diálogos, atrezzo, decorados y música se vuelven una unidad de sentido y estética tan cohesionada que se diría que ningún otro director ha conseguido jamás una película tan radical y auténticamente cinematográfica. Una carta de presentación de sobra impresionante que, para postres, se une con una elegancia y un saber hacer que convierten a la cinta en uno de los platos más exquisitos (y, a la vez, exigentes) que puede servirse un cinéfilo.

Y el próximo programa... Cómo ser John Malkovich

2011-09-12T00:41:00.000-07:00

Título original: Being John Malkovich.
Año de estreno: 1999.
Compañía productora: Gramercy pictures, Propaganda films, Single cell pictures.
Productores: Michael Stipe, Sandy Stern, Steve Golin, Vincent Landay.
Director: Spike Jonze.
Fotografía: Lance Acord.
Música: Carter Burwell.
Guión original: Charlie Kaufman.
Intérpretes principales: John Cusack (Craig), Catherine Keener (Maxine), Cameron Díaz (Lotte), Orson Bean (dr. Lester), John Malkovich (él mismo).

Craig, un marionetista frustrado porque su arte no recibe reconocimiento, lleva una existencia anodina empeñándose en su profesión pese al desprecio del público mientras convive con su mujer Lotte, preservando una relación donde todo sentimiento sincero ha sido aniquilado frente a la rutina y las imposturas. La difícil situación económica de su matrimonio le lleva a ser contratado como archivero en una empresa muy especial, situada en un estrecho hueco entre dos plantas de un edificio. Allí conocerá a Maxine, una mujer liberada y ególatra cuyo encanto hará que pierda los papeles y se vuelva loco de amor, a pesar de ser rechazado una y otra vez. Un día, Craig descubre una diminuta puerta tras un archivador, una puerta que da a un túnel sinuoso que lleva... a la mente de John Malkovich, el famoso actor. Impactado por este descubrimiento, se lo confía a Maxine, quien no se corta un pelo en sacarle rendimiento económico. A partir de aquí, la misma existencia de la puerta trastocará las vidas de Craig, Lotte, Maxine y el propio Malkovich.

Fresca, sorprendente y terriblemente amena, la primera criatura fílmica salida de las mentes del binomio más gamberro y juguetón del Hollywood actual es sin duda obra de referencia para quien quiera ilustrar el concepto de "postmoderno". Después de una sonada carrera en el mundo del videoclip y de varios programas de éxito en la MTV, Spike Jonze decidió que el cine no debía quedar virgen de su magia y se valió de uno de los delirantes guiones de su amigo Charlie Kaufman para poner patas arriba a todo el stablishment. Cómo ser John Malkovich es el revulsivo perfecto para quienes ya ven los mismos patrones incluso en el cine más experimental y quieren volver a confiar en la magia del mainstream. A medio camino entre el género palomitero, la película de autor y la cinta de culto, nuestra película de la semana es desde luego tan freak como sus padres, un extraño engendro que no se deja encasillar ni domar, y que se disfruta a cada visionado como si fuese la primera vez.

Y el próximo programa... Titus

2011-09-05T00:46:00.000-07:00

Título original: Titus.
Año de estreno: 1999.
Compañía productora: Clear blue sky productions, Urania pictures, NDF entertainment.
Productoras: Conchita Airoldi, Julie Taymor.
Directora: Julie Taymor.
Fotografía: Luciano Tovoli.
Música: Elliot Goldenthal.
Guión adaptado: Julie Taymor.
Panfleto original: William Shakespeare.
Intérpretes principales: Anthony Hopkins (Tito Andrónico), Jessica Lange (Tamora), Laura Fraser (Lavinia), Angus Macfadyen (Lucio), Harry Lennix (Aarón), Jonathan Rhys Meyers (Quirón), Matthew Rhys (Demetrio), Alan Cumming (Saturnino), James Frain (Basiano), Colm Feore (Marco Andrónico), Osheen Jones (joven Lucio).

La guerra contra los godos ha acabado con victoria romana. Tito Andrónico, el general que ha hecho posible dicho triunfo, vuelve a la patria a recibir su merecido descanso y a enterrar a sus hijos muertos en la batalla. Sin embargo, dentro de los muros de la ciudad eterna le espera otra guerra bien distinta: la disputa por el trono del recién difunto César, librada entre sus hijos Saturnino y Basiano. Elegido como tercer aspirante legítimo al trono por los tribunos, decide renunciar a tal derecho y con sus palabras convence al pueblo para que elijan a Saturnino, velando así por la felicidad de su hija Lavinia, prometida de Basiano. Sin embargo Saturnino, una vez reclamado el trono, reclama a Lavinia como esposa, obligando a Tito a aceptar su oferta y provocando a Basiano y a Lucio, líder de los vástagos todavía vivos de Tito. Ellos raptan a Lavinia para procurarle felicidad, deshonrando a su padre frente al emperador, quien en su despecho vuelca sus ojos sobre Tamora, la reina de los godos, hecha prisionera por Tito y resentida con él por el asesinato de su hijo primogénito. Una vez convertida en emperatriz, urdirá junto con sus hijos Quirón y Demetrio un plan para hundir en la miseria al ya desgraciado Tito y a toda su progenie. Aprovechándose de esta conjura, Aarón, el sirviente moro de Tamora, colaborará con ellos para llevar todo el complot a su propio beneficio satisfaciendo así su negra alma.

Respetando cada palabra, punto y coma de la pluma del bardo inmortal, Julie Taymor demuestra en esta fastuosa producción que la verdad imperecedera puede vestir cualquier gala. Con un eclecticismo delicioso, mezcla épocas, culturas y razas (aprovechando su experiencia como directora teatral) hasta conseguir un fondo y unos personajes del todo originales, consiguiendo sin embargo que la forma no sepulte el fondo trasladando a la pantalla toda la fuerza y el drama de una de las obras más celebradas de Shakespeare, aprovechando de paso la profundidad intrínseca del mensaje de la misma para disertar sobre la violencia, la venganza y la relatividad de la justicia humana. En palabras de la propia directora, incluídas al inicio del film, "Titus no es una historia refinada e inofensiva, sino una en la que a través de imágenes cargadas de poesía se encierra el horror de la tragedia humana, exigiéndonos que examinemos las verdaderas raíces de la violencia y juzguemos sus distintos actos". Viendo el resultado, no cabe más que estar de acuerdo en todo con ella.

Y el próximo programa... Stalker

2011-08-29T04:19:00.000-07:00

Título original: Сталкер.
Año de estreno: 1979.
Compañía productora: Mosfilm.
Director: Andrei Tarkovski.
Fotografía: Aleksandr Kniazhinski.
Música: Eduard Artemiev.
Guión: Arkadi Strugatski, Boris Strugatski, Andrei Tarkovski.
Intérpretes principales: Aleksandr Kaidanovski (el Stalker), Anatoli Solonitsyn (el Escritor), Nikolái Grinko (el Profesor), Alisa Freindlich (la mujer del Stalker), Natasha Abramova (la hija del Stalker).

Hay un lugar en el mundo, una Zona claramente delimitada, donde las leyes de la física y la lógica no significan nada. Lo que en un principio parece el paraíso para la ciencia y la filosofía, debido a sus infinitas posibilidades, pronto se convierte en un erial cuando se comprueba que las personas que penetran en ella jamás salen; incluso todo intento de conquistarla fracasa, pues las armas no funcionan en su radio de acción. Sin embargo, todavía perviven dos rumores entre la gente que vive cerca de la Zona: que en su mismo centro existe una habitación que permite realizar los más íntimos deseos del alma humana; y que existen ciertas personas, llamadas Stalkers, que pueden orientarse en ella y llegar a dicha habitación. Siguiendo estas habladurías, dos indivíduso, el Escritor y el Profesor, han dado con un verdadero Stalker y se proponen internarse en la Zona en búsqueda de la habitación fantástica. Esto, por supuesto, no será un simple paseo por el campo...

Superando de forma rotunda y triunfal todo presupuesto en el género de la ciencia ficción, Stalker es mucho más que un viaje alucinante a la mente de uno de los más grandes teóricos y estetas que ha dado el séptimo arte (que no es decir poco). Con cada fotograma que la compone siendo digno de mostrarse en un museo como obra de arte total, la cinta por entero resulta tan bella que arrebata al espectador mientras dirime cuestiones tan trascendentales como la naturaleza de la fe en el mundo moderno o la finalidad misma de la vida, si es que la hay. Esta obra es, con el permiso de Nostalgia y El espejo, la ejemplificación total de las teorías de Tarkovski, el demiurgo, el auténtico escultor del tiempo, un hombre sin quien el cine mismo no habría sido igual y al que las nuevas generaciones de cineastas están homenajeando de manera creciente. Un título del todo sublime, excepcional, que no puede faltar en las estanterías de todo amante del cine que se precie.

Podéis descargar y escuchar nuestro programa aquí.

Seguimos sin poder emitir

2011-08-26T14:19:00.000-07:00

Lamentándolo muchísimo, los problemas que tuvimos la semana pasada siguen persiguiéndonos y no podemos ofreceros el prometido programa sobre Azul, de Kieslowski, que al parecer se perderá para siempre. Algo triste, teniendo en cuenta el talento del director. En su lugar os ofrecemos la reposición del programa sobre Los cronocrímenes, de Nacho Vigalondo, en el que contamos con la presencia de Jorge Mompó y Julio Fontán.

Sin embargo, nos alegra anunciar que la semana que viene sí habrá programa, palabra de cinéfilo. Es nuestro deseo que, pese al hiato en las emisiones, os hagáis el ánimo y nos sigáis en esta nueva retransmisión.

Anulamos el programa de hoy

2011-08-19T13:23:00.001-07:00

Sentimos anunciar que esta semana no podremos estar en directo a través de las ondas. Podréis escuchar la reposición del programa dedicado a Delicatessen.

Aceptad, porfaplís, nuestras disculpas más humildes y esperamos teneros al otro lado el programa que viene.

Y en el próximo programa... LA REGLA DEL JUEGO

2011-08-12T08:14:00.000-07:00

FICHA

Título original: La règle du jeu

Año de estreno: 1939

Productor: Claude Renoir

Compañía productora: N.E.F. (Les Nouvelles Éditions Françaises)

Director: Jean Renoir

Fotografía: Jean Bachelet

Música: Roger Désormière y varios clásicos (Mozart, Saint-Saëns, Chopin, Strauss...)

Guión: Jean Renoir, Carl Koch, Camille François

Intérpretes principales: Nora Gregor (Christine de la Cheyniest), Paulette DUbost (Lisette), Marcel Calio (marqués Robert de la Cheyniest), Julien Carette (Marceau), Roland Toutain (André Jurieux), Gaston Modot (Schumacher), Jean Renoir (Octave), Mila Parély (Geneviève de Marras).

¿Pero de qué juego hablamos?

¿Qué se gana? ¿Qué se pierde?
Para ir abriendo boca, diremos que quien no juega según las reglas puede perder hasta la vida.

   André Jurieux, aviador, acaba de realizar toda una proeza al atravesar sólo el Atlántico. Sin embargo, no se muestra orgulloso ante la prensa y la multitud entusiasmada que le esperaba, sino decepcionado: la mujer por la que se ha lanzado a la aventura no ha ido a recibirle. Ésta mujer es Christine de la Cheyniest, esposa del marqués de la Cheyniest. Por supuesto, el marqués escucha por la radio, como todos, la confesión del aviador, pero el matrimonio prefiere dejarlo todo en una confusión. El mismo marqués mantiene una relación con una amiga, Geneviève de Marras. ¿Qué mejor manera de arreglar el malentendido que organizar una fiesta en honor del aviador? En La Colinière, finca del marqués, se reunirán todas la parejas y, además, veremos otros juegos de parejas entre los criados. Sin embargo, mientras que los respetables señores siguen con sus fiestas y fingen que no pasa nada, los criados dan rienda suelta a sus pulsiones, convirtiéndose en el reflejo del alma de los señores, de los verdaderos deseos que ocultan.

   El juego, tal y como se imaginarán muchos, es el de las falsas apariencias, el juego que debe seguir una clase social estancada, que ya huele a podredumbre, para fingir que todo sigue igual, que nada ha cambiado ni nada cambiará. Sin embargo, se vaticina el fin de una era.

   La película ha sido calificada como “polémica”. Renoir explica por qué es un calificativo adecuado: “En la premier del film vi a un espectador que, muy serio, se sacaba un periódico y una cerilla para encenderlo con la clara intención de prender fuego a la sala. Si una película produce semejante reacción, es una película polémica.” Esto sucedió en 1939, a las puertas de la Segunda Guerra Mundial, en un ambiente de autocomplacencia y ultranacionalismo por parte de las clases pudientes que, al darse a sus distracciones y temiendo más al Frente Popular que a la ultraderecha sirvieron en bandeja el futuro al fascismo.

   En esta película veremos una crítica mordaz a un orden social absurdo, pero también una nueva concepción del cine. No en vano se considera la película que inicia la Modernidad, junto con Ciudadano Kane. Por si no os basta con saber que fue prohibida en Francia y Alemania, os diremos que esta película se encuentra entre las mejores de la historia del cine, miréis en la lista que miréis. Así es que os esperamos en el programa. Ya sabéis que, si no podéis escucharnos, tenéis la opción de descargar el podcast más adelante.

Y en el programa pasado... AMÉLIE

2011-08-11T06:33:00.000-07:00

Pues sí, hubo un fallo de coordinación y la semana pasada no publicamos a tiempo. Sorry. Aquí os dejamos la ficha, de todos modos.

FICHA

Título original: Amélie

Año de estreno: 2001

Productor: Claudie Ossard, Jean-Marc Deschamps

Compañía productora: Claudie Ossard Productions, Union Générale Cinématographique (UGC), Canal+

Director: Jean-Pierre Jeunet

Fotografía: Bruno Delbonnel

Música: Yann Tiersen

Guión: Guillaume Laurant, Jean-Pierre Jeunet y Guillaume Laurant (diálogos)

Intérpretes principales: Audrey Tatou (Amélie), Mathieu Kasssovitz (Nino) y tantos "secundarios" que merecen ser nombrados que no nos cabrían aquí.

Tiempos difíciles para los soñadores... o quizás no

Chica y chico se conocen y terminan juntos. Bien. El 99,9 % de las historias me cuentan eso. ¿Y qué más?

TODO.

Bienvenidos a un cuento urbano que nos anima a creer en la magia de lo cotidiano, en la importancia de los detalles sin importancia. Amélie no seria la historia que es sólo con la pareja mencionada al principio; hacen falta todas las historias colaterales, con el amplio abanico de personajes que las conforman. Personajes caricaturescos, conflictos que no llamarían especialmente la atención por separado, anécdotas que ya hemos oído en otra parte... pero que en conjunto, dándoles el peso justo y enebrándolas ágilmente proporcionan una sesión completa. Porque incluso de la propia Amélie no sabemos demasiado; los personajes se presentan a partir de esos detalles sin importancia que, sin embargo, nos permiten conocerlos de un modo distinto que a través de asépticos datos biográficos.

Una película que se deja ver de manera sorprendente. La aparente espontaneidad del discurso, la fluidez de las imágenes y las palabras, la complicidad con el espectador, el espectáculo visual... Detrás de todo esto hay truco, hay cartón. A parte de un guión literario que cuenta más de lo que muestra, que sin pretensionesnos lleva a reflexiones sobre la memoria, los medios de comunicación, la idea de realidad, el propio cine... a parte, decimos, también la forma es peculiar. Encontramos un guión técnico rico, una cámara hábil y joven capaz de realizar casi cualquier movimiento, siempre sorprendente y siempre justificado. Una estética única y fantástica incluso para retratar lo real, y también un universo sonoro cuidadísimo hasta el milímetro. Bueno, hasta la milésima de segundo. Las voces, los sonidos, los ruidos e incluso los silencios cuentan algo. Y, por supuesto, la banda sonora. Por cierto: si la tenéis ya aburrida (culpa del uso y abuso por parte de tantos) podéis probar con René Aubry, tal y como comentamos en el programa.

Error crítico

2011-07-15T16:54:00.000-07:00

Esta noche, durante la emisión de nuestro programa sobre Los canallas duermen en paz, el ordenador de Ràdio Klara tuvo un error crítico que nos requirío toda la atención, impidiendo la continuación del mismo. Pedimos perdón a todos nuestros oyentes, y en especial a quien pidió expresamente el programa sobre dicho título.

Por supuesto, la cosa no quedará aquí. La semana que viene colgaremos una reposición, por ser imposible la comparecencia de los miembros del programa, y a la siguiente retomaremos la emisión sobre la obra de Kurosawa, esperando para ello mejor fortuna que la que hemos tenido esta noche. Os agradecemos de antemano vuestra comprensión y paciencia.

Y el próximo programa... Los canallas duermen en paz

2011-07-12T14:14:00.000-07:00

Año de estreno: 1960.
Productora: Toho.
Director: Akira Kurosawa.
Guión original: Akira Kurosawa, Ryuzo Kikushima, Hideo Oguni, Shinobu Hashimoto, Eijiro Hisaita.
Fotografía: Yuzuru Aizawa.
Música: Masaru Sato.
Intérpretes principales: Toshiro Mifune (Koichi Nishi), Takeshi Kato (Itakura), Masayuki Mori (Iwabushi), Kyoko Kagawa (Yoshiko).

Es el día de la boda entre Nishi, un joven apuesto de orígenes humildes, y Yoshiko, la hija del presidente de la poderosa empresa Dairyu. A este evento asisten los principales ejecutivos de dicha empresa, envuelta hace 5 años en un escándalo de corrupción que se silenció con el suicidio de un alto cargo. En medio de la boda aparece una tarta, enviada por un anónimo, que recrea el edificio en el que se cometió el sucidio, con una rosa en la ventana desde la que se arrojó el alto cargo al vacío. Este recordatorio marca el preludio de un intento a gran escala de volver a sacar a la luz los hechos criminales acaecidos hace 5 años, orquestado en las sombras por el propio Nishi, hijo secreto del suicida, que aprovecha su posición dentro de la familia que controla la Dairyu para actuar ventajosamente. Sin embargo, la ciega lealtad de los ejecutivos de la empresa, su malevolencia y habilidad a la hora de estirar de los hilos y persuadir a los demás, y el creciente amor que siente por su esposa, no dejarán de trabar palos en sus ruedas.

Considerada una obra menor del maestro nipón, y pese a ello poderosa narración de tintes deprimentes y cínicos, Los canallas duermen en paz supone la muestra más clara de la vertiente política de Kurosawa, no tan desarrollada como sus otras facetas (la histórica en sus conocidas producciones chambara, la social en obras maestras como Vivir, o la directamente metafísica en sus Sueños) pero igualmente interesante y atractiva. Kurosawa no se corta a la hora de volcar su pesimismo social y su desprecio hacia el rico y poderoso en esta crítica mordaz hacia el sistema empresarial capitalista, investido de sus tradicionales demonios: ambición, avaricia y mentira. Siendo ésta una historia en la que los propios héroes, pese a ser canallas ellos mismos, no son más que la pálida sombra de los monstruos que la proyectan, hombres fríos dedicados al dinero y al poder cuya alienación de toda bondad se vuelve por momentos escalofriante. Combinando de manera deliciosa las formas de entender el cine oriental y occidental, de la forma que sólo el maestro Kurosawa sabía, Los canallas duermen en paz es un pertinente recordatorio mediante el arte de la máxima que años más tarde Puzo y Coppola demostrasen sin asomo de duda: "detrás de cada gran fortuna hay un gran crimen".

Podéis escuchar o descargar el programa desde nuestro canal en iVoox.

Y el próximo programa... Delicatessen

2011-07-05T07:41:00.000-07:00

Año de estreno: 1991.
Productor: Claudie Ossard.
Directores: Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro.
Guión original: Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro, Gilles Adrien.
Fotografía: Darius Khondji.
Música: Carlos D'Alessio.
Intérpretes principales: Dominique Pinon (Louisson), Marie-Laure Dougnac (Julie), Jean-Claude Dreyfus (el carnicero).
En un futuro de ubicación y circunstancias indeterminadas, pero muy probablemente tras un conflicto a gran escala que arruinó economicamente el planeta y desposeyó a la humanidad de todos sus recursos alimenticios salvo las legumbres (usadas a modo de dinero, y por tanto sagradas e incomestibles) y la carne humana, los grupos de personas supervivientes han degenerado en una sociedad jerárquica en que la violencia aleatoria y la antropofagia se han convertido en normas diarias. Sin embargo, esto no sucede en el 129 bis de la Plaza de la Albúmina, un edificio de plantas regido con mano de hierro por un cruel carnicero, que atrae a gente del exterior con promesas de trabajo y seguridad para sacrificarlos y repartir su carne entre los inquilinos del inmueble, evitando que nadie mate a nadie dentro de esa pequeña comunidad. Este plan, tan maquiavélico como efectivo, se truncará sin embargo con la llegada de Louisson, un simpático ex-payaso de vida errabunda que despertará la ternura de Julie, la hija del carnicero, que le revela la trama. Juntos, soñarán con escapar de ese ambiente opresivo, llegando a contactar para ello con los misterioros "trogloditas", rebeldes comedores de legumbres que viven en las antiguas alcantarillas.

Extraña y visualmente fascinante, la más conocida de las colaboraciones de la dupla Jeunet-Caro incluye lo mejor de ambos directores: el lado luminoso y positivo del primero, y el cínico y socarrón del segundo. Entre ambos orquestan un siniestro cuento sin moraleja alguna, en que lo principal es la atmósfera que flota a lo largo de toda la cinta y amalgama a los personajes en su poderosa imaginería. Como espectadores, no podemos dejar de mirar una narración en que la estética es lo predominante: al poco de comenzar la película, el argumento y los personajes dejan de importarnos, sumergidos como estamos en una sugerente fotografía de tonos ocres que nos desvela una distopía construída hasta los más pequeños pormenores cuyas tuberías, muelles y demás objetos arcaizantes embellecen el encuadre hasta límites insospechados. Jugueteando con la cámara, siempre en ángulos sorpresivos, ambos directores van creando un ritmo casi musical para las desavenencias del antiguo payaso y su enamorada, que culmina en una gran fanfarria en la que el efectismo y el truco se han adueñado ya de todo y nos han convertido de nuevo en niños que no pueden más que aplaudir ante un truco grandilocuente y cómplice. Una propuesta sin duda original y refrescante del cine francés reciente, que ya adelanta la colaboración de Jeunet con el mago de lo visual Pitof, y adelantan en cierta manera (no hay más que ver los créditos iniciales y la presencia de ciertos actores, por ejemplo) a la revolucionaria Amelie.

Comienza Vociferio, el primer festival de poesía de Valencia

2011-06-29T11:24:00.000-07:00

Cinéfilos nocturnos, el próximo día 4 de julio comienza el primer festival de poesía de Valencia Vociferio. Organizado por la sala Carme Teatre y el Café El Dorado MAE, promete ser uno de los acontecimientos del verano.

No olvidéis haceros fans de su página de facebook y echarle un vistazo a su web!

Y el próximo programa... Blade Runner

2011-06-28T03:26:00.000-07:00

Año de estreno: 1982.
Productores: Michael Deeley, Ridley Scott.
Director: Ridley Scott.
Guión adaptado: Hampton Fancher, David Peoples.
Panfleto original: Philip K. Dick.
Fotografía: Jordan Cronenweth.
Música: Vangelis.
Intérpretes principales: Harrison Ford (Rick Deckard), Rutger Hauer (Roy Batty), Sean Young (Rachael), Edward James Olmos (Gaff), M. Emmet Walsh (Bryant), Daryl Hannah (Pris), William Sanderson (Sebastian), Joe Turkel (Tyrell), Brion James (Leon), Joanna Cassidy (Zhora), Morgan Paull (Holden).

Rick Deckard ha dejado uno de los oficios más problemáticos, no solo en cuanto a pericia requerida sino también filosóficamente hablando, que existen: ser Blade Runner, policía especializado en la "retirada" de androides rebeldes. Estos androides, llamados Replicantes, iguales en todo o incluso superiores a los humanos que los crearon, pero con una esperanza de vida radicalmente más corta, se encargan del trabajo pesado en las colonias que la humanidad ha establecido fuera de la Tierra, y tienen prohibido volver al planeta madre por ningún medio. Rick es poco menos que obligado a volver a su trabajo cuando su sustituto es asesinado por cinco Replicantes huídos que han llegado a la ciudad con el objetivo de entablar contacto con su creador, Tyrell, dueño de la todopoderosa empresa homónima que fabrica dichos androides. Sin embargo, lo que parecía ser un trabajo más para el veterano Blade Runner, solo algunas muescas añadidas a un cinturón desgastado, se complica enormemente con la aparición de Rachael, la sobrina de Tyrell, que hará que por primera vez Rick dude acerca de la necesidad de su trabajo, de su propósito mismo e incluso acerca de su propia identidad... como ser humano.

Rotundo fracaso comercial en su estreno, Blade Runner fue sin embargo rescatada a posteriori como la contrapartida oscura y ambigua del género de ciencia ficción, que por aquél entonces dominaban dos títulos tan poderosos como 2001: una odisea del espacio, y La guerra de las galaxias. Llegando su importancia a ser tal que marcaría la estética y los temas del género durante toda la década de los 80 y parte de los 90, y habiéndose revitalizado con dos versiones posteriores de sí misma que modificaban el metraje original resaltando su faceta trágica y filosófica, la película de Scott es mucho más que una de las adaptaciones más correctas a la gran pantalla que se han hecho de la obra del maestro Philip K. Dick, sino que casi roza la perfección en todos los otros aspectos cinematográficos: una ambientación futurista exquisita, con decorados oscuros pormenorizados hasta la obsesión; una fotografía tenebrista que entronca la ciencia ficción con el mejor cine negro; interpretaciones ya míticas que le han dado a la historia del cine algunas de sus mejores frases; y una banda sonora sin igual a cargo de Vangelis. Sin lugar a dudas, una obra no solo digna, sino hasta necesaria, de figurar en el podio de los grandes títulos de la fantasía futurista, y de la cinematografía universal.

Atrapado en el tiempo

2011-06-20T16:37:00.000-07:00

Año de estreno: 1993.
Productores: Trevor Albert, Harold Ramis.
Director: Harold Ramis.
Guión original: Danny Rubin, Harold Ramis.
Fotografía: John Bailey.
Música: George Fenton.
Intérpretes: Bill Murray (Phill), Andie McDowell (Rita), Chris Elliott (Larry).

El arrogante meteorólogo Phill tiene que enfrentarse, como cada año, a su peor pesadilla: viajar hasta el pueblo de Punxsutawney a encontrarse con su tocayo la marmota Phill, animalito que según la creencia popular puede predecir una primavera anticipada o la continuación del invierno. Desplazado a dicha localidad junto a su cámara y su productora técnica, el hombre del tiempo pronto se da cuenta de que cada día que pasa es un calco del anterior, encontrándose virtualmente atrapado en un día que siempre es el mismo y que se repite en bucle recreando los mismos sucesos. Este extraño fenómeno será visto de muchas formas por parte del protagonista: como una maldición, como una liberación, como algo de lo que aprovecharse... e incluso como una oportunidad para hacer las cosas bien, por una vez.

Un acercamiento más amable a la paradoja temporal que la investigada en nuestro anterior programa, la comedia más famosa de Harold Ramis y uno de los papeles que contribuyeron a catapultar la fama de Bill Murray junto con Los fantasmas atacan al jefe o la saga Cazafantasmas, Atrapado en el tiempo es un pequeño gran clásico moderno del humor simple pero efectivo. Confiando toda su fuerza a unos personajes entrañables cuya evolución marcará el peso de la cinta, nuestra propuesta de la semana es ideal para quien quiera echarse unas risas a costa de una historia de amor atípica y sorprendentemente sensible en la que el tiempo, y su imparable iteración, marcan la parte novedosa.

Los cronocrímenes

2011-06-15T04:09:00.000-07:00

Año de estreno: 2007.
Compañías productoras: Karbo Vantas Entertainment, Fine Productions, Zip Films.
Productores: Javier Ibarretxe, Esteban Ibarretxe, Eduardo Carneros.
Director: Nacho Vigalondo.
Guión original: Nacho Vigalondo.
...Fotografía: Flavio Labiano
Música: Chucky Namanera.
Intérpretes: Karra Elejalde (Héctor), Candela Fernández (Clara), Nacho Vigalondo (joven científico), Bárbara Goenaga (chica del bosque).

Héctor, un hombre normal y anodino, vislumbra algo en el bosque cercano a su nueva casa mientras discute con su mujer. Intrigado, se consigue unos prismáticos para otear en la floresta y descubre a una joven semidesnuda en un claro cercano. En cuanto se acerca a ver qué pasa, un misterioso hombre con la cabeza cubierta por vendas ensangrentadas le ataca y le obliga a darse a la fuga. En su huída llegará a un laboratorio perdido en el monte en el que un joven científico, con la excusa de librarle de su agresor, lo introduce en una máquina del tiempo y lo abduce al pasado. Es en este momento cuando la película echa sus cartas sobre la mesa: ¿quién es el asesino enmascarado?; ¿qué habrá de hacer Héctor a partir de ese momento?; ¿qué sentido tienen todos los hechos pasados... y futuros?

Brillante acercamiento a un tema tan icónico de la ciencia ficción como es el viaje temporal, Los cronocrímenes supone el primer largometraje de uno de los jóvenes creadores más preclaros de su generación, Nacho Vigalondo. Innovador, sorprendente, polémico y genuinamente freak, Vigalondo demuestra con su ópera prima en el terreno del largo no sólo la maestría que ya dejó patente con sus cortos y web-clips, sino también una verdad que debería tener siempre presente el cine español: para hacer un buen producto, más que un gran presupuesto hace falta una buena idea, y fidelidad a la misma a la hora de plasmarla en el guión y en el celuloide. Deliciosamente ecléctica en fondo y forma, la película es clásica en ciertos momentos y tremendamente postmoderna en otros, pero nunca deja de lado el ingenio y la intriga como principales armas para convencer al espectador.

Este programa será, además, la excusa perfecta no sólo para hablar de la próxima película de Vigalondo, ya en ciernes, sino también para tener como invitado al mayor fan del título y su director en Valencia, y uno de los cinéfilos con mayor potencial dentro del panorama de la crítica, Julio Fontán jr., que acompañará a Jorge Mompó y a vuestro servidor en la cabina de la radio. Espero que la propuesta os seduzca.

¿Quién puede matar a un niño?

2011-06-09T03:11:00.000-07:00

Año de estreno: 1976.
Producción: Penta Films.
Productor: Julio Parra.
Guión adaptado: Narciso Ibáñez Serrador (bajo el seudónimo "Luís Peñafiel").
Panfleto original: Juan José Plans.
Fotografía: José Luís Alcaine.
Música: Waldo de los Ríos.
Intérpretes: Lewis Fiander (Tom); Prunella Ransome (Eve); Javier de la Cámara, Lourdes de la Cámara, María Druille, Roberto Nauta, José Luís Romero, Marian Salgado, Cristina Torres, Luís Mateos, Adela Blasco, Juan Carlos Romero, Julio Jesús Parra, Carlos Parra, Juan Antonio Balandín, Pedro Balandín (niños de la isla).

La ficticia localidad española de Benavís ve turbado su vacacional ajetreo veraniego por la aparición de un cadáver en sus playas. Esta macabra advertencia no es más que el punto de partida del infierno que les aguarda a Tom y Eve, dos turistas británicos que han elegido España como destino para su descanso prenatal antes de la llegada de su tercer hijo. De Benavís tienen planeado navegar a la también ficticia isla de Almanzora, en la costa mediterránea, un paraje que el marido ya había visitado en su juventud. Sin embargo, la paz y la calma que esperaban encontrar allí ya han sido rotas antes incluso de su llegada: descubren el pueblo casi desierto, a excepción de un puñado de niños que corretean ignorando sus preguntas. Poco a poco, la pareja se da cuenta de qué ha pasado, qué esconden los niños tras sus sonrisas y sus actos...

Más siniestra y cruel que Los pájaros de Hitchcock, de la que es heredera en espíritu, y mucho más audaz que Los chicos del maíz, a la que se le adelantó varios años, ¿Quién puede matar a un niño? es la segunda y última película del que probablemente sea el más eminente maestro español del terror durante el último franquismo y la transición. Y no hacía falta más: con solo dos películas, Narciso Ibáñez Serrador, nuestro querido "Chicho", demostró sobradamente que el cine no era más que otro medio posible de salida para su genio ampliamente probado en el campo de la televisión con programas tan míticos como Historias para no dormir o Mis terrores favoritos, y en esta segunda incursión en el medio tras su soberbia La residencia realiza una obra que abarca todo lo que su predecesora no ofrecía en modernidad, truculencia y angustia. Un proyecto osado para la España de los 70, con actores extranjeros bajo producción y dirección patria y exteriores en sitios tan dispares como Sitges, Menorca, Almuñécar (Granada) y Ciruelos (Toledo) combinados con el rodaje en estudio, que no podría haber estado mas que bajo su batuta para ofrecer un resultado tan excelente. El título perfecto para penetrar en los siniestros recovecos del alma de quien, junto con José Luís Garci y su ¡Qué grande es el cine!, es responsable directo de la cinefilia de las generaciones presentes en nuestro país.

O brother! Where art thou?

2011-06-01T12:34:00.000-07:00

FICHA

Año de estreno: 2000.
Productor: Joel y Ethan Cohen.
Director: Joel Cohen.
Fotografía: Roger Deakins.
Música: T. Bone Burnett.
Guión: Joel y Ethan Cohen, basado en La Odisea, de Homero.
Intérpretes principales: George Clooney (Ulysses Everett), John Turturro (Pete), Tim Blake Nelson (Delmar), Chris Thomas King (Tommy Johnson), Holly Hunter (Penny), Michael Badalucco (George "Babyface" Nelson), John Goodman (Dan Teague), Charles Durning (Pappy o Daniel), Wayne Duvall (Homer Stokes).

Encabezando una de las más osadas y disparatadas huídas de prisión jamás vistas, el locuaz Ulysses Everett McGill convence a sus compañeros de penitenciaría Pete y Delmar para incumplir sus condenas y emprender un viaje en busca del tesoro escondido de su último atraco, nada menos que 1.200.000 dólares. Sin embargo, lo que parecía una empresa fácil y cuidadosamente maquinada se desvela como una auténtica odisea (nunca mejor dicho) en la que los tres prófugos ven frustrados sucesivamente sus planes por las fuerzas naturales del sur profundo estadounidense en los años de la Gran Depresión, sus gentes e incluso diríase que sus fuerzas sobrenaturales. Y es que el destino tiene preparados reveses y sorpresas increíbles para los tres prófugos, pues los pondrá a prueba y les cruzará en el camino de gente destinada a grandes cosas.

Destilando la peculiar épica que sólo los Cohen pueden conseguir, este "qué habría pasado si el inmortal Homero viviese en la Norteamérica de principios del siglo XX" no es más que una gran peripecia, una astracanada de encuentros, casualidades y aventuras que, por humanas y poderosamente metafóricas, se apoderan del imaginario del espectador. Esta suerte de viaje en busca de la autoafirmación y un lugar en el mundo que emprenden los tres protagonistas se nos antoja tan cercano precisamente porque es una constante de la humanidad, que los clásicos griegos tan bien supieron ver, y que los grandes autores contemporáneos han remozado y adaptado a sus tiempos, como ya hiciera en su día James Joyce y su Ulysses. En esta ocasión, usando el lenguaje cinematográfico, los Cohen proponen una reconstrucción del mito donde el humor oscuro y los personajes de carácter marcado, tan propios de sus creaciones, se apoderan del relato y hacen de él una experiencia tan divertida como revificadora e introspectiva. Si a eso se le unen grandes interpretaciones, una soberbia fotografía y una banda sonora deliciosa repleta de temas vocales y sabor country y folk, el resultado es uno de los mejores títulos para adentrarse en el universo de los dos hermanos creadores más notables de nuestros días.

Para este programa contaremos con la colaboración de un oyente y amigo, Jorge Mompó, amante del cine y la música, que nos transmitirá su pasión en un bonito gesto hacia el programa. Esperamos que os guste.

Y la reposición de la semana es...

2011-05-22T15:17:00.000-07:00

Continuando con nuestro periodo vacacional, esta semana os ofrecemos la primera de nuestras reposiciones, en este caso el programa sobre Arrebato, de Iván Zulueta. Podréis recordar viejos buenos tiempos en los que Dídac aún estaba en plena forma y al pie del cañón, Laia endulzaba vuestros oídos afianzándose cada vez más al formato y al pesado de Ernesto parecía que no se le iba a ver el pelo más, para alivio popular. Ay...

Endoscope en el X Festival de cortometrajes Radio City y en la Mostra Dr. Mabuse

2011-05-17T03:55:00.000-07:00

Endoscope, el primer cortometraje rodado con endoscopio ha sido seleccionado en dos festivales más: el sábado 21 de mayo se proyecta en la Mostra de Curtmetratges Dr. Mabuse en Barcelona y el domingo 22 participa en el X Festival de cortometrajes Radio City en Valencia.

Aquí tienes los links de los festivales:
http://www.radiocityvalencia.com/rcity.htm
http://mostra-drmabuse.org/

Cinema Paradiso volverá después de vacaciones

2011-05-13T10:42:00.000-07:00

Cinéfilos nocturnos, desafortunadamente este viernes comienza nuestro período vacacional. Los exámenes no perdonan, y durante un mes no podremos hacer el programa en directo como siempre. Sin embargo, para no dejaros desamparados, os ofrecemos reposiciones de los más interesantes programas antiguos, hasta que volvamos con energías renovadas. Hasta ese momento, ¡no dejéis de seguirnos!

Y en el próximo programa... NETWORK, UN MUNDO IMPLACABLE

2011-05-04T14:51:00.000-07:00

Sidney Lumet nos dejó el pasado 9 de abril de 2011. Le homenajeamos comentando una de sus películas esta semana.

FICHA

Título original: Network

Año de estreno: 1976

Productor: Howard Gottfried

Compañía productora: Metro-Goldwyn_Mayer, United Artists

Director: Sidney Lumet

Fotografía: Owen Roizman

Música: Elliot Lawrence

Guión: Paddy Chayefsky

Intérpretes principales: Faye Dunaway (Diana Christensen), William Holden (Max Schumacher), Peter Finch (Howard Beale), Robert Duvall (Frank Hackett), Ned Beatty (Arthur Jensen), Wesley Addy (Nelson Chaney)

Una de matemáticas televisivas "à la Lumet"

Network es un término que hoy en día nos hace pensar, inevitablemente, en las nuevas tecnologías y las redes sociales. La red que se teje en esta película de 1976, sin embargo, es de otra naturaleza, y no ha perdido ni un ápice de presencia, a pesar del contrapeso que las redes sociales puedan suponer. Hablamos de la red de poder de quienes controlan qué es noticia, qué merece aparecer las pantallas de todo el mundo y, por tanto, de aquellos pocos que deciden qué nos tiene que preocupar. En esta crítica lacerante al mundo de la televisión el fin último es la audiencia, y todo vale para aumentar las cifras de espectadores (para quienes no controlen, audiencia = poder de influencia y money ingresado por publicidad; no hace falta recordar que money => poder).

Hete aquí al otrora serio y profesional
presentador de informativos

Los protagonisas pertenecen al mundo de la televisión en un momento en el que, descaradamente, la espectacularización le come el terreno a la información. La televisión no disimula su preferencia por el entretenimiento y deja de lado la información y la función pedagógica. En Network presenciamos cómo un informativo, con escasa audiencia, evoluciona hasta sobrepasar incluso las barreras del infotainment (information+entertaintment) y se convierte en puro espectáculo, desde el que se proclaman mensajes dogmáticos, consignas que los espectadore gritan a pleno pulmón.

Hace poco cierto periodista publicaba un libro en el que denunciaba, una vez más, que a los directivos de comunicación ya sólo les interesan los números: el número de lectores, el de ventas... Network mandaba el mismo mensaje hace más de tres décadas. También podemos reconocer el concepto de show mediático en las pantallas actuales. Estas tres décadas no han servido sino para demostrar que Network, inicialmente considerada un tanto apocalíptica, no es simplemente ficción.

Os dejo un montaje que hicieron los de Zeitgeist para su primer "documental" a partir de una secuencia de la película. De pronto los de YouTube se han puesto en serio con lo del copyright y no hay manera de subir otro vídeo. Como siempre, es mejor ver la película completa, pero aquí una muestra de lo que os encontraréis:

P.S.: Con el fin de curso ya en la esquina se va a notar que no le podemos dedicar tanto tiempo al cine como quisiéramos. Lo sentimos. Pero os seguimos esperamos en el programa para compartir con vosotros detalles de esta película y otras del director ;)

Se anula el programa de hoy

2011-04-22T12:00:00.000-07:00

Hemos apurado hasta el último momento, pero finalmente no será posible la emisión del programa esta semana. Lo sentimos, pero ha habido algún problemilla.

Ya, ya... Para los que tengan mono, os recordamos que podéis descargar programas anteriores en nuestra página de iVoox.

Clausura de la XXXII Mostra de Cine de Valencia

2011-04-15T03:20:00.000-07:00

Ayer se puso punto y final a la Mostra, y en espera de la preparación del programa especial sobre el evento, os dejamos aquí el palmarés de la misma:

Palmera de oro, sección de acción y aventura: King of Devil's island, de Marius Holst.

Premio de la crítica, sección de acción y aventura: Tropa de élite 2, de José Padilha.

Mejor largometraje, sección de panorama mediterráneo: Les petits mouchoirs, de Guillaume Canet.

Premio de la crítica, sección de panorama mediterráneo: Angèle et Tony, de Alix Delaporte.

Desde Cinema Paradiso esperamos que hayáis podido disfrutar de este festival, y os rogamos paciencia de cara a la preparación de su monográfico en la radio.

Comienza la Mostra!

2011-04-07T11:08:00.000-07:00

Hoy ha comenzado la XXXII Mostra de Valencia, la segunda edición dedicada al Cine de acción y aventura. Como ya viene siendo tradición, el equipo de Cinema Paradiso estará allí para ofreceros muy pronto un programa especial sobre la Mostra de este año.

Mientras tanto podéis consultar toda la programación y horarios en su web.

Y en el próximo programa... EL SENTIDO DE LA VIDA

2011-04-05T15:02:00.000-07:00

FICHA

Título original: The Meaning of Life
Año de estreno: 1983
Productor: John Goldstone
Compañía productora: Celandine Films, The Monty Python Partnership, Universal Pictures
Director: Terry Jones; Terri Gilliam en las animaciones
Fotografía: Peter Hannan B.S.C.
Música: John du Prez [mirad en la información al final del post]
Guión: Graham Chapman, John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Terry Jones y Michael Palin.

Intérpretes principales: Graham Chapman, John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Terry Jones, Michael palin [no me pidáis la relación de personajes que interpret cada uno; para los más frikis, lo tenéis aquí]

UNA DE BESUGOS

Mentes privilegiadas.
Ellos plantean la Gran Pregunta

¿Tiene algún sentido nuestra existencia? ¿Cuál es el sentido de la vida? La canción que abre esta película promete respuestas a esta incógnita, planteada por un grupo de peces que poco antes mantenían una conversación de besugos. Si el espectador también se hace estas preguntas, puede considerarse a la altura... de los besugos. Parece una broma inocente, pero ya se adelanta la respuesta final.

El grupo inicial, con Graham Chapman

El sentido de la vida fue la última aventura cinematográfica de los Monty Python (excepto reuniones bastante posteriores destinadas, básicamente, a recuperar escenas descartadas e incluir entrevistas retrospectivas, siempre interesantes). Estaban bastante quemados, se trataba, después de todo, de un grupo de individuos creativos, con personalidades marcadas e ideas claras. Pero les ofrecieron suficiente dinero como para no tener que volver a trabajar y les gustó la idea. Este desgaste estaría detrás, según algunos, del resultado irregular irregular de la película, con momentos geniales y otros más... manidos.

La muerte, ese gran tema. Graham Chapman falta aquí,
pero en su funeral se oían risas entre los asistentes.

Sin embargo, para muchos es una obra maestra, y alegan que la carga filosófica del film es lo que le resta adeptos. Lo que es indicutible es que está salpicado de la genialidad de los Monty Python y resume la trayectoria del grupo, tanto en los temas (la intolerancia, las religiones; naturalizan el sexo, se ríen de la muerte, desprecian el honor de la guerra...) como en la forma (híbrido entre musical y serie de sketches inconclusos y encadenados).

Ya me queda la entrada muy larga, así es que la información extra la dejo aquí, para los que tengáis más tiempo. [Iré añadiendo cositas a lo largo de la semana.] Y, por supuesto, os esperamos en el programa ;)

¡EEEESPOILERS A MANSALVA!

ADVERTIDOS QUEDÁIS

Un fragmento de la interesante conversación de los peces que introducen la Gran Pregunta:

Gana bastante si imaginas a los peces
con caretos como estos...

FISH #1: Morning.

FISH #2: Morning.

FISH #3: Morning.

FISH #2: Morning.

FISH #1: Morning.

FISH #3: Morning.

FISH #2: Morning.

FISH #4: Morning.

FISH #1: Morning.

FISH #3: What's new?

FISH #1: Not much.

FISH #6: Morning.

FISH #5: Morning.

FISH #4: Hello.

FISH #2: Morning.

FISH #1: Morning.

FISH #3: Morning.

FISH #5: Morning.

FISH #3: Morning.

FISH #4: Morning.

FISH #2: Morning.

FISH #1: Frank was just asking 'what's new?'.

FISH #6: Was he?

FISH #1: Yeah,... mhmm.

Uno se queda con ganas de más, ¿eh? ¬ ¬

Venga, hay que verla, que la película es de los creadores de sketches como éste:

Por cierto, la película tiene un complemento IMPRESCINDIBLE: un corto fantástico, genial. De lo mejor de la película, sin ser del todo parte de ella. A este corto se hace referencia en una escena de El sentido de la vida, cuando la banca se ve abordada (literalmente) por una modesta aseguradora. El corto narra esta temeraria proeza desde el punto de vista de la aseguradora. Os dejo aquí The Crimson Permanent Assurance. Ya nos contáis...

Surfeando me encontré esta maravilla:

Ok, ya me estoy poniendo friki...

Para ir entrando en materia, aquí podéis ver el vídeo promocional del DVD. También servirá el último cartón, una imagen que sale al finaaaaal de los créditos (sí, los vi enteros, ¿y qué?). Dice así:

"The producers would like to thank all the fish who have taken part in this film. We hope that other fish will follow the example of those who have participated, so that, in future, fish all over the world will live together in harmony and understanding, and put aside their petty differences, cease pursuing and eating each other and live for a brighter, better future for all fish, and those who love them."

La intuición nos dice que estos deseos se hacen extensibles a otras especies que pueblan/despueblan el planeta.

Y ahora que ya estáis puestos, aquí van algunos fotogramas comentados:

Desde la canción del inicio ya denotan una postura crítica. Los dibujos de Terri Gilliam son una delicia siempre, y más cuando expresan un mensaje tan claro: hete aquí otra familia feliz salida de la factoría Disney (recordemos que es el segundo mayor conglomerado mediático a escala mundial, esto es, el que más cadenas de televisión, más prensa y más "productos culturales" en general controla, de ésos que influyen y configuran el imaginario colectivo).

A continuación tenemos un parto en el primer mundo, de estos que se producen entre montones de aparatos cuya máxima función es decorativa (importante que hagan "piiiiiiiiiiii"):

Frases para el recuerdo:

Y a otro parto en el tercer mundo, en concreto en Yorkshire.

Hoy en día ya resulta del todo ridículo hablar de "primer mundo" como un espacio físico, como una delimitación geográfica, ya que encontramos grandes conglomeraciones de pobreza [más o menos obviada/disimulada] en las primeras potencias. Incluso se acuñó el término "cuarto mundo" para hacer referencia a estos colectivos.

A parte, ya incluyen en la primera referencia a la religión: el hombre que llega a casa, tras anunciar que lo han echado de la fábrica, comunica a su LEGIÓN de hijos que va a venderlos para experimentos, porque no los puede mantener. La culpa es de Roma, que dicta que "todo esperma es sagrado". TRADUCCIÓN: prohibido el condón. El número musical no tiene desperdicio, con sus cardenales y sus atractivas enfermeras:

No se meten sólo con los católicos, los protestantes también reciben.

Y los que no quieren recibir son los alumnos de determinada escuela, incapaces de prestar atención a la aburridísima lección sobre sexo. Acompañada de una demostración en vivo y en directo, claro:

Temas como la estimulación previa al "coito" se tratan con absoluta normalidad, son tan naturales que los alumnos las meten en el saco de las matemáticas o la lengua.

Éste es otro fotograma de más adelante:

El ejército tampoco se libra; tanto en su discurso paternalista (neo-colonialista) actual como en su etapa descaradamente colonialista. Hay que decir que los Monty Python no tuvieron reparos en mostrar sangre y vísceras. En esta escena es bastante light, pero se recrudece algo más adelante. Aquí uno de los heridos en la "I Guerra Zulú (1879, Glasgow)":

Otra de las características es no ocultar la presencia de marcas discursivas. Por ejemplo, a mitad de film emerge como una seta un flamante presentador (sale de un disfraz de zulú) que anuncia que estamos en la mitad, y da paso a una señora muy enseñorada que lo comenta como si hablara del traje de novia de la Kate Middleton:

A continuación nos introducimos en una mansión con unos extraños tipos que parecen salidos de The Rocky Horror Picture Show:

Una escena memorable, no por su profundidad sino por lo desagradable que llega a resultar, es la que se da en un restaurante al que entra un señor... grande, muy grande, que a pesar de venir saciado come todo lo que quiere y más. Está tan lleno que no para de vomitar, pero nadie le dice nada:

Para empezar, vomita sobre la carta.

Vomita sobre la señora de la limpieza.

Finalmente, ducha a todos los comensales de vómito...

...al explotar:

Desde luego, los Monty Pithon no se curan en herir sensibilidades.

Por cierto: no apto para aquellos que se contagian al ver vomitar a los demás.

Otro momento interesante, que muchos consideran una de las partes flojas, es cuando la cámara toma autonomía y decide a quién quiere seguir. Por supuesto, aquí un camarero habla a la cámara y le promete la respuesta que buscamos; pero es una forma de recordar al espectador que TODOS los directores toman decisiones conscientes de qué quieren mostrar al espectador, qué imágenes, qué parte de la realidad. Una vez más, como en otros momentos del film, es más interesante el concepto que hay detrás del sketch que el sketch mismo:

Al final vuelve a salir la señora enseñorada anunciando "El Final de la Película".

Antes de acabar, eso sí, saca de un sobre dorado la respuesta al sentido de la vida...

...que comentaremos en el programa.

Un elemento formal más que destacable, no sólo de esta película, sino que forma parte del concepto de humor que presentaron y representaron los Monty Python, es situar la gracia no al final de los sketches, sino a lo largo de éstos, de modo que no hace falta cerrarlos, no importa cómo acaban. En cualquier momento puede aparecer alguien con un pollo de goma, golpear al personaje en la cabeza y declarar que todo es muy absurdo y hay que acabar. Así es en El sentido de la vida, aunque echamos de menos los pollos de goma. En esta etapa la obsesión eran los peces.

LA MÚSICA

Como he comentado, se trata de un musical. Hay polémica al respecto, ya que algunos opinan que más bien es un programa largo, temático, que contiene algunos sketches musicales. Me han llegado a decir que, entonces, el programa de José Mota también es un musical. Lo comparto con vosotros porque aún ahora me cuesta escribirlo sin dejar de reír.

La música se le acredita a John du Prez, pero es de sobras conocida la mano de los componentes de Monty Python en sus propias canciones, así es que ahí va la relación de autorías:

"The Meaning of Life"

Lyrics ERIC IDLE
Music ERIC IDLE & JOHN DU PREZ

"Oh Lord Please Don’t Burn Us"
Lyrics JOHN CLEESE & GRAHAM CHAPMAN
Music ERIC IDLE & JOHN DU PREZ

"Every Sperm is Sacred"
Lyrics MICHAEL PALIN & TERRY JONES
Music ANDRE JACQUEMIN & DAVE HOWMAN

"Galaxy Song"
Lyrics ERIC IDLE
Music ERIC IDLE & JOHN DU PREZ

"Accountancy Shanty"
Music and Lyrics ERIC IDLE & JOHN DU PREZ

"Penis Song"
Music and Lyrics ERIC IDLE

"Christmas in Heaven"
Lyrics TERRY JONES
Music ERIC IDLE

Lo pongo sobre todo para que tengáis un catálogo con las canciones y las busquéis (los que no hayáis visto la película) o al menos echéis un ojo a las letras, que pululan por internet. Por ejemplo, os dejo la letra de PENIS, acompañada por una refinada y cursi melodía que interpreta al piano señor en batín para una concurrencia de los más elegante y que escucha complacida, como si no entendieran la letra o, una vez más, como si el tema estuviera totalmente naturalizado:

Penis Song

Isn't it awfully nice to have a penis?
Isn't it frightfully good to have a dong?
It's swell to have a stiffy.
It's divine to own a dick,
From the tiniest little tadger
To the world's biggest prick.
So, three cheers for your Willy or John Thomas.
Hooray for your one-eyed trouser snake,
Your piece of pork, your wife's best friend,
Your Percy, or your cock.
You can wrap it up in ribbons.
You can slip it in your sock,
But don't take it out in public,
Or they will stick you in the dock,
And you won't come back.

De momento lo dejo aquí. Si encuentro un ratito añadiré más cosas que tengo por ahí; si no, ya sabéis que en el programa tenemos hora y pico para extendernos. BIS BALD!

P.S.: Definitivamente, este post merece un escuchuflú y medio.

Fuentes:

   El DVD, por supuesto, que se acompaña de OTRO DVD lleno de extras.
   Blog Monty Python's The Meaning of Life: Goodies
   Blog Levante Humanidad
   Por supuesto, YouTube y Wikipedia
   ...y algo más que me dejo, seguro.

El programa de ARREBATO ya en podcast

2011-04-04T02:29:00.000-07:00

Helena Fernán-Gomez.
Muy mona. La dobla Almodóvar ;)

Ya hemos subido el programa que dedicamos a comentar la película Arrebato en nuestro podcast. Para los que quieran volver a escucharlo o para los que no encontrasteis tiempo para ver los vídeos que subimos a YouTube. En cualquier caso, tanto en los vídeos como en el post añadimos algo de información complementaria.

Cinema Paradiso recomienda...

2011-04-03T12:10:00.000-07:00

En un mundo mejor, de Sussane Bier. Estreno 1 de abril. Trailer.

Elizabeth Taylor se retrasa... por última vez

2011-04-03T07:02:00.000-07:00

(Click para ver más grande)

Oscar Wilde llegaba tarde por principios, ya que consideraba la puntualidad una pérdida de tiempo. No sabemos si Elizabeth Taylor se adscribió a esta filosofía, pero al parecer siempre hacía esperar a todo el mundo. Como último guiño a los que la conocían, y en un alarde de buen humor, dejó escrito que deseaba llegar tarde a su propio funeral, y así fue. Genial.

En la ceremonia Colin Firth leyó los poemas The Leaden Echo y The Golden Echo, de Gerard Manley Hopkins. Os dejamos un fragmento de The Golden Echo:

"Come then, your ways and airs and looks, locks, maiden gear, gallantry and gaiety and grace,

Winning ways, airs innocent, maiden manners, sweet looks, loose locks, long locks, lovelocks,

gaygear, going gallant, girlgrace—

Resign them, sign them, seal them, send them, motion them with breath,

And with sighs soaring, soaring síghs deliver

Them; beauty-in-the-ghost, deliver it, early now, long before death

Give beauty back, beauty, beauty, beauty, back to God, beauty’s self and beauty’s giver."

Palmarés del 14 festival de Málaga

2011-04-02T17:33:00.000-07:00

- Biznaga de Oro a la mejor película: Cinco Metros Cuadrados de Max Lemcke.

- Biznaga de Plata. Premio Especial del Jurado: Catalunya über alles! de Ramón Termens.

- Mejor dirección: Tom Fernández por ¿Para Qué Sirve un Oso?.

- Mejor actor: Fernando Tejero por Cinco Metros Cuadrados.

- Mejor actriz: Begoña Maestre por Arriya.

- Mejor actor de reparto: Jorge Bosch por Cinco Metros Cuadrados. Mención especial: Babou Cham por Catalunya über alles!.

- Mejor actriz de reparto: Geraldine Chaplin por ¿Para Qué Sirve un Oso?.

- Mejor guión: Cinco Metros Cuadrados de Pablo Remón y Daniel Remón.

- Mejor guión novel: Crebinsky de Enrique Otero y Miguel de Lira.

- Mejor montaje: ¿Para Qué Sirve un Oso? de Ángel Hernández Zoido.

- Mejor fotografía: Arriya de Gaizka Bourgevad.

- Mejor música: Arriya de Bingen Mendizábal.

- Mejor vestuario: Arriya de Saoia Lara.

-Premio de la crítica: Cinco Metros Cuadrados.

-Premio del público: Amigos de Borja Manso y Marcos Cabotá .

-Premio de jurado joven: Catalunya über alles!.

El programa de MAGNOLIA ya en podcast

2011-04-01T19:52:00.000-07:00

Ya podéis escuchar o descargar el programa del pasado viernes, en el que intentamos la proeza de analizar este larguísimometraje. Fracasamos discretamente, ya que si de normal nos falta tiempo, en esta ocasión era inevitable dejar cosas por comentar. De modo que, para compensar, he ampliado un poquito el post dedicado a presentar la película.

Y en el próximo programa... MAGNOLIA

2011-03-31T10:13:00.000-07:00

Ya sé que no es el póster oficial;

éste lo diseñó Viktor Hertz

FICHA

Título original: Magnolia (EUA)
Año de estreno: 1999
Productor: Paul Thomas Anderson
Compañia productora: Ghoulardi Film Company, New Line Cinema, The Magnolia Project
Director: Paul Thomas Anderson
Fotografía: Robert Elswit
Música: John Bryon, Aimee Mann
Guión: Paul Thomas Anderson
Intérpretes principales: Tom Cruise (Frank), Julianne Moore (Linda Partridge), Jason Robards (Earl Partridge) John C. Reilly (Jim Kurring), Jeremy Blackman (Stanley), Philip Baker Hall (Jimmy Gator), Melinda Dillon (Rose Gator), Melora Walters (Claudia Wilson Gator), Philip Seymour Hoffman (Phil Parma), William H.Macy (Donnie Smith), Ricky Jay (Burt Ramsey/narrador), Felicity Huffman (Cynthia), April Grace (Gwenovier).

LA MULTITUD SOLITARIA

El uno es el número más solitario. El dos es el segundo número más solitario. Lo cantó Harry Nilsson en One, que Aimee Mann versiona para Magnolia. Es lo primero que oímos en esta película coral de Paul Thomas Anderson, construida a imitación de Vidas Cruzadas (1993), de Robert Altman, director al que admira y de quien fue ayudante. Con los primeros acordes queda claro el mensaje de la película: a pesar del torrente incesante de personajes que desfila ante el espectador, cuyas vidas ya intuímos que están interconectadas, todas estas personas están condenadas a algún tipo de soledad o problema de comunicación.

Los personales más relevantes
(incluida la rana)

Las reacciones ante esta película son encontradas: unos la adoran y otros la odian. Pero nadie puede negar que está perfectamente construida, ensamblada para no perder al espectador durante sus 188 minutos de duración (que no es poco; muchos opinan que demasiado). Sin duda su mayor atractivo es el abanico de personajes; podemos hablar de entre 9 y 13 personajes principales (personalmente cuento hasta 9), interpretados por un elenco envidiable. Lo mismo se aplica a los secundarios, entre los que se cuentan Felicity Huffman, o la hipnótica April Grace.

Banda sonora, montaje, personajes, actores... Ya es prometer mucho. Pero también tiene sus puntos flojos, blandidos por los detractores del film. Y como no nos paga nadie (¿algún interesado?; nos vendemos al mejor postor, queridos anunciantes) ni se nos da bien ser imparciales, quizás haya polémica en los micros. Vosotros tenéis hasta el viernes a las 00:00 para haceros con la película e ir viéndola; y si la habéis visto ya podéis empezar a expresar vuestra opinión abajo, en los comentarios. Sin miedo a herir; si hay sangre, mejor.

Bueh, me falta práctica con el Potoxop, pero aquí tenési un esquema escueto de personajes. No he añadido más porque la imagen se llenaba demasiado:

SPOILERS!!!
A partir de aquí no tendremos piedad con los que aún no han visto la película

[No apto para quienes quieran llegar en tensión al final del visionado]

Magnolia está tan estrechamente ligada a su banda sonora que no existiría sin ella, ya que Paul Thomas Anderson empezó a escribirla a partir de la primera frase de la canción Deathly, de Aimee Mann:

Now thah I've met you
would you object to
never seeing each other again?

No soy traductora, pero viene a ser algo como

"Ahora que te nos hemos conocido, ¿te importaría que no nos volviéramos a ver?"

Esta frase define a uno de los personajes, Claudia, pero también es el corazón de la película:

Justo a continuación pronuncia la frase; no quiere que nadie
la conozca, que nadie vea su lado oscuro, y menos alguien como...

Las canciones tienen un punto de biográficas, por lo que vale la pena escucharlas con atención. Un dato curioso es que Aimee Mann sólo compuso dos de ellas después de leer el guión; como ya hemos visto, la cantante y compositora sirvió de inspiración directa para la película. De ella, el director opina que es capaz de decir cosas que ya hemos oído, que ya sabemos e incluso que hemos dicho, pero que hemos olvidado; sus letras recogen esas palabras de manera sencilla y clara, tan directa que nos sorprende que nos sorprenda.

John Bryon se encargó de instrumentalizar la música y dirigir la grabación, además de componer la mayoría de fragmentos de transición. Más allá del mensaje de las letras, es interesante cómo Paul Thomas Anderson juega con el sonido: en ocasiones lo superpone al diálogo, de modo que exige un esfuerzo de atención al espectador para poder entender qué se está diciendo. Con esto implica al espectador, lo mantiene atado a la ficción. Es una de las muchas tretas técnicas para sostener este larguísimo film. Ingenioso y simple, ¿verdad?

Para finalizar con la banda sonora, os dejo el tema Save me. Cuando Paul Thomas Anderson lo escuchó le gustó tanto que hizo cantar a todos sus personajes, incluso a los que ya habían muerto.

Bueeeno... Pues naada...
A algunos se les ponen los pelos de punta de la emoción
y a otros les da un ataque risa. Yo intenté contenerme
al ver la secuencia, para no herir sensibilidades.

Incluso dirigió el videoclip, en el que intervienen los actores principales. No cantan, para verlos cantando tenéis que ir a la película (en escenas eliminadas hay un momento de cachondeo con esto por parte de John C. Reilly):

Es interesante detenerse en cada personaje y analaizarlos detemidamente. De ello nos encargamos en el programa de radio, en el que dejamos muchas cosas en el tintero, sin embargo (comentar 3 horas de película en un solo programa es bastante complicado). Destacamos tres aspectos en lo que respecta a los personajes en general:

1.- Se trata de una película coral, pero no de una película de historias. El director lanzó el leitmotiv de que la película debía ser una unidad narrativa. La temática es común (la soledad del individuo), un camino común hacia algún tipo de redención, a pesar de que ésta no sea conclusiva, ya que la vida continúa después de la película. Intuímos que algunas historias no evolucionarán hacia el final feliz. La fotografía, el montaje... todo debía crear una imagen de uniformidad que destaque más los hechos que a los personajes que los vehiculan.

Donnie, el "niño" prodigio (no tan niño ya)

2.- Para aumentar todavía más este efecto, diseña una serie de personajes que son casi pantomimas, extremos, difíciles de entender si no es desde la perspectiva del prototipo. Ellos son sentimientos y situaciones. Su actuación queda definida como "operística", como si actuaran para un público que observa desde la distancia, con grandes aspavientos, muecas exageradas, reacciones magnificadas...

3.- Estos sentimientos y situaciones los conectan entre ellos: la relación padre/hijo (Jimmy/Claudia, Stanley con su padre, Earl/Frank), la infidelidad (Jimmy, Earl y se presupone que Frank), la experiencia vital (los niños prodigio, el cáncer), la incapacidad de contener los propios sentimienttos (Claudia, Donnie), etc.

Además, en relación a los personajes cabe decir que Phil (el enfermero) es quizás el más extraño, el más difícil de cuadrar en esta dinámica, porque de él sólo sabemos lo que vemos, cómo es, pero no conocemos su historia, las razones de que sea así. Es un personaje crucial para que Earl y Frank conecten y para desarrollar el personaje de Linda, pero no parece importante lo que tenga que contar. Comparte con Jim su faceta "altruista", su empeño en ayudar a los demás y lograrlo finalmente, aunque en el caso de Jim conocemos las razones (esa fe en la justicia y en la institución que encarna). A pesar del escaso metraje que se dedica a este personaje, Philip Seymour Hoffman lo llena de tal modo que se come la pantalla cada vez que aparece. No necesita palabras.

Felicity Huffman y 3 de los niños que intervienen en el film

Por último, cabe recordar que el elenco de niños-actores que aparecen es considerable. Si Tarsem Singh las pasó negras para trabajar con su niña protagonista (un GRAN resultado, por cierto) nadie imagina el calvario por el que pasó Paul Thomas Anderson (P.T.A. a partir de ahora, por favor). Cuando un director no obtiene las tomas deseadas puede abusar más o menos de sus actores y repetirlas todo lo que haga falta. Pero si se trabaja con niños el cast entero debe atenerse a los horarios de trabajo determinados previamente. Esto ralentizó el rodaje e hizo perder algunos kilos a P.T.A. Sabemos que secuencias enteras relacionadas con niños fueron eliminadas, y no se incluyen en los extras, por lo que quizás el resultado fue... poco convincente.

En cuanto a los grandes temas que trata, es evidente que soledad y pecados/redención son los principales, aunque cuenta con varios secundarios, como las relaciones de poder patriarcales o el amor agridulce. Son importantes las referencias bíblicas: a pesar de que el personaje de Jim resulta casi ridículo con su actitud de proyecto de súper-héroe, y su fe ciega en la religión y en las personas aumenta su patetismo, el PTA acaba dándole la razón, de modo que sí logra ayudar a otros (Claudia y Donnie) y su fe se ve correspondida cuando le "llueve del cielo" la pistola que había perdido.

Una de las escenas más interesantes es la lluvia de ranas. Sí, de RANAS. Es un hecho real, aunque magnificado en la película, por el efectismo. Esta lluvia, que estábamos esperando durante toda la película, lleva la redención, algún tipo de descanso a las almas de los personajes. Es interesante observar que el único personaje que no parece sorprenderse de que lluevan ranas es Stanley, el niño prodigio. "Estas cosas pasan", dice. Quizás hace falta ser un niño para entenderlo, para aceptar la realidad tal y como es, y no tal y como la sociedad dice que debe ser. ¿Qué es la normalidad? ¿Qué es normal, después de todo?

Cabe destacar también la fotografía en un aspecto concreto: las tomas cálidas y las frías. A lo largo de la película se combinan al servicio de la evolución de los personajes. De este modo, partimos de unos primeros planos de Frank totalmente azulados, para acabar viéndolo junto al lecho de su padre con tonos más acogedores. Lo contrario sucede con Linda (Julianne Moore), que al principio aparece como una llama llena de luz y energía, especialmente en contraste de su marido moribundo (Earl), muchos años mayor que ella. Más adelante la vemos totalmente desprovista de este halo, lívida en un coche tras haber consumido un cóctel mortal de pastillas.

Frank, en dos momentos del film. Para el viraje que experimenta su
personaje es imprescindible el trabajo de Gwenovier, la periodista
que echa por los suelos la fortaleza que se había construido para
protegerse, para alejarse de su propio pasado.

Por cierto, Jason Robards dio vida y muerte a Earl como una gran ironía: recibió el guión cuando aún se debatía entre la vida y la muerte, lo representó tras superar esa experiencia y ése fue su último papel antes de abandonarnos para siempre. Bueno, nos queda el Cine.

En fin, qué largo me ha quedado esto... (supongo que nadie habrá llegado aquí, así es que le dedico un ESCUCHUFLÚ). Como ya he comentado, nos dedicamos más a fondo a los personajes en nuestro programa, en el que además podrás escuchar algunas piezas de la banda sonora. ¡Hasta la próxima!

Fuentes:

   imdb: http://www.imdb.com/title/tt0175880/
   Wikipedia: http://en.wikipedia.org/wiki/Magnolia_(film)
   Dvd de la película y sus interesantes extras; entre otros, un diario de rodaje y algunas escenas descartadas, como ésta y ésta.
   Por supuesto, YouTube.
   El programa de radio de Cara B dedicado a la BSO de la película. MUY recomendable.

PSICOSIS, programa destacado en iVoox

2011-03-28T02:05:00.000-07:00

¡Estamos de celebración!

iVoox destaca una serie de audios cada semana en iVoox Magazine, y el programa de Cinema Paradiso dedicado a Psicosis ha entrado en los destacados del iVoox Magazine nº 116, junto a otros programas de RNE, la SER, RNE, RNE, la SER, la SER y RNE, entre muchos otros.

P.S.: La imagen no pretende ilustrar el regocijo y la algarabía de los miembros de Cinema Paradiso. Bueno, no de todos.

El programa de EL GRAN VÁZQUEZ y AMERICAN SPLENDOR con ÓSCAR AIBAR ya en podcast

2011-03-26T10:18:00.000-07:00

Ya hemos subido el podcast del programa que dedicamos a comentar las películas El Gran Vázquez y American Splendor, y en el que pudimos contar con la participación de Óscar Aibar.

Tenéis la oportunidad de escuchar al director de El Gran Vázquez, y eso siempre es recomendable. Disfrutamos con su sinceridad, su buen humor y, sobre todo, con sus experiencias y reflexiones. Una vez más, le agradecemos que se haya prestado a esta entrevista, más aún porque no la anuló a pesar de que estaba enfermo.

Y otro aplauso merece Ernesto, que también estaba malito pero aguantó todo el programa. La plantilla de Cinema Paradiso les manda los mejores deseos para que se recuperen cuanto antes.

El programa de EVA AL DESNUDO ya en podcast

2011-03-26T09:31:00.000-07:00

Ya podéis descargar o escuchar aquí mismo el programa que dedicamos a comentar Eva al Desnudo:

Cinema Paradiso recomienda...

2011-03-26T04:10:00.000-07:00

Guest, de José luis Guerín. Estreno 25 de marzo. Trailer.
Howl, de Jeffrey Friedman yRob Epstein. Estreno 25 de marzo. Trailer.
Inside job, de Charles Ferguson. Estreno 25 de marzo. Trailer.

Ya en Vulture la crítica sobre Chico y Rita

2011-03-26T03:59:00.000-07:00

Ya está disponible en Vulture la crítica de Dídac Gimeno sobre Chico y Rita. Puedes leerla aquí.

Adiós a Elizabeth Taylor

2011-03-23T16:44:00.000-07:00

Hoy ha muerto Elizabeth Taylor, una de las últimas diosas del Hollywood dorado que nos quedaban. Pero siguen inmortales sus papeles en La gata sobre el tejado de Zinc, Gigante, o ¿Quien teme a Virginia Woolf?

Desde Cinema Paradiso nos acordaremos mucho de ella.

Próximo programa: EL GRAN VÁZQUEZ y AMERICAN SPLENDOR

2011-03-23T08:21:00.000-07:00

Los compañeros de la editorial Bruguera
admiran el trabajo de Vázquez

Título original: El Gran Vázquez
Año de estreno: 2010
Productor: Miriam Porté, Gerardo Herrero
Compañía productora: Distinto Films, Castafiore Films, ICIC, ICAA, Tornasol Films
Director: Óscar Aibar
Fotografía: Mario Montero
Música: Mastretta
Guión: Óscar Aibar
Intérpretes principales: Santiago Segura (Vázquez), Mercè Llorens (Rosa), Álex Angulo (Peláez), Enrique Villén (González), Manolo Solo (Ibáñez), Jesús Guzmán (Manuel
y voz del abuelo Cebolleta).

Título original: American Splendor
Año de estreno: 2003
Productor: Ted Hope
Cía. productora: Good Machine
Director: Shari Springer Berman, Robert Pulcini
Fotografía: Terry Stacey
Música: Mark Suozzo
Guión: Shari Springer Berman, Robert Pulcini sobre las historias de Harvey Pekar y Joyce Brabner (en el caso de Our Cancer Year)
Intérpretes principales: Paul Giamatti (Harvey Peaker), Hope Davis (Joice Brabner), James Urbaniak (Robert Crumb), Judah Friedlander (Toby Radloff), Madylin Sweeten (Danielle).

Pues sí, esta semana tenemos un programa especial, con dos películas sobre la mesa. No es porque indultáramos el último programa y ahora queramos hacer un “2 en 1”. Tenemos una excusa mejor: contaremos con un invitado de lujo, Óscar Aibar, con quien hablaremos de su última película, El Gran Vázquez (trailer), inspirada en la vida del dibujante de historietas Manuel Vázquez, padre de Las hermanas Gilda, La familia Cebolleta, Anacleto, agente secreto... Santiago Segura encarna a este personaje, descendiente directo de la picaresca española y con una filosofía de vida particular, hecha para molestar todo lo posible y chocar de frente con la sociedad española del franquismo.

Aprovecharemos para recordar otra película protagonizada por uno de los grandes del cómic, en este caso estadounidense: American Splendor. Toma el título de las viñetas de la serie de cómic autobiográfico que firmaba Harvey Peaker. Una película interesante, original en su forma (podemos ver en el mismo encuadre a los personajes reales de la historia y a los actores que los interpretan).

Óscar Aibar (viste camisa blanca) con el equipo
durante el rodaje de El Gran Vázquez

Ambas historias se centran en viñetistas que rompieron los límites entre ficción y realidad al convertirse ellos mismos en protagonistas de sus viñetas. Pero a pesar de que ambos tienen personalidades y formas de ver la vida que chocan con la corriente imperante son dos casos muy diferentes. Para empezar, Peakar es un pesimista incurable que se siente impotente, incapaz de cambiar un mundo que no le gusta. Lo únco que puede hacer es decir la verdad, plasmar la realidad tal y como la ve. Vázquez busca constantemente lo bueno de todo, trata de sacar provecho a cualquier situación; le gusta vivir bien, disfrutar el momento. A parte, el contexto político-social no puede sino dar dos historias bien distintas.

Os animamos a ver las dos películas y a escuchar el programa de este viernes, porque Óscar Aibar tiene mucho que contar y, damos fe, sabe cómo contar las cosas.

Como siempre, AQUÍ os dejamos algo más de información.

Éste es el auténtico Vázquez; juzgad si se parece o no a su personaje:

La interpretación de Segura no lo desmerece. Alerta al brillo de sus ojos...

Money!!

Es interesante ver cómo Vázquez se aprovechó de cada situación.

Su fama de moroso estaba más que justificada. Le gustaba vivir como un

rey pero sin pagar ni un duro. Y claro, como acababa de llegar eso de

"compre hoy y pague mañana"...

Claro que, como refleja la película, en más de una ocasión acabó en la cárcel.

Y no sólo por moroso, también por poligamia.

Vázquez se inspiró en su día a día para crear un personaje con su nombre:

Pero no fue el único. Ibáñez, que realmente lo admiraba mucho, se inspiró en él para crear al moroso que vive en el ático de la mítica 13 Rue del Percebe. Los que hayáis visto la película encontraréis algunas similitudes:

Podéis leer algunas de las páginas de Ibáñez aquí.

Os recomendamos que paséis por:
13 Rue Bruguera, tanto aquí como aquí hay cositas interesantes
Viajes con mi tía para saber un poquito más de Vázquez. Ya de paso, podéis curiosear un rato.

También a Harvey Pekar lo reconoceréix en las viñetas de American Splendor:

No era dibujante, se encargaba de la historia; de hecho varios dibujantes de encargaron de ilustrar sus reflexiones y desencantos cotidianos, entre los que destaca su amigo Robert Crumb:

Pekar no escribió el guión de la película, pero hay fragmentos claramente tomados de American Splendor, como éste:

Por poner algún enlace más, podéis acudir aquí, pero que conste que os remitimos a vuestra librería preferida. Por suerte, en Valencia tenemos varias a las que acudir y en las que nos tratan bien.

Ambas películas comparten características formales, como la incorporación de elementos propios de los cómics de sus creadores. Los bocadillos sobreimpresos son el recurso más evidente. En El Gran Vázquez encontramos además animaciones de los conocidos personajes de Vázquez, hablándole no sólo desde el papel:

Éstos son momentos en los que sus personajes le hablan directamente:

Pero también se recurre en la película a la animación, directamente:

La atmósfera, el color, la iluminación... se corresponden con el de las viñetas de cada autor. Destaca un interesante uso del color para marcar las etapas vitales de Vázquez (su habitual visión "colorista" de la vida se contrapone a otro periodo más gris).

Y, como siempre, contaremos mucho más en el programa de este viernes. Os esperamos ;)

Parón fallero

2011-03-15T17:14:00.000-07:00

Cinéfilos nocturnos, el próximo viernes no habrá programa por ser la nit del foc, pero os dejaremos con la reposición de nuestro último programa sobre Eva al desnudo. Volveremos con todos vosotros el viernes 25, hasta entonces aprovechad las fallas para ir un poco al cine!

El programa de EL FOTÓGRAFO DEL PÁNICO ya en podcast

2011-03-14T07:20:00.000-07:00

Ya podéis escuchar o descargar el programa que dedicamos a la película El fotógrafo del pánico. Hace falta un poco de paciencia al principio, porque tuvimos nuestros problemillas con los micros y nos dedicamos a los malabarismos para averiguar cuáles iban y cuáles no... Pero luego lo pasamos genial.

Ernesto de nuevo en las ondas, para todas las fans que lo echaban de menos!!!

El programa de PSICOSIS en podcast

2011-03-10T13:46:00.000-08:00

Ya podéis escuchar aquí mismo el programa dedicado a Psicosis, o descargarlo para escucharlo en cualquier momento:

¡Nos escuchamos!

Y en el próximo programa... EVA AL DESNUDO

2011-03-09T16:25:00.000-08:00

Título original: All About Eve
Año de estreno: 1950
Productor: Darryl F. Zanuck
Compañia productora: Tweantieth Century-Fox
Director: Joseph L. Mankiewicz
Fotografía: Milton R. Krasner
Música: Alfred Newman
Guión: Joseph L. Mankiewicz, sobre un relato corto de Mary Orr
Intérpretes principales: Bette Davis (Margo Channing), Anne Baxter (Eva Harrington), George Sanders (Addison de Witt), Celeste Holm (Karen RIchards), Hugh Marlowe (Lloyd Richards), Garry Merryl (Bill Sampson), Gregory Ratoff (Max Fabian)

Eva Harrington es una gran admiradora de la veterana actriz de Broaway Margo Channing. Con la ayuda de Karen Richards y el relato de una historia personal lacrimógena entra a trabajar como asistenta de la actriz. Así se introduce en el mundo del espectáculo y conoce en persona los principales nombres de la escena teatral. Servicial, eficaz, humilde... parece demasiado perfecta para ser real, y pronto algunos de los que la rodean empiezan a sospechar que hay algo más allá de lo que Eva aparenta.

Tres de las cuatro actrices principales en sus papeles:
la agradable Eva, la suspicaz Birdie y la veterana Margo

Escrita y dirigida por Joseph L. Mankiewicz, esta obra supuso una reafirmación de su talento ante la galería: si su película anterior le proporciónó los Oscars a la mejor dirección y al mejor guión, con Eva al desnudo no sólo repitió, sino que consiguión un total de 14 nominaciones de la Academia, de las que 6 se materializaron en estatuillas. Las cuatro actrices principales fueron nominadas, y no es de extrañar, ya que si a Mankiewicz se le puede alabar por la meticulosa construcción de los personajes, esto es más cuando son femeninos. Eso se añade a la fantástica Bette Davis, en un papel perfecto para ella como actriz y como persona, ya que reflejaba situaciones con las que estaba familiarizada.

La escalera es un elemento recurrente del director.
Aquí estratifica a los personajes; en la base, una
joven Monroe.

Es una crítica al mundo del espectáculo, a la crueldad con la que trata a sus actrices, condenadas a una carrera efímera; al poder devorador de Hollywood y del cine sobre el teatro. Podemos leer al mismo Mankiewicz en los personajes, en sus cínicos guiones. Se le criticó por usar demasiado la palabra, y realmente no era de los que pensaba que un buen movimiento de cámara puede expresar más que cualquier diálogo. Pero es que sus diálogos son, simplemente, geniales.

Aquí tenéis algunos fotogramas

Aviso: SPOILERS. Las cosas no son lo que parecen, así es que destripamos algunos detalles. Siempre es mejor que te sorprenda la película, así es que damos por sentado que si seguís leyendo es que la habéis visto.

Desde luego, Margo tiene temperamento, como la actriz que la interpreta.

Si se mete más en el papel le estalla una vena.

Aquí se ve mejor la tensión en el cuello:

Margo Channing parece una fiera caprichosa, impulsiva, irracional.

No las tiene todas para despertar la simpatía del espectador. Pero los auténticos

depredadores son estos dos (en primer término):

Margo es más vulnerable de lo que deja ver. Es un personaje con carácter, aparentemente independiente. Mankiewicz la dota de rasgos masculinos, no sólo en la actitud y en lo verbal, sino también en los detalles: su vestido de cóctel lleva BOLSILLOS (la Presley no le ofrecería bombones)

La vulnerabilidad en los personajes femeninos de Mankiewicz está relacionada también

con descubrirlas de todo maquillaje y artificio. A Eva la vemos siempre perfecta,

mientras que Margo muestra en ocasiones un aspecto poco favorecedor:

Aunque es un recurso humorístico/patético fácil, Mankiewicz busca a veces alternativas al alcoholismo; después de todo, vivió la caída de su hermano, Herman J. Mankiewicz, que había ganado un Oscar por el guión de Ciudadano Kane y a quien admiraba y envidiaba. Así, Margo sabe contenerse en esta otra secuencia:

BILL: Anda, levántate. Te invito a una copa.

MARGO: Ciertamente tuve épocas mejores, pero aún no estoy para que me compren por un simple cóctel, como si fuera una tanguista.

Como ya sabemos, es Eva la auténtica fiera. Incluso cuando aparece por primera vez pretendiendo ser una mosquita muerta tiene cierto aire inquietante:

Con esos guantes, la gabardina... Sólo falta la careta.

Está dispuesta a deshacerse de quien se interponga en su camino. Pero al principio logra engañar a todo el mundo:

Eva quiere ser el centro de atención, tener al público a sus pies, y ya en este momento sabemos que lo va a conseguir: nos lo dice Mankiewicz al situarla en el punto de fuga de esta composición tan "teatral".

A pesar de que se le criticó por ser muy teatral, muy palabrero, incorporó técnicas bastante interesantes que, una vez más, lo conectan con Ciudadano Kane: destaca la multiplicidad de voces narrativas aunque, a diferencia de Welles, Mankiewicz no lo usa para hacer más claro el relato, sino para incorporar matices subjetivos (esto lo explica N. T. Bihn en su libro sobre el director). También coinciden en el uso de flashbacks, ya que la película se compone con los retazos de la memoria de los personajes. La multiplicidad de voces narrativas y el flashback compensan lo que habría sido un relato muy lineal y demasiado claro. El resultado no justifica para nada la acusación de "teatralidad".

Davis, como Margo, pasó por crisis en las que no le ofrecían
papeles por su edad. Mandó este anuncio a un periódico. Genial.

Podríamos hacer también una comparación con El crepúsculo de los dioses, competidora ese año en los Oscars y de temática muy similar, aunque la crítica a Hollywood no se realiza desde el teatro, sino desde dentro de la propia industria. Muchos puntos se repiten, como la crueldad con que se trata a las "viejas" glorias, incluso antes de que sean realmente viejas.

Hay mucho que contar de Eva al desnudo, pero mejor lo dejamos para el programa ;)

Galas y discursos

2011-03-03T12:58:00.000-08:00

Entre otras, llevamos ya unos meses (años) con la polémica a raíz de los Goya, los Bafta y los Oscars sobre si los discursos tienen que ser más o menos breves, si los presentadores necesitan guión, si las galas necesitan presentadores... Lo importante: no aburrir al público, tanto el presencial como el que observa desde el otro lado de la pantalla.

En discursos breves, efectivos y originales le damos un 10 a Trueba al recoger su Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa por Belle Époque:

Contó Trueba al volver a Spain que Wilder le había llamado después de la gala.
Lo primero que le dijo fue:
"Hola, soy Dios".

La verdad es que, por raro que parezca, estas ceremonias del cine sí han dado lugar a momentos divertidos o interesantes.

Otra buena frase para recoger un premio (sólo apta para divas) es ésta de Meryl Streep:

También en los Emmys, Ricky Gervais dio algunos consejos sobre cómo recoger un premio. Lo hizo en respuesta a la gala anterior. Aquí tenéis los vídeos por orden cronológico:

[Simplemente genial]

En cuanto a la limitación del tiempo de los discursos, hay varios ejemplos, como éste, o aquí en España en 2005, cuando se limitó el tiempo también bajando los discursos, al estilo 59 segundos. Hemos buscado el vídeo de Tamar Novas corriendo de un micro a otro para acabar sus agradecimientos al ganar el Goya en 2005 por Mejor Actor Revelación, pero nada. Sólo hemos encontrado esto.

Y el próximo programa... PSICOSIS

2011-03-02T14:44:00.000-08:00

Título original: Psycho
Año de estreno: 1960
Productor: Alfed Hitchcock
Compañia productora: Shamley Productions
Director: Alfred Hitchcock
Fotografía: John L. Russell
Música: Bernard Herrmann
Guión: Robert Bloch (autor de la novela previa), Joseph Stefano
Intérpretes principales: Anthony Perkins (Norman Bates), Janet Leigh (Marion Crane), Vera Miles (Lila Crane), John Gavin (Sam Loomis), Martin Balsam (Detective Milton Arbogast), John McIntire (Sheriff Al Chambers).

Marion Crane ha robado una considerable suma de dinero y huye en coche para reunirse con su novio, Sam Loomis. Pero el camino es largo, se hace de noche y empieza a llover. Se detiene en un motel de carretera, y allí conoce al inquietante gerente, Norman Bates, que parece vivir bajo la poderosa influencia de su madre. No es destriparle nada a nadie decir que ahí acaba el viaje y la vida de Marion, ya que muere acuchillada en la ducha, una de las escenas más conocidas de toda la historia del cine.

Ha muerto la protagonista, pero la película no tiene por qué terminar. La policía ha seguido la pista de Marion y llega al motel poco después de que Norman haya dejado impoluta la escena del crimen cometido, imaginamos, por su madre (apenas distinguimos una figura femenina a través del vapor de la ducha, no hay un contraplano definido al rostro aterrorizado de la víctima). También van a parar al motel Sam y la hermana de Marion.

Hitchcock es un maestro en muchos sentidos, demasiados para enumerarlos aquí, pero esta película creó escuela en un aspecto concreto: conseguir que el espectador empatice con un personaje que, en principio, debería despertar nuestro rechazo por ser un criminal (sea un ladrón, sea un psicópata). El director tiene el poder para eso y mucho más, puede conseguir que creamos y sintamos lo que a él se le antoje.

Este mensaje se incluyó en muchos
otros carteles de la película

Mención aparte merece la increíble campaña de promoción de Psicosis, que va desde la compra de todos los ejemplares de la novela antes del estreno hasta prohibir que la gente entrara en las salas una vez empezada la proyección, o pedir explícitamente a los espectadores que no contaran el final a nadie.

Para los que no lo hayáis visto, aquí os dejamos el trailer original, una obra maestra ya de por sí. Eso, y otras cositas...

Nada que ver con esa birria de trailers que te cuentan toda la película o que no son más que un catálogo de los mejores momentos; es frustrante eso de pagar lo que se paga por la entrada en el cine y salir de la sala con la sensación de que ya habías visto lo que merecía la pena en el trailer.

Aquí os dejamos algunas imágenes:

Este hombre sabe qué atrae al público: chica en ropa interior, chico descamisado, mirada apasionada...

Lo que tendrá que ver la imagen con el argumento...

Más imágenes promocionales:

Hace un par de semanas hablamos de voyeurismo.

Este frame introduce el tema en Psicosis.

Por cierto: a Hitchcock le gustaba aparecer en sus películas. Para los que no hayan localizado todos sus cameos, los tenéis aquí. Ya sabéis, es el señor del anuncio de Reduco...

Palmarés Oscars 2011

2011-02-28T15:05:00.000-08:00

El discurso del rey se ha erigido este año como triunfadora con 4 Oscars, entre ellos el de mejor director y mejor película. Origen se hace con otros 4, en este caso los premios técnicos, y Bardem y Biutiful se quedan sin nada.

Estos son todos los premiados:

Mejor película
El discurso del rey de Tom Hooper

Director
Tom Hooper por El discurso del rey

Actor protagonista
Colin Firth por El discurso del rey

Actriz protagonista
Natalie Portman por Cisne negro

Actor de reparto
Christian Bale por The fighter

Actriz de reparto
Melissa Leo por The fighter

Película de habla no inglesa
En un mundo mejor (Dinamarca)

Guion original
David Seidler por El discurso del rey

Guion adaptado
Aaron Sorkin por La red social

Película de animación
Toy story 3 de Lee Unkrich

Fotografía
Wally Pfister por Origen

Banda sonora original
La red social, Trent Reznor y Atticus Ross

Canción original
We belong together, Toy story 3

Cortometraje de animación
Shaun Tan y Andrew Ruhemann por The lost thing

Cortometraje
Luke Matheny por God of love

Documental
Charles Ferguson y Audrey Marrs por Inside job

Corto documental
Karen Goodman y Kirk Simon por Strangers no more

Dirección artística
Robert Stromberg, Karen O'Hara por Alicia en el país de las maravillas

Diseño de vestuario
Colleen Atwood por Alicia en el país de las maravillas

Maquillaje
Rick Baker y Dave Elsey por El hombre lobo

Mezcla de sonido
Lora Hirschberg, Gary A. Rizzo y Ed Novick por Origen

Montaje de sonido
Richard King por Origen

Montaje
Angus Wall y Kirk Baxter por La red social

Efectos visuales
Paul Franklin, Chris Corbould, Andrew Lockley y Peter Bebb por Origen

Últimas críticas para Vulture

2011-02-28T11:58:00.000-08:00

Ya podéis leer nuestras últimas críticas para el portal cultural vulture.es:

Palmarés del Festival de Berlín 2011

2011-02-27T12:38:00.000-08:00

OSO DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA: "Nader And Simin, A Separation" (Asghar Farhadi)

GRAN PREMIO DEL JURADO: "The Turin Horse" (Béla Tarr)

OSO DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN: Ulrich Köhler por "Sleeping Sickness"

OSO DE PLATA AL MEJOR ACTOR: ex aequo Peyman Moadi, Ali-Asghar Shahbazi y Babak Karim por "Nader And Simin, A Separation"

OSO DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ: ex aequo Sareh Bayat y Sarina Farhadi por "Nader And Simin, A Separation"

OSO DE PLATA AL MEJOR GUIÓN: Joshua Marston y Andamion Murata por "The Forgiveness Of Blood"

OSO DE PLATA A LA MEJOR CONTRIBUCIÓN ARTÍSTICA: Wojciech Staron (fotografía) y Barbara Enriquez (diseño de producción) por "El premio"

PREMIO ALFRED BAUER: "If Not Us, Who" (Andres Veiel)

OSO DE ORO AL MEJOR CORTOMETRAJE: "Night Fishing" (Park Chan-wook)

OSO DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE: "Broken Night" (Yang Hyo-joo)

MENCIÓN ESPECIAL AL MEJOR CORTOMETRAJE: "Questions to my Father" (Konrad Mühe)

FIPRESCI (Competición oficial): "The Turin Horse" (Béla Tarr)

FIPRESCI (Panorama): "Dernier étage gauche gauche" (Angelo Cianci)

FIPRESCI (Forum): "Heaven's story" (Zeze Takahisa)

PREMIO GWFF A LA MEJOR ÓPERA PRIMA: "On the ice" (Andrew Okpeaha MacLean)

MENCIÓN ESPECIAL GWWF A LA MEJOR ÓPERA PRIMA: ex aequo "The Guard" (John Michael McDonagh) y "The fatherless" (Marie Kreutzer)

PREMIO EFA AL MEJOR CORTOMETRAJE: "Återfödelsen" (Hugo Lilja)

PREMIO DAAD AL MEJOR CORTOMETRAJE: "La ducha" (María José San Martín)

OSO DE CRISTAL A LA MEJOR PELÍCULA DEL JURADO JOVEN (Generation 14plus): “On the ice” (Andrew Okpeaha MacLean)

MENCIÓN ESPECIAL A LA MEJOR PELÍCULA DEL JURADO JOVEN (Generation 14plus): "She monkeys" (Lisa Aschan)

OSO DE CRISTAL AL MEJOR CORTOMETRAJE DEL JURADO JOVEN (Generation 14plus): "Manurewa" (Sam Peacocke)

MENCIÓN ESPECIAL AL MEJOR CORTOMETRAJE DEL JURADO JOVEN (Generation 14plus): "Get real" (Evert de Beijer)

OSO DE CRISTAL A LA MEJOR PELÍCULA DEL JURADO INFANTIL (Generation Kplus): "Keeper’n til Liverpool" (Arild Andresen)

MENCIÓN ESPECIAL A LA MEJOR PELÍCULA DEL JURADO INFANTIL (Generation Kplus): "Mabul" (Guy Nattiv)

OSO DE CRISTAL AL MEJOR CORTOMETRAJE DEL JURADO INFANTIL (Generation Kplus): "Lily" (Kasimir Burguess)

MENCIÓN ESPECIAL AL MEJOR CORTOMETRAJE DEL JURADO INFANTIL (Generation Kplus): "Minnie loves Junior" (Matthew Mullins)

PREMIO DEL JURADO ECUMÉNICO A LA MEJOR PELÍCULA DE LA COMPETICIÓN OFICIAL: "Nader And Simin, A Separation" (Asghar Farhadi)

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO ECUMÉNICO A LA MEJOR PELÍCULA DE LA
COMPETICIÓN OFICIAL: "The Forgiveness Of Blood" (Joshua Marston)

PREMIO DEL JURADO ECUMÉNICO A LA MEJOR PELÍCULA (Panorama): "Lo Roim Alaich" (Michal Aviad)

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO ECUMÉNICO A LA MEJOR PELÍCULA (Panorama): "Barzakh" (Mantas Kvedaravicius)

PREMIO DEL JURADO ECUMÉNICO A LA MEJOR PELÍCULA (Forum): "En terrains connus" (Stéphane Lafleur)

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO ECUMÉNICO A LA MEJOR PELÍCULA (Forum): "De Engel van Doel" (Tom Fassaert)

EUROPEAN CINEMA LABEL A LA MEJOR PELÍCULA EUROPEA: "Above us only sky" (Jan Schomburg)

PREMIO TEDDY A LA MEJOR PELÍCULA: "Ausente" (Marco Berger)

PREMIO TEDDY DEL JURADO A LA MEJOR PELÍCULA: "Tomboy" (Céline Sciamma)

PREMIO TEDDY AL MEJOR DOCUMENTAL: "The ballad of Genesis and Lady Jane" (Marie Losier)

PREMIO TEDDY AL MEJOR CORTOMETRAJE: ex-aequo "Generations" (Barbara Hammer y Gina Carducci) y "Maya Deren's Sink" (Barbara Hammer)

PREMIO CALIGARI: "The ballad of Genesis and Lady Jane" (Marie Losier)

PREMIO NETPAC: "Heaven's story" (Zeze Takahisa)

MENCIÓN ESPECIAL NETPAC: "Halaw" (Sheron Dayoc)

PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA (Panorama): "También la lluvia" (Icíar Bollaín)

PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR DOCUMENTAL (Panorama): "Im Himmel, Unter der Erde. Der Jüdische Friedhof Weißensee" (Britta Wauer)

El programa de EDUARDO MANOSTIJERAS en YouTube

2011-02-24T11:04:00.000-08:00

En un barrio con bonitas vistas había una vez...

Ya hemos subido el programa dedicado a Eduardo Manostijeras. Podéis escucharlo clicando aquí o visitando el canal de Cinema Paradiso en Youtube.

Hair

2011-02-23T15:37:00.000-08:00

Título original: Hair
Año de estreno: 1979
Productor: Michael Butler, Robert Greenhut, Lester Persky
Compañia productora: CIP Filmproduktion GmbH
Director: Miloš Forman
Fotografía: Miroslav Ondricek
Música: letra de Gerome Ragni, Jim Rado y música compuesta por Galt MacDermot
Guión: Michael Weller, Gerome Ragni, Jim Rado
Intérpretes principales: John Savage (Claude Hooper Bukovski); Treat Williams (George Berger); Beverly D'Angelo (Sheila Franflin); Annie Golden (Jeannie Ryan); Dorsey Wright (Lafayette [Hud]); Don Dracus (Woof).

Estados Unidos está en guerra con Vietnam y Claude Hooper Bukowsky, un grangero de Oklahoma, va a Nueva York para enrolarse voluntariamente. Allí conoce a un grupo de jóvenes hippies, entre los que destaca Berger, que conseguirán que cuestione la realidad en la que cree y las convenciones sociales. El consumo de drogas, el amor libre, la familia, las obligaciones patrióticas... son temas que desfilan ante el espectador y en los que los personajes se verán involucrados de una manera u otra.

Bukovsky toma la Comunión del manos del Sr. LSD

La película surge como adaptación de un musical estrenado una década antes, ya con polémica (¡actores desnudos sobre el escenario!). Pero no parece alejarse de otros proyectos de Miloš Forman en los que también encontramos personajes como Berger, que sin ser el protagonista lo eclipsa totalmente, y que pivotan entre la tontería insufrible y el genio admirable. La “normalidad” como corsé impuesto socialmente y la “genialidad” como visión alternativa fácilmente confundible con la locura es un tópico que Forman sabe tratar magistralmente, como demostró poco antes en Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) y años después en Man on the Moon (1999).

Si esto no sirve de aliciente para [volver a] ver Hair, que sirva su banda sonora, inolvidable, puesta en escena con números coreografiados por Twyla Tharp, además de buenas dosis de humor, y personajes inolvidables.

Aquí tenéis algunos números musicales, aunque (como siempre) os remitimos a la película:

Todos los personajes principales quedan presentados al ritmo del inolvidable Aquarius (no, el de Rafael no):

No ponemos el vídeo de Let The Sun Shine In porque contiene imágenes del final. El final es distinto al del musical, y desde luego una vuelta de tuerca que sigue sorprendiendo la segunda y la tercera vez que se ve la película. Para compensar, ahí va la letra de Sodomy, para que os la estudiéis:

Sodomy

Sodomy
Fellatio
Cunnilingus
Pederasty

Father, why do these words sound so nasty?

Masturbation
Can be fun
Join the holy orgy
Kama Sutra
Everyone!

Esa Locura feliz

2011-02-22T02:46:00.000-08:00

Berlanga y Bardem formaron parte de esa ola de nuevos directores dispuestos a hacer un cine diferente al anquilosado modelo que favorecía el Régimen. Juntos escribieron y dirigieron Esa pareja feliz (1951), que reflexiona sobre temas tan modernos como la búsqueda de la felicidad a través del consumismo. En lugar de centrarse en "hazañas ejemplares del Glorioso Imperio Español", como trató de poner de moda CIFESA en su última etapa como productora, este nuevo cine miró a la gente corriente.

Esa pareja feliz arranca parodiando al cine histórico de cartón-piedra, con la excusa de que el protagonista (Fernán-Gómez) trabaja como técnico en unos estudios cinematográficos. En concreto, ridiculiza Locura de amor, historia de Juana la Loca.

Os dejo aquí un par de vídeos y algún comentario más para que podáis apreciar la parodia evidente; no hará falta que os traguéis Locura de amor tres veces en una semana para daros cuenta (aún me dura el trauma).

El primer clip es de Locura de amor, un peliculón de 1948 producido por CIFESA, la compañía/mafia valenciana. Fue un exitazo en su momento, en serio. Entre otros, lanzó a la fama a una jovencita Sara Montiel, descubierta por la productora en un concurso tipo "Operación Triunfo" que iba buscando talentos de pueblo en pueblo. Aquí hace de mora mala malísima. Mirad sólo un fragmento, por vuestro bien, aunque debo admitir que es interesante analizar este cine:

Ay, no sé qué tiene Espantaleón. Me encanta.

Y ahora sí, el fragmento de Esa pareja feliz, de sólo tres años después, que se mofa especialmente de la dicción sobreactuada. Genial cuando la actriz cambia la forma de hablar, así como el momento ping-pong, cuando los testigos giran la cabeza de un lado a otro:

El programa sobre ARREBATO ya en YouTube

2011-02-20T13:00:00.000-08:00

Ya podéis escuchar el programa de Cinema Paradiso que dedicamos a la película Arrebato, de Iván Zulueta. Podéis reproducir los vídeos clicando aquí o a través de nuestro canal en YouTube.

Éstos son los cinco vídeos:

POR QUÉ NO GUSTA EL CINE ESPAÑOL

2011-02-19T04:30:00.000-08:00

Julia tampoco mira cine español

Lo prometido es deuda. Anoche en el programa no tuvimos tiempo (qué raro...) de comentar un texto que escribió Román Gubern para El País hace ya unos años, pero que no deja de ser interesante. Analiza las razones de por qué no gusta el cine español en España, algunas de las cuales son rebatibles. Y, sin embargo, ahí continua esa actitud de rechazo... Misterios de la vida.

Podéis leerlo aquí.

Las negritas son nuestras, para que no tengáis que leerlo entero, que sabemos que sois gente ocupada ;). También hemos añadido resúmenes de la jugada en rojo, pero son interpretaciones personales. Como siempre, podéis dejar cualquier comentario, aportación, crítica o sugerencia.

TRIBUNA: ROMÁN GUBERN

¿Por qué no gusta el cine español?

La situación no es tan catastrófica como dicen algunos, pero es cierto que nuestro cine tiene problemas por la prepotente presencia norteamericana y el exceso de producciones propias, entre otras razones

ROMÁN GUBERN 02/02/2008

El diario EL PAÍS me pide que explique a sus lectores por qué no gustan las películas españolas. Esta formulación reduccionista me invita a una reflexión sobre el actual mercado cinematográfico, que realizaré en ocho estampas:

1. La Unión Europea alberga sólo cinco potencias audiovisuales relevantes -Francia, Reino Unido, España, Alemania e Italia-, por lo que la ponderación ha de hacerse de modo comparativo. Desde que Volver a empezar (1982), de Garci, recibió un Oscar a la mejor producción de habla no inglesa, España ha recibido este galardón más veces que Alemania, Francia o Italia, otorgado a Belle époque, Todo sobre mi madre y Mar adentro. Pero es cierto que el cine español arrastra cierto descrédito cultural, en parte como inercia de la actitud de las élites ante este cine durante el franquismo, élites que añoran en cambio a veces el acusado y original perfil identitario de películas tan recias como Bienvenido, Mr. Marshall, Calle Mayor, Viridiana, El verdugo, La tía Tula o Furtivos, que reflejaban de modo ejemplar una España atávica y diferencial (la Spain is different que el ministro Fraga Iribarne convirtió en eslogan), pero que ha sido barrida, felizmente, por la modernización económica, política y de costumbres de nuestro país.

2. Pilar Miró, desde su cargo en el Ministerio de Cultura, alentó con subvenciones el cine de autor y dignificó la producción, pero la alejó del gran público. Desde entonces, y superando no pocas turbulencias, se ha ido incrementando la diversificación de la oferta, y en la actualidad, cuando coexisten cuatro generaciones de directores en activo -desde los veteranos Saura, Camus y Aranda hasta el debutante Juan Antonio Bayona de El orfanato-, el mapa de la producción es muy variado, desde el cine experimental de los catalanes Portabella (que rueda en alemán) o Guerín (que rueda en francés) hasta el realismo social de Barrio, Solas, El Bola o Los lunes al sol, pasando por la "mirada femenina", la comedia musical de El otro lado de la cama y la crónica histórica de Soldados de Salamina.

[Nota de Cinema Paradiso Radio (NCPR): No sólo se hacen pelis de la guerra y comedias ligeras. Otra cosa es lo que se quiera potenciar por intereses varios que habría que analizar en otro artículo. Pero el panorama de CREADORES españoles da para un abanico nutrido e interesante de estilos, géneros y formatos]

3. La hegemonía de las majors norteamericanas sobre el mercado español (que ocupan en torno al 70% de su cuota) se ejerce de modo coercitivo mediante la imposición de la contratación por lotes (block booking), ejerciendo el proteccionismo en su país y el mercado abierto en el exterior e incumpliendo aquí las normas antitrust que rigen en su mercado interno. A este dominio coactivo se le añade nuestro regalo del idioma mediante el doblaje (heredado de la dictadura, como también lo han heredado Alemania e Italia) y la penetración de algunas producciones suyas con fraudulento pasaporte comunitario británico, como Lara Croft Tomb Raider y algunas películas de las sagas de James Bond y Harry Potter. El ex ministro de Cultura Jordi Solé Tura me contó que recibió en su despacho a un alto funcionario de la MPPA (Asociación Norteamericana de Productores) que le dijo: "Nosotros producimos películas buenas, medianas y malas, pero queremos venderlas todas, las buenas, las medianas y las malas" [NCPR: Premio Mister Sinceridad Sin Complejos]. Aun así, en 2003 La gran aventura de Mortadelo y Filemón, de Javier Fesser, recaudó en España más que cualquier producción norteamericana. Pero su imperialismo es tan real que acaban de adquirir los derechos de El orfanato y REC, dos exitosas películas fantástico-terroríficas (gran especialidad anglosajona), para hacer versiones de ellas en su país, supuestamente mejores, usando sus actores y su idioma. Su hegemonía se apoya también en la llamada pedagogía de la rutina, pues al público le gusta aquello que se le ha acostumbrado a consumir previamente (la llamada cultura ketchup).

[ NCPR: Resumiendo la jugada:
- EUA defiende el libre mercado a la hora de pedir que no haya problemas para que entren sus productos en otros países, pero pone todas las trabas que puede para que en EUA entren productos/mano de obra del extranjero (proteccionismo). Ehem. Birria de liberalismo.
- El BLOCK BOOKING consiste en vender paquetes de películas: si alguien quiere comprar Harry Potter tiene que comprar además una serie de bodrios y tiene la obligación de emitirlos.
- Como les hacemos el favor de doblarlo absolutamente todo, la gente no se lo piensa a la hora de entrar en una sala. Si tuvieran que elegir entre una española y una en la que hay que leer subtítulos sería otra cosa.
- EUA, como todos, tiene un límite de películas que puede colocar en nuestras pantallas. Por eso de evitar monopolios. Pero si realiza COproducciones ya no son películas "estadounidenses".
- El resto de puntos se explican solos. ]

4. La última lista de que dispongo, del pasado año, de las películas más taquilleras de la historia del cine español colocan a Alejandro Amenábar en cabeza con dos títulos (Los otros y Mar adentro), Santiago Segura sitúa tres títulos de su saga sobre Torrente y comparecen La gran aventura de Mortadelo y Filemón, El otro lado de la cama de Martínez Lázaro y Todo sobre mi madre de Almodóvar. El diagnóstico general asegura que cada año el cine español obtiene unos poquísimos grandes éxitos -títulos de Almodóvar, Amenábar o Segura- y una multitud de fracasos. Y que cuando faltan estas locomotoras, la cuota de mercado del cine español se hunde. Esto es bastante cierto. Almodóvar ha triunfado urbi et orbi con su original reelaboración posmoderna de tradiciones culturales tan nuestras como la picaresca, el sainete, el melodrama, el esperpento y la astracanada. Amenábar no se ha nutrido tanto de la realidad como de sus imaginarios y la saga de Torrente enlaza con las groserías de Quevedo, el feísmo de Gutiérrez Solana y El Víbora, las astracanadas de Muñoz Seca y la subcultura cutre de los grandes suburbios urbanos. Y, por razones muy diversas, los tres han conseguido conectar con el público.

[NCPR: Es decir, que sí hay autores capaces de conectar con el público, aunque parece que son pocos. Es importante seguir apoyando este cine, no sólo el de autor. Son películas que mantienen la industria y permiten sacar adelante otros proyectos. Y, sobre todo, son películas que no copian modelos extranjeros, sino que los toman de la cultura nacional.]

5. En los últimos años la producción española parece excesivamente abultada en relación con su mercado nacional. En esta etapa su producción ha rebasado largamente (en más de un centenar de títulos) las de Francia, Inglaterra, Italia o Alemania, países con mayor número de habitantes. Salvo el privilegiado caso francés, cuyo público suele preferir la producción nacional a la importada, en los años buenos las cuotas de mercado españolas son bastante similares a las del Reino Unido, Alemania e Italia, países con menor producción y más habitantes, lo que significa ingresos muy inferiores por película en nuestro país (en 2007, la cuota española ha bajado al 12,75%). Aunque suele decirse que la cantidad da mayores oportunidades a la calidad, nuestra inflación productiva, que se corresponde con la atomización empresarial, deja películas sin estrenar o condenadas a un estreno precario. La calidad puede quedar sepultada por una hiperproducción ante la que los juicios de la crítica son irrelevantes: menos del 8% de los espectadores se orientan por las críticas profesionales.

[NCPR: En EUA nunca queda una película por estrenar, por ínfima que sea su calidad. En España, sí, incluso si dista de ser mediocre. La excusa: "Total, va a fracasar en taquilla. ¿Para qué malgastar dinero público en subvenciones?"]

6. Salvo los privilegiados casos de Almodóvar y Amenábar, la presencia del cine español en los mercados exteriores es insuficiente y continúa siendo un gran desconocido. En una ocasión en que presenté en Francia Los niños de Rusia, de Jaime Camino, en el coloquio subsiguiente el prestigioso profesor y crítico François Albéra me preguntó por qué no se hacían en España películas sobre la Guerra Civil. Una pregunta que contrasta con los frecuentes lamentos entre nosotros, acusando un hartazgo por la sobreexplotación de esta temática.

[NCPR: Ehem]

7. Aunque, como ya se dijo, la producción actual está bastante diversificada, los filones predominantes son el eje acción/intriga (el cine de la conmoción) y el eje de la comedia (cine de la diversión). Una encuesta de 2004 indicaba que las preferencias del público español eran, por este orden: acción/aventuras, intriga, ciencia-ficción y comedia romántica. Este esquema, muy acorde con la oferta norteamericana, presiona hacia la producción de géneros cosmopolitas estandarizados e impersonales, un terreno en el que Hollywood casi siempre derrotará a España por sus medios y su star-system.

8. En la última década el cine ha declinado en Europa como signo de identidad cultural nacional, frente a otras actividades de masas, como el deporte. Y a la vez se ha producido un rápido declive de su centralidad en las salas públicas. Con la proliferación de soportes y de pantallas, públicas y privadas, de pago o gratuitas, se ha pasado del cine en butaca al cine en el sofá. Y se está generalizando la práctica de bajar (¿de un cielo virtual?) películas a través de Internet. Y esta mutación está afectando profundamente, como no podía ser de otro modo, a la industria del cine español.

FUENTE

P.S.: Escuchuflú (esto lo pongo porque estoy convencida de que nadie llegará nunca hasta aquí para leerlo).

Palmares premios Bafta 2011

2011-02-16T12:04:00.000-08:00

Mejor Película Británica
El discurso del rey

Mejor debut de un Director, Guionista o Productor Británico
Chris Morris, Four Lions

Mejor Director
David Fincher, La red social

Mejor Guión Original
El discurso del rey, David Seidler

Mejor Guión Adaptado
La red social, Aaron Sorkin

Mejor Película de Habla No Inglesa
Los hombres que no amaban a las mujeres, Søren Stærmose y Niels Arden Oplev

Mejor Película de Animación
Toy Story 3, Lee Unkrich

Mejor Actor principal
Colin Firth, El discurso del rey

Mejor Actriz Principal
Natalie Portman, Cisne negro

Mejor Actor de Reparto
Geoffrey Rush, El discurso del rey

Mejor Actriz de Reparto
Helena Bonham Carter, El discurso del rey

Mejor Banda Sonora Original
Alexandre Desplat, El discurso del rey

Mejor Fotografía
Valor de ley, Roger Deakins

Mejor Montaje
La red social Angus Wall y Kirk Baxter

Mejor Diseño de Producción
Origen, Guy Hendrix Dyas, Larry Dias y Doug Mowat

Mejor Diseño de Vestuario
Alicia en el País de las Maravillas, Colleen Atwood

Mejor Sonido
Origen, Richard King, Lora Hirschberg, Gary A Rizzo y Ed Novick

Mejores Efectos Visuales
Origen, Chris Corbould, Paul Franklin, Andrew Lockley, Peter Bebb

Mejor Maquillaje y/o Peluquería
Alicia en el País de las Maravillas, Valli O'Reilly, Paul Gooch

Mejor Cortometraje de Animación
The Eagleman Stag, Michael Please

Mejor Cortometraje
Until the River Runs Red, Paul Wright, Poss Kondeatis

Orange Wednesday's Rising Star Award
Tom Hardy, Origen

Cinema Paradiso recomienda...

2011-02-16T11:47:00.000-08:00

Valor de ley, de Joel y Ethan Coen, estreno 11 de febrero. Trailer.

I'm Still Here, de Casey Affleck, estreno 11 de febrero. Trailer.

Cisne negro, de Darren Aronofsky, estreno 18 de febrero. Trailer.

El fotógrafo del pánico

2011-02-15T03:05:00.000-08:00

Titulo original: Peeping Tom

Año de estreno: 1960

Productor: Albert Fennell, Michael Powell

Compañia productora: Michael Powell (Theatre)

Director: Michael Powell

Fotografía: Otto Heller

Música: Brian Easdale

Guión: Leo Marks

Intérpretes principales: Karleinz Böhm, Moira Shearer, Anna Massey, Maxine Audley, Brenda Bruce, Miles Malleson, Esmond Knight, Martin Miller, Michael Goodliffe, Jack Watson, Shirley Anne Field, Pamela Green

Mark Lewis trabaja en unos estudios cinematograficos realizando tareas menores, como enfocar los planos. Pero el resto del tiempo lo pasa pegado a una cámara con la que filma crímenes que él mismo comete. Éste es el personaje al que seguimos los espectadores, y con él nos adentramos en sus emociones y los recuerdos de una infancia traumática en la que un padre despiadado lo usó como conejillo de indias para investigar sobre el terror. El resultado lógico de este argumento sería una película de terror, pero Powell elabora un drama con tintes terroríficos. La primera versión del director debía ser bastante más truculenta, eso sí, pero entre la autocensura, la censura impuesta por la indústria y el rechazo del público es imposible determinar hasta qué punto.

En el propósito y la forma de cometer estos crímenes encontramos un particular ejercicio de metacine, ya que Mark compone con ellos un documental sobre el terror y los comete usando la cámara como arma: atraviesa a sus víctimas con un punzón oculto en una de las patas del trípode. Se extrae, pues, la metáfora del cine como violador, ya que las mata “penetrándolas”.

Siguiendo con nuestro imprevisto ciclo de películas malditas (ésta supuso el fin de la carrera de Powell) y que hoy son obras de culto, nos adentramos esta semana en el voyeurismo, en la psicopatía y en el voyeurismo no necesariamente psicópata presente en cada uno de nosotros, cinéfilos atentos a lo que la pantalla pueda ofrecer. Os esperamos en el programa con mucho más.

El programa sobre Matrix ya en youtube

2011-02-14T13:25:00.000-08:00

El programa sobre Matrix ya está disponible en youtube. Estos son los links:

http://www.youtube.com/watch?v=CN0WDNcAJs0&list=PLA507C6F94D8561AC&index=0

http://www.youtube.com/watch?v=iIMWfLMcDTY&feature=BF&list=PLA507C6F94D8561AC&index=2

http://www.youtube.com/watch?v=Mp_nLp6uwMg&feature=BF&list=PLA507C6F94D8561AC&index=3

http://www.youtube.com/watch?v=PH4mhpEmjS4&feature=BF&list=PLA507C6F94D8561AC&index=4

Palmarés de la 25 edición de los premios Goya

2011-02-13T16:48:00.000-08:00

La triunfadora de esta edición de los Goya ha sido Pa negre, con 9 premios, le sigue También la lluvia con 3 y la gran perdedora (aunque más nominada) ha resultado Balada triste de trompeta. Aquí están todos los galardones:

Película: Pa negre, de Agustí Villaronga

Direccion: Agustí Villaronga por Pa negre

Actor principal: Javier Bardem por Biutiful

Actriz principal: Nora Navas por Pa negre

Direccion novel: David Pinillos por Bon appétit

Guión adaptado: Agustí Villaronga por Pa negre

Guión original: Chris Sparling por Buried

Actor revelación: Francesc Colomer por Pa Negre

Actriz revelación: Marina Comas por Pa negre

Actor de reparto: Karra Elejalde por También la lluvia

Actriz de reparto: Laia Marull por Pa negre

Documental: Carles Bosch por Bicicleta cuchara manzana

Banda Sonora: Alberto Iglesias por También la lluvia

Canción original: 'Que el soneto nos tome por sorpresa' de Jorge Drexler, Lope

Película europea: El discurso del Rey, de Tom Hooper.

Película extranjera de habla hispana: La vida de los peces de Matías Bize (Chile)

Película de animación: Chico y Rita, de Fernando Trueba

Dirección de producción: Cristina Zumárraga por También la lluvia

Fotografía: Antonio Riestra por Pa negre

Dirección artística: Ana Alvargonzález por Pa negre

Diseño de vestuario: Tatiana Hernández por Lope

Maquillaje y peluquería: J. Quetglas, P. Rodríguez y N. Sánchez por Balada triste de trompeta

Montaje: Rodrigo Cortés por Buried (Enterrado)

Sonido: U. Garai, M. Orts y J. Muñoz por Buried (Enterrado)

Efectos especiales: R. Abades y F. Piquer por Balada triste de trompeta

Mejor cortometraje de ficción: Una caja de botones de María Reyes Arias

Mejor cortometraje de animación: La bruxa de Pedro Solís

Mejor cortometraje documental: Memorias de un cine de provincias de Ramón Margareto

Goya Honorífico: Mario Camus

Arrebato

2011-02-10T08:10:00.000-08:00

FICHA

Título original: Arrebato
Año de estreno: 1979
Productores: Nicolás Astiárraga
Productor ejecutivo: Augusto M. Torres
Director: Iván Zulueta

Guión: Iván Zulueta

Fotografía: Ángel Luís Fernández
Música: Negativo
Sonido directo: Miguel Polo
Vestuario y maquillaje: José Alberto Urbieta
Intérpretes principales: Eusebio Poncela, Will More, Cecilia Roth, Marta Fernández Muro, Carmen Giralt, Helena Fernán-Gómez, Luis Ciges, Max Madera, Rosa Crespo, Javier Ulacia.

UNA DE VAMPIROS

Ni Drácula ni Orlok; aquí el vampiro es el Arte o, más concretamete, el Cinematógrafo. Arrebato tiene que gustar por fuerza a los cinéfilos, ya que el cine es el tema, la decoración, el ambiente y una cita permanente; la reflexión se centra en la imagen (en cualquier soporte, también el cómic, la televisión y el cartelismo) y su lado más despiadado, más devorador, más siniestro.

José, un director de serie B, recibe un paquete por correo. Contiene una misteriosa grabación de voz del enigmático Pedro, y una no menos misteriosa bobina de súper-8. El relato de Pedro se complemetará con los recuerdos de José hasta confundir las dos experiencias vitales en un mismo viaje hacia lo desconocido, hacia una nueva concepción del cinematógrafo y sus límites. Porque la preocupación de Pedro ha sido siempre la “pausa”, el “arrebato”, ese instante suspendido que le sobreviene al niño fascinado por un cromo, ese placer que experimenta la víctima de un vampiro al ser mordida, ese momento libre de las reglas del tiempo y que dura hasta que la realidad nos atrapa en su banalidad.

Momento Betty Boop. Esta escena es FANTÁSTICA

Una rareza en el cine español. No recuerdo quién dijo que la obra maestra no era aquella redonda, sino la que hace pensar más durante más tiempo. Puede que lo dijera a propósito de Arrebato, y desde luego se aplica a este film, al que hay que enfrentarse sin prejuicios. Uno en especial: no es una película sobre "las drogas". Muchos han querido ver una apología a las drogas. Cierto que aquí nadie pierde un brazo. Pero eso es quedarse en la superficie. La heroína es en el film un camino para alcanzar el arrebato, otro vampiro y un elemento sin el que Arrebato ni existiría ni podría entenderse. Un punto de conexión, además, entre la realidad y la historia que cuenta Zulueta, que dota a la obra de una dimensión que trascinede los supuestos límites cinematográficos. Fascinante. De esto, y de otras cosas (demasiadas para un post) hablaremos en el programa. Os esperamos.

Mientras tanto, aquí tenéis algunos fotogramas de la película. Y, como siempre, podéis dejar vuestros comentarios, aportaciones y spam donde sabéis.

Un fotograma que contiene un fotograma del supuesto film que está montando José al principio de la película -cine dentro del cine ya para empezar -. Dato curioso: el actor que interpreta al montador (no recuerdo su nombre) no creía en el "montaje", sino que era un defensor a ultranza de los largos planos secuencia. ¿Fue algún tipo de jugarreta de Zulueta? Como broma tiene su punto.

Pedro registra su voz para mandarle un mensaje a José junto con la bovina de súper-8 y la llave de su piso. Hay que ver la diferencia que hay entre su versión natural, con esos pelos y esa voz, y su estado "adulto" cuando se encuentra bajo los efectos de la heroína. Es el único personaje que exterioriza de un modo evidente el cambio de estado: no sólo a través del físico y la voz, sino también en la actitud. Incluso pasa de tener sangre fría a caliente.

Es una película sobre el cinematógrafo, pero la televisión está casi siempre presente. Pero no como ese aparato cotidiano al que todos estamos acostumbrados, sino como un representante de lo banal y antipática que puede resultar la realidad que nos envuelve, la más próxima y familiar. La televisión es, como muchos de los intentos de conversación de Ana (Cecilia Roth) ruido molesto, interferencia.

Tanto Zulueta como More eran auténticos apasionados de estas colecciones de cromos. Ambos sintieron muy suya la escena en la que Pedro recuerda a José la sensación de arrebato, la recuper de su infancia a través de estas imágenes del álbum de cromos de Las minas del rey Salomón. No queda claro quién de los dos aportó este álbum que vemos en la imagen. Al parecer, el álbum que Zulueta tenía previsto usar era el de Peter Pan (siemrpe ha sentido fascinación por Disney), pero en el momento de rodar no apareció.

Y hablando de Peter Pan... Ya sé que es algo más siniestro, pero ¿no os recuerda en algo al cuento? Desde luego, todo el argumento está salpicado de referencias al clásico.

(Me encanta este momento. Es una aparición estelar donde las haya; a saber qué tenía Zulueta en la cabeza para concebir un momento así. Esta imagen iba a encabezar el post, pero recuerda demasiado a Eduardo Manostijeras, la entrada anterior.)

Y finalmente el famoso negativo, la prueba del vampirismo, los fotogramas rojos que van ganando espacio inexoralemente. Hubiera sido más romántico que no existiera una prueba física, como en Blow-up (o que se destruya de alguna manera). Queda la duda de qué pasa a continuación. ¿Alguien recupera las cintas?

Por cierto, supongo que sabéis que la película no tenía que acabar como acaba...
Eso ya lo comentaremos en el programa ;)

Ya en YouTube, con imágenes

Ya en podcast, para escucharlo en cualquier momento