Nosferatu, una sinfonía del horror (26-12-08)

Título original: Nosferatu, eine symphonie des grauens.
Año de estreno: 1922 (muda).
Productor: Enrico Dieckmann, Albin Grau.
Director: Frederick Wilhelm Murnau.
Fotografía: Fritz Arno Wagner.
Música: Hans Herdmann para la partitura original.
Panfleto original: Bram Stoker (no reconocido).
Guión adaptado: Henrik Galeen.
Intérpretes principales: Max Schreck (conde Orlok), Gustav von Wangenheim (Hutter), Greta Schroeder (Ellen), Alexander Granach (Knock).

Hutter, un empleado de inmobiliaria alemán, es requerido por su jefe para visitar a un noble transilvano, un tal conde Orlok, interesado en adquirir unas propiedades en la ciudad. Lo que en principio se preveía como un viaje de negocios más pronto se convierte en una pesadilla: tras dejar a su esposa en casa de unos amigos y partir, Hutter ha de enfrentarse primero a unos aldeanos extremadamente supersticiosos y luego a las cada vez más extrañas situaciones que vive durante su estancia en el vasto y abandonado castillo del conde. Pronto se hace patente que su anfitrión no es de este mundo, y Hutter contempla horrorizado la partida del conde hacia su ciudad mientras él ha sido encerrado en el castillo. A duras penas logra escapar y ponerse en marcha para advertir a sus vecinos, pero el conde, más rápido gracias al barco en que navega (y que, de paso, convierte en un cementerio flotante) llega antes a destino, y con él la terrible plaga de alimañas y enfermedades que siempre lo acompaña...

Erigida por sí misma como uno de los pilares a partir de los cuales se construiría el cine, Nosferatu ensancha las posibilidades de la expresión del plano gracias a su tremenda riqueza e intencionalidad visual. A punto de ser destruída poco después de haber sido montada debido a un juicio sobre derechos de autor que ganó la viuda de Bram Stoker, afortunadamente algunas copias lograron pervivir para traer hasta nuestros días una cinta ya mítica que registra un notable remake a manos del grandísimo Werner Herzog e incluso una película sobre las leyendas negras que rodearon a su filmación, La sombra del vampiro, dirigida por Elías Merhige.

Un más que remarcable inicio de la leyenda de su director, el primer hombre en ganar el Oscar.

Aquí los enlaces ordenados a los vídeos de Youtube en que se encuentra el programa sobre esta película:

http://www.youtube.com/watch?v=qB7POkUiE08
http://www.youtube.com/watch?v=sGT9powDEFc
http://www.youtube.com/watch?v=CbIR4rarow4
http://www.youtube.com/watch?v=VPjUTcmcHlI
http://www.youtube.com/watch?v=JzjcIfGtVl8

Belle Epoque (12-12-08)

Título original: Belle epoque.
Año de estreno: 1992.
Compañía productora: Lola Films, Animatografo, French Productions.
Productor: Andrés Vicente Gómez.
Director: Fernando Trueba.
Fotografía: Jose Luís Alcaine.
Música: Antoine Duhamel.
Guión original: Rafael Azcona, Fernando Trueba.
Intérpretes principales: Jorge Sanz (Fernando), Fernando Fernán Gómez (Manolo), Miriam Díaz Aroca (Clara), Ariadna Gil (Violeta), Maribel Verdú (Rocío), Penélope Cruz (Luz), Gabino Diego (Juanito), Chus Lampreave (dona Asun), Agustín Gonzalez (don Luís), Mary Carmen Ramírez (Amalia).

Fernando, un ex-seminarista reconvertido a soldado y luego a desertor, escapa de su cuartel con una triste maleta tras la fallida sublevación del cuartel de Jaca de 1930. En su vagar, acaba por dar con un pintoresco pueblo donde parece vivirse la convulsión política de entonces (la pugna entre la monarquía y una cada vez más boyante república) de forma harto distendida. Allí se hospedará en casa de Manolo, un extraño pintor de gustos bohemios, al que van a visitar sus cuatro jóvenes y guapas hijas. Pronto Fernando se verá inmerso en cuatro tórridos romances, confrontando su enorme sentido del deber con sus propios deseos y la picardía de las hijas de Manolo.

Partiendo de uno de tantos memorables guiones del grandísimo Rafael Azcona, que tanto y tan bien supo tratar la realidad de la España de su tiempo, Belle Epoque se erige como tributo y reflexión en clave de comedia romántica a una época que, pese a su dureza, también pudo ser tan dulce como se muestra en el film. La perfección técnica lograda en su ejecución y, sobre todo, un guión sólido y una dirección de actores magnífica, logró no solo multitud de Goyas, sino que la película fuese muy apreciada fuera de nuestras fronteras, alcanzando incluso el Oscar a la mejor película extranjera, siendo la segunda de cuatro (o tercera de cinco, si contamos el Oscar a Luís Buñuel) producciones patrias en lograrlo.

El verano de Kikujiro (5-12-08)

Título original: Kikujiro no natsu.
Año de estreno: 1999.
Compañía productora: Kitano Office.
Productor: Masayuki Mori y Takio Yoshida.
Director: Takeshi Kitano.
Fotografía: Katsumi Yanagishima.
Música: Joe Hisaishi.
Guión original: Takeshi Kitano.
Intérpretes principales: Yusuke Sekiguchi (Masao), "Beat" Takeshi (Kikujiro).

El comienzo del verano está siendo una época dura para Masao, un niño de 9 años huérfano de padre que vive con su abuela en Tokio. Extraña a sus amigos, que se van todos de vacaciones, y sobre todo a su madre, a la que hace años que no ve. Hastiado, decide escaparse de casa e ir a visitarla, pero es detenido por un matrimonio amigo de su abuela. La mujer, apiadándose del crío, decide que su marido Kikujiro lo acompañe en el viaje para que la abuela esté conforme. Juntos, Masao y Kikujiro comenzarán un pintoresco viaje lleno de alegrías y penurias que los irá acercando el uno al otro y también les hará conocerse mejor a ellos mismos, en lo que probablemente acabe siendo para ambos el mejor verano de sus vidas.

Sin duda, una de las películas más sensibles jamás realizadas. Histriónicamente cómica, pero también con momentos de un hondo dramatismo, y mezclando indeleble realidad con sueño, El verano de Kikujiro es una de esas deliciosas rarezas con que a veces nos regala el cine independiente. Plagada de guiños al cine mudo y también a las primeras comedias de verbalismo rápido, esta cinta extrañamente emocional y catártica sumerge al espectador en una historia sencilla que sin embargo tiene lecturas muy profundas, y plagada de personajes atemporales con los que cualquier espectador puede sentirse identificado.

Sin duda, el auténtico Kikujiro, ni más ni menos que el difunto padre de Takeshi Kitano, habría estado orgulloso de su hijo por esta película.

El retrato de Dorian Gray (28-11-08)

Título original: The picture of Dorian Gray.
Año de estreno: 1945.
Compañía productora: Metro Goldwin Mayer.
Productor: Pandro S. Berman.
Director: Albert Lewin.
Fotografía: Harry Stradling.
Música: William Hargreaves.
Panfleto original: Oscar Wilde.
Guión adaptado: Albert Lewin.
Intérpretes principales: Hurt Hadfield (Dorian Gray), George Sanders (lord Henry Wotton), Lowell Gilmore (Basil Hallward), Donna Red (Gladys Hallward adulta), Angela Lansbury (Sibyl Vane).

Es en el estudio del prestigioso pintor Basil Hallward, mientras está siendo retratado, que el joven Dorian Gray conoce a lord Wotton, un hombre de moral laxa y curiosas opiniones sobre la mujer, la juventud y la belleza. Tal cantidad de ideas nuevas impresionan a Dorian, quien inducido por ellas jura ante una antigua figurita egipcia desear permanecer inalterable, siendo su propio retrato ya acabado el que cambiase por él. Posteriormente, para aprovechar su juventud, vagará por los pubs de los barrios bajos de Londres, hasta encontrar en uno de ellos a una hermosa corista, de la que cae enamorado y es correspondido. Sin embargo, al seguir los consejos dde los Wotton, es despechado y corta sus relaciones con la corista después incluso de haberle pedido matrimonio. Cuando por fin su corazón se ablanda y determina pedir perdón, le asalta la noticia del suicidio de su amada. Superado por la situación, se da a una vida de excesos y males, pero pronto se da cuenta de que permanece inalterable, en una juventud e inocencia exteriores imperecederas, mientras que es su retrato el que va cambiando poco a poco.

Deudora de algunos descubrimientos estilísticos muy interesantes hechos pocos años antes de su estreno por Jacques Tourneur en filmes como El hombre leopardo o La mujer pantera, y heredera también de los ambientes lóbregos imperantes en el movimiento expresionista alemán, El retrato de Dorian Gray destaca sobre todo por su fidedigna adaptación de una de las fábulas mas alucinantes y tenebrosas del magnífico escritor e ideólogo Oscar Wilde. Su ritmo narrativo y sus diálogos rápidos y afilados son llevados con todo respeto a la pantalla, en una película visualmente recargada y con enormes profundidades de campo que probablemente habría hecho las delicias de su autor original.

Aquí los enlaces ordenados a los vídeos de Youtube en que se encuentra el programa sobre esta película:

http://www.youtube.com/watch?v=vrgh-D4ddCs
http://www.youtube.com/watch?v=ZeZOTfIxTEQ
http://www.youtube.com/watch?v=7s3Xctm2-4g
http://www.youtube.com/watch?v=ZiWqq11sUSY
http://www.youtube.com/watch?v=3ngPtKtY-Uo

Barry Lyndon (21-11-08)

Título original: Barry Lyndon.
Año de estreno: 1975.
Compañía productora: Warner Bros.
Productor: Stanley Kubrick, Bernard Williams.
Director: Stanley Kubrick.
Fotografía: John Alcott.
Música: The Chieftains (música irlandesa), Leonard Rosenman (arreglos sobre piezas de Häendel, Bach, Mozart, Schubert, Vivaldi, Paisiello y Federico el Grande).
Panfleto original: William Makepeace Thackeray.
Guión adaptado: Stanley Kubrick.
Intérpretes principales: Ryan O'Neal (Redmond Barry / Barry Lyndon), Marisa Berenson (lady Lyndon), Leon Vitali (lord Bullingdon), Frank Midlemass (sir Charles Lyndon), Patrick Magee (el Chevalier), Leonard Rossiter (capitán Quinn), Gay Hamilton (Nora Brady).

Obligado a dejar su casa y huír tras creer haber dado muerte en un duelo amañado al oficial del ejército inglés que pretendía desposarse con su prima, de la cual estaba enamorado, Redmond Barry, un joven soñador y sensible con una nula experiencia del mundo, comienza la andadura que pronto le hará experimentar las cosas mas nobles y mas viles de la vida. Privado prontamente de su dinero y posesiones por un salteador de caminos, se verá obligado a alistarse en el ejército, con el cual combatirá en Europa en la guerra de los 7 años, y del que pronto desertará gracias al uniforme robado de un oficial y unos despachos solo para caer en manos del ejército prusiano. Allí, en compañía de los pillos y furtivos que conforman sus filas, será a la vez despabilado y envilecido hasta alcanzar un renombre justo al finalizar la guerra. Tras eso, es requerido como espía para observar a un noble de vida libertina, del cual se sospecha que es un espía inglés, haciéndose pasar por su criado. Sin embargo, pronto traba amistad con su espiado, y pasa a convertirse en su pupilo y ayudante en sus estafas de juego. Es gracias a esa vida azarosa y ambulante que por fin conoce a lady Lyndon, mujer de enorme fortuna casada con un viejo noble consumido por mil enfermedades. Procura sus atenciones, y tras la muerte de su marido la desposa, adquiriendo su prestigio y su fortuna, pero no su título. Es precisamente esta ansia de reconocimiento frente al resto de la nobleza lo que procurará su caída, dilapidando su fortuna y haciéndole merecedor de las iras de su hijastro. Sus últimos días lo verán derrotado, cojo y exiliado, privado de todas las cosas por las que luchó en la vida y una vez consiguió.

Asombrosa, un verdadero tributo al arte cinematográfico, esta película es célebre sobre todo por su fotografía, ya que se rodó únicamente con fuentes de luz naturales (tanto del sol como de las velas), haciendo de cada encuadre una obra maestra pictórica. El gusto por las panorámicas, los campos larguísimos, las dollys inversas e incluso el uso del zoom (hoy en día impensable), la elevan a categoría de obra maestra. Unido todo esto a una exquisita distribución del cuadro, su montaje suave y profundamente intelectual, y sobre todo a su sublime banda sonora plagada de temas clásicos la convierten en un festín para los sentidos y la mente.

Argumentalmente es, quizás junto a Espartaco, la película que mejor engloba todos los temas recurrentes de la filmografía de Kubrick: su antibelicismo, su posición crítica y pesimista ante la vida, su gusto por el drama humano desnudo y su sensibilidad fría y contenida. El intertítulo que cierra la obra es, probablemente, uno de los finales más devastadores de la historia del cine:

Esencia de mujer (14-11-08)

Título original: Scent of a woman.
Año de estreno: 1992.
Productores: Martin Brest, Ovidio G. Assonitis, G. Mac Brown, Ronald L. Schwary.
Director: Martin Brest.
Fotografía: Donald E. Thorin.
Música: Thomas Newman.
Panfleto original: Giovanni Arpino.
Guión adaptado(remake): Bo Goldman.
Intérpretes principales: Al Pacino (teniente coronel Frank Slate), Chris O'Donnell (Charlie Simms), James Rebhorn (sr. Trask), Philip Seymour Hoffman (George Willis hijo), Gene Canfield (Manny).

Charlie, un estudiante de una prestigiosa escuela preparatoria que busca algún trabajo durante el día de Acción de Gracias para poder ir a ver a sus padres por Navidad, se ve involucrado en un lío cuando se le relaciona con una cruel broma que otros estudiantes le hacen al rector del centro. Viendo su estancia en la escuela e incluso su futuro ingreso a la universidad peligrar debido a ese incidente, ese quizá habría sido el mayor quebradero de cabeza de Charlie de no ser porque el trabajo que al final acaba aceptando es el de cuidar de un hombre muy peculiar.
Este hombre, Frank, un militar retirado, ciego debido a un accidente durante unas maniobras, resulta ser todo un carácter. Con una arrolladora personalidad y de vuelta de todo, el viejo Frank enrola a Charlie en un peculiar viaje de placer a Nueva York durante el cual se forjará un fuerte vínculo entre ambos.

Remake de la película homónima del italiano Dino Risi, estamos ante una película con grandes toques dandísticos y humanistas, un auténtico viaje iniciático, de autodescubrimiento, para sus dos grandes protagonistas. Sus vivencias, sus pasiones y dolores, se nos hacen pronto cercanos, zambulléndonos en una acción intensamente emocional de enormes alegrías y amargos pesares.

La gata sobre el tejado de zinc (07-11-08)

Título original: Cat on a hot tin roof.
Año de estreno: 1958.
Compañía productora: Metro Goldwin Mayer.
Productor: Lawrence Weingarten.
Director: Richard Brooks.
Fotografía: William Daniels.
Música: Charles Wolcott.
Panfleto original: Tennessee Williams.
Guión adaptado: Richard Brooks y James Poe.
Intérpretes principales: Paul Newman (Brick), Elizabeth Taylor (Maggie), Burl Ives (Abuelo), Judith Anderson (Abuela), Jack Carson (Gooper), Madelaine Sherwood (Mae).

Es otro bochornoso día de verano más dentro de la vasta hacienda sureña de los Pollitt, la más grande y fructífera del estado. Todos están ajetreados para hacer de ese día el mejor posible, pues es el cumpleaños del dueño de la hacienda, el Abuello Pollitt, que vuelve del hospital en que ha estado haciéndose pruebas con buenas nuevas: al parecer, su salud es recia, y durará otros muchos años. Sin embargo, una persona, su hijo menor Brick, no colabora en absoluto: encerrado en su habitación, dándose constantemente a la bebida, es atormentado por el fantasma del suicidio de su mejor amigo y compañero en el campo de rugby Skipper, y también su posible relación con su mujer Maggie, a la que aparta todo lo que puede de su vida pese a seguir viviendo juntos, manteniendo una relación sin amor.
Pronto, las máscaras que todos se pusieron para representar ese día idílico caen: el Abuelo vive engañado sus últimos días, puesto que padece una enfermedad terminal para la que ya no hay remedio posible; el hermano de Brick, Gooper, y su esposa Mae, han urdido un ladino plan para hacerse con los favores del Abuelo y heredar sus fastuosas propiedades y riquezas; Maggie, que también va tras la herencia, afronta al mismo tiempo la autodestrucción de su marido y el deterioro de su relación. Poco a poco, todos estos temas irán surgiendo y enmarañándose en una red de mentiras y verdades a medio decir que pondrá al descubierto el verdadero estado de la familia.

Película enormemente dramática, aunque con muchos toques de comedia en su inicio, La gata sobre el tejado de zinc toca temas de una gran trascendencia social como las relaciones interpersonales, la homosexualidad velada (relajada mucho en el film por la censura mccarthysta respecto a su homónima teatral), los vínculos de sangre y afectivos, y la sinceridad y la mendacidad.
A todo esto se le suma una realización que, si no genial o efectista, sí tiene una considerable maestría del lenguaje fílmico y alcanza una perfección formal envidiable.

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Esperando que sea de vuestro agrado, hasta más entradas.