Cinema Paradiso recomienda...

Aquí os ofrecemos algunos de los trailers de los estrenos más esperados en agosto por Cinema Paradiso... disfrutad:

14 de agosto: Enemigos públicos, de Michael Mann
http://www.youtube.com/watch?v=wK_9XNreuvI&feature=PlayList&p=5D6343AA8C71B541&playnext=1&playnext_from=PL&index=9


21 de agosto: Anticristo, de Lars Von Trier:
http://www.youtube.com/watch?v=r1DWguHbiDU

28 de agosto: Mapa de los sonidos de Tokio, de Isabel Coixet
http://www.youtube.com/watch?v=qoZvFsBZLuc

Soñadores (7-8-09)

Título original: Dreamers.

Año de estreno: 2003.

Compañía productora: .

Productor: Jeremy Thomas.

Director: Bernardo Bertolucci.

Fotografía: Fabio Cianchetti.

Música: varios artistas.

Panfleto original: Gilbert Adair.

Guión adaptado: Gilbert Adair.

Intérpretes principales: Michael Pitt (Matthew), Eva Green (Isabelle), Louis Garrell (Theo).

Matthew, un joven estudiante de intercambio afincado en el París del 68, presenta una marcada pulsión por la cinefilia, siendo asíduo de la Cinémathèque Française, donde a parte de verse involucrado en el conflicto acerca de la destitución de su presidente y fundador, conoce a dos extraños hermanos, ambos de su edad e interesados en las mismas cosas. Aprovechando un viaje de los padres de ambos hermanos, Matthew pasará a vivir unos días junto a ellos, que se convertirán en un batiburrillo de cinefilia, política, incesto, ensoñaciones y sorprendentes verdades reveladas.

Tremendamente visceral y erótica, Soñadores supone el regreso de Bertolucci a unas formas en las que es maestro, aunando en el celuloide mente y carne como ningún otro. La cinta, ingente compendio de citas eruditas a otras muchas otras grandes producciones, se eleva como canto del cine hacia el cine, mientras las complejas mentes de sus personajes protagonistas exploran puntos de vista políticos y relaciones personales extremas. Un producto complejo y absolutamente delicioso que desde el momento de su estreno ha hecho la boca agua a todos los amantes del séptimo arte.

El programa en youtube:

http://www.youtube.com/watch?v=l8B-etdRfaI
http://www.youtube.com/watch?v=uRsrK_rK6L0
http://www.youtube.com/watch?v=bqFUOBDmFcU
http://www.youtube.com/watch?v=TtSRtk5KQVc
http://www.youtube.com/watch?v=ffDIM7ciBuw
http://www.youtube.com/watch?v=TOEUtBM1pz0
http://www.youtube.com/watch?v=2pAOrQOq-h8
http://www.youtube.com/watch?v=x7iOh-PUxks
http://www.youtube.com/watch?v=dRo9pak_9mE
http://www.youtube.com/watch?v=d6a4t0jW5DI

Los siete samuráis (31-7-09)

Título original: Shichinin no samurai.
Año de estreno: 1954.
Compañía productora: Toho.
Productor: Sojiro Motoki.
Director: Akira Kurosawa.
Fotografía: Asakazu Nakai.
Música: Fumio Hayasaka.
Guión original: Shinobu Hashimoto, Akira Kurosawa, Hideo Oguni.
Intérpretes principales: Takashi Shimura (Kanbei), Toshio Mifune (Kikuchiyo), Ko Kimura (Katsushiro), Daisuke Kato (Shichiroji), Minuro Shiaki (Heihachi), Seiji Myaguchi (Kyuzu), Yoshio Inaba (Gorobei).

Al verse amenazados por una inminente invasión de bandidos, los habitantes de una pequeña aldea del Japón feudal deciden enviar un comité a la ciudad más cercana, en busca de cuantos samuráis quieran defender su pueblo del ataque. A la llamada acuden seis guerreros muy dispares, liderados por el calmado y sabio Kanbei, y un séptimo miembro, el alocado Kikuchiyo,

La parada de los monstruos (23-7-09)

Título original: Freaks.
Año de estreno: 1932.
Compañía productora: Metro Goldwin Meyer.
Productor: Tod Browning.
Director: Tod Browning.
Fotografía: Merritt Gerstad.
Panfleto original: Tod Robbins.
Guión adaptado: Tod Browning.
Intérpretes principales: Harry Earles (Hans), Olga Baclanova (Cleopatra), Wallace Ford (Phroso), Henry Victor (Hercules), Leila Hyams (Venus).

Hans, un enano que trabaja para un circo ambulante, posa sus ojos en la trapecista del mismo, Cleopatra, una mujer bella pero mezquina y manipuladora. A sabiendas de sus sentimientos, y conociendo más tarde la fortuna a la que tiene acceso el enano, Cleopatra decide dar alas a sus deseos correspondiendo a sus galanterías y llegando a casarse con él, como parte de un complot para matarlo y quedarse con lo suyo. Sin embargo, el resto de los fenómenos de circo, que sospechan la trama, unen fuerzas para defender a su compañero y castigar a quien ose burlarse de ellos.

Increíblemente osada y ciertamente irrepetible, La parada de los monstruos constituye no una apuesta sorprendente dentro del género de terror, sino un género en sí misma. Dotada de una enorme carga moral y muchas escenas poderosas, la película, injustamente olvidada durante mucho tiempo, fue por fin rescatada y reconocida como un clásico en toda regla. Toda una epopeya sobre la digniad humana, es quizá junto con El hombre elefante, de David Lynch, el mayor y más grande alegato sobre el tema.

Candilejas (9-7-09)

Título original: Limelight.
Año de estreno: 1952.
Compañía productora: United Artists.
Productor: Charles Chaplin.
Director: Charles Chaplin.
Fotografía: Karl Strauss.
Música: Charles Chaplin.
Guión original: Charles Chaplin.
Intérpretes principales: Charles Chaplin (Calvero), Claire Bloom (Thereza), Nigel Bruce (Neville), Buster Keaton (cómico veterano).

Calvero, un viejo actor cómico que ha perdido hace tiempo el favor del público, vive una vida miserable entre alcohol y sordidez hasta que un día, al volver a su casa, salva casi sin proponérselo la vida de una joven suicida, a la que acaba acogiendo bajo su techo para que se recupere. La joven, Thereza, es una bailarina sin ilusión por vivir con un pasado oscuro. Pronto se establece una curiosa relación entre ambos: él intenta devolverle las ganas de vivir, renovando de paso las suyas propias, para después intercambiarse los papeles y ser ella la que le socorra en su momento de necesidad. Ya recuperada, Thereza vuelve a la danza, convirtiéndose gracias a su talento en una en una gran musa, lo que le permite preparar desde una posición privilegiada la vuelta a los escenarios de Calvero, por el que siente un intenso amor. Sin embargo, el viejo actor, mucho más sabio que ella, tiene otros planes...

Una de sus películas más poderosas y profundas, tal vez solo superada por Monsieur Verdoux y el discurso final de El gran dictador, Candilejas es la respuesta de Chaplin a un mundo que ha dejado de amarle y le ha dado la espalda a un arte en la plenitud de sus fuerzas. La película es un compendio de actitudes vitales que ridiculizan la doble moral y la persecución a la que le sometieron los que años antes (y con la mayor de las razones) lo llamaban "el primer inmortal de la historia del cine". Prácticamente su canto de cisne artístico, la cinta es bella y triste más allá de toda palabra: el mejor alegato posible en defensa de cualquier artista y su obra.

Lost in translation (3-7-09)

Título original: Lost in translation.
Año de estreno: 2003.
Compañía productora: American zoetrope.
Productor: Francis Ford Coppola, Sofía Coppola.
Directora: Sofía Coppola.
Fotografía: Lance Acord.
Música: Kevin Shields.
Guión original: Sofía Coppola.
Intérpretes principales: Bill Murray (Bob Harris), Scarlett Johansson (Charlotte).

Bob, un actor de mediana edad que ve como su carrera de éxito se diluye en proyectos y papeles que ya no le llenan, y Charlotte, una recién casada y recién licenciada en Filosofía, se encuentran perdidos en una ciudad aliena como es la megápolis de Tokio, rodeados de imágenes y costumbres que no entienden. Compartiendo el mismo hotel, sus miradas pronto se cruzan, y se establecerá entre ellos una relación única, más allá de las palabras.

La consagración definitiva de la hija de uno de los grandes directores de cine aún vivos en el mismo negocio que su padre, Lost in translation supone el refinamiento definitivo de la sensibilidad especial e incisiva de la que Sofía Coppola ya hacía gala en su película anterior, Las vírgenes suicidas. Tierna, sensible, poderosa, y por encima de todo de una factura impecable, es sin duda la obra maestra de la única mujer que ha ganado un Oscar hasta ahora.

800 balas (26-6-09)

Título original: 800 balas.
Año de estreno: 2002.
Compañía productora: Pánico films.
Productor: Álex de la Iglesia.
Director: Álex de la Iglesia.
Fotografía: Flavio Labiano.
Música: Roque Baños.
Guión original: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaecheverría.
Intérpretes principales: Sancho Gracia (Julián), Ángel de Andrés (Cheyene), Carmen Maura (Laura), Luís Castro (Carlos).

Carlos, un niño mimado y sobreprotegido, vive desde siempre con la duda de qué fue de su padre, quien murió siendo él muy pequeño. Cuando por fin descubre que era un extra en las producciones internacionales rodadas en el desierto de Almería, se escapa de casa para ir allí a conocer a su abuelo, Julián, que sigue trabajando como especialista en un espectáculo para turistas basado en el oeste americano. Allí se encuentra con un personaje autodestructivo, pero noble a su manera, y también con las respuestas que andaba buscando: algunas sorprendentes, otras jocosas... y aún alguna trágica.

Arruinando casi a su director y productor Álex de la Iglesia, 800 balas se erigió sin embargo en una de las películas más taquilleras de su año, y representa un paso adelante en la filmografía del realizador, siempre novedoso, fresco en fondo y forma. La cinta configura un relato épico y sentimental hacia el cine mismo, y sus grandes géneros perdidos, aportando de paso grandes dosis de aventura, drama y humanismo.

No por nada en esta película se apostilla una de las mejores frases del cine español reciente:

http://www.youtube.com/watch?v=ZkhVpkQRMzc

El acorazado Potemkin (22-5-09)

Título original: Bronenósets Potyomkin.
Año de estreno: 1925 (muda).
Productor: Jacob Bliokh.
Director: Sergei Mijáilovich Eisenstein.
Fotografía: Eduard Tisse.
Música: Edmund Meisel y Nikolai Krinkov para la partitura original.
Guión original: Sergei Mijáilovich Eisenstein, Nina Agadzhanova.
Intérpretes principales: Aleksandr Antonov, Vladimir Barskij, Grigori Aleksandrov, Ivan Bobrov.

1905. Los marineros del Potemkin, un acorazado de la escuadra del Imperio Ruso, se rebelan contra sus oficiales por el trato inhumano que sufren. En este altercado muere el instigador de la revolución entre sus semejantes, el marinero Vakilinchuk, y en señal de duelo se celebra su funeral en el cercano puerto de Odessa. Los habitantes de la ciudad, curiosos, se acercan al barco, y acaban uniéndose a la revolución de los marineros sublevados. Sin embargo, pronto las tropas del Zar rodean la ciudad y masacran sin piedad a sus habitantes, a lo que el Potemkin responde con sus cañones. Arrinconado, debe hacerse a la mar de nuevo para enfrentarse al resto de la escuadra del almirante zarista. Sin embargo, al final triunfa el sentimiento de hermandad entre marineros, y el Potemkin cruza altivo por en medio de la escuadra, sin sufrir un solo cañonazo.

Considerada la película sobre la que más se ha escrito, El acorazado Potemkin supuso en su día la madurez del cine como arte completo y como medio de expresión con su propio lenguaje. Toda una revolución del montaje cinematográfico, la cinta explora las posibilidades de la metáfora por asociación de imágenes, al mismo tiempo que hace un alegato propagandístico de una fuerza demoledora. Con escenas tan míticas como la infinitas veces homenajeada "escalera de Odessa", esta película se convierte en un imprescindible visionado para toda persona que quiera hablar de cine con un mínimo de conocimiento.

El programa en youtube:

http://www.youtube.com/watch?v=C0jQ7MFcMZ4
http://www.youtube.com/watch?v=Wj8WqqbQGHg&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=90nwp22HleM&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=6EhQIq7OTbA&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=nl9qgX98-3c&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=eApkvPnlX6w&feature=related

American psycho (15-5-09)

Título original: American psycho.
Año de estreno: 2000.
Compañía productora: Lions Gate.
Productor: Gideon Ponte.
Director: Mary Harron.
Fotografía: Andrzej Sekula.
Música: John Cale, con canciones de Phil Collins, Huey Lewis and the News, Whitney Houston, David Bowie y The Cure.
Panfleto original: Bret Easton Ellis.
Guión adaptado: Mary Harron, Guinevere Turner.
Intérpretes principales: Christian Bale (Patrick Bateman), Willem Dafoe (detective Donald Kimball), Jared Leto (Paul Allen), Reese Witherspoon (Wvelyn Williams), Samantha Mathis (Courtney Rawlinson), Justin Theroux (Timothy Bryce).

Patrick Bateman, un yuppie adinerado que pasa su vida prácticamente sin trabajar y yendo de fiesta en fiesta, frecuentando los locales más de moda de la ciudad, oculta en su fuero interno a un monstruo inhumano, carente por completo de cualquier emoción reconocible salvo la envidia y la ira. Esta naturaleza le impelirá a una escalada de actos a cada cual más horrible, incluyendo tortura, asesinato, canibalismo, y más. A medida que esta vorágine de actos bestiales avanza, Bateman se irá disolviendo cada vez más en la nada que resulta ser su mundo.

La esperadísima adaptación de la novela homónima de Bret Easton Ellis, el más preclaro autor de la Generación X, llevada a cabo por el director más inesperado. Tras barajar nombres como David Cronenberg u Oliver Stone, fue la relativa desconocida Mary Harron, famosa feminista y activista punk, la encargada de llevar a la gran pantalla una historia sobre la vacuidad moral de la sociedad actual y la destrucción de la identidad individual, envuelta en un halo de perfección estética que se rompe con inusuales salpicaduras de gore. Una cinta sin duda única en todos los aspectos, poderosa, inquietante y extrañamente compleja, con secuencias ya absolutamente míticas.

La soga (8-5-09)

Título original: Rope.
Año de estreno: 1948.
Compañía productora: Warner Bros.
Productor: Sydney Bernstein, Alfred Hitchcock.
Director: Alfred Hitchcock.
Fotografía: William S. Skall, Joseph A. Valentine.
Música: Leo Forbstein.
Panfleto original: Patrick Hamilton.
Guión adaptado: Ben Hetch, Arthur Laurents.
Intérpretes principales: James Stewart (Rupert), John Dall (Brandon), Farley Granger (Phillip).

Seducidos por la idea de hacer de un asesinato algo artístico, dos jóvenes prometedores y amigos entre sí, Brandon y Phillip, matan en su piso a un compañero suyo al que despreciaban usando una soga para estrangularlo. Acto seguido, esconden el cadáver en un arcón de la misma casa y esperan la llegada de los invitados a la fiesta que tenían planeada hacer esa noche, todos relacionados de algún modo con el muerto. El más importante de estos invitados es Rupert, un antiguo profesor de los tres muchachos y hombre de gran inteligencia. A partir de ahí, el eufórico Brandon y el atormentado Phillip iniciarán una peligrosa danza de sutilezas y comentarios en frente de todos los comensales, en un intento de demostrar que, pese a todo, no pueden ser descubiertos. Sin embargo, probablemente subestimaron a Rupert...

Otra magistral pieza de intriga, suspense y humor macabro y crepuscular más en el haber del gran maestro Hitchocock, y quizá su película más atrevida, por el hecho de haber sido rodada como un único plano secuencia virtual, que se prolonga a lo largo de toda la cinta. Sin dejar de ser fiel en todo momento a este complicado alarde técnico, el director se dedica a guiar con gran virtuosismo una historia de picardías, verdades a medias y diabólico ingenio criminal, dejando a su paso también ciertas pinceladas acerca de la forma contemporánea de acercarse al arte o las interpretaciones de la filosofía nietzscheana. Sin duda, galvánica y absorbente como todas las otras obras de altura de su creador.

La ciencia del sueño (1-5-09)

Título original: La science des rêves.
Año de estreno: 2006.
Compañía productora: Partizan, Gaumont.
Productor: Georges Bermann.
Director: Michel Gondry.
Fotografía: Jean-Louis Bompoint.
Música: Jean-Michelle Bernard.
Guión original: Michel Gondry.
Intérpretes principales: Gael García Bernal (Stéphane), Charlotte Gainsbourg (Stéphanie), Alain Chabat (Guy).

Stéphane, un joven tremendamente creativo y de gran imaginación, es atraído por su madre desde el México en el que vivía hasta la muerte de su padre de nuevo a su París natal, con una promesa de empleo en el que podrá emplear sus talentos naturales. Sin embargo, pronto descubre que la promesa es una farsa, y se ve atado a un trabajo anodino y rutinario. Esto hará que el ya de por sí soñador Stéphane se vuelque aún más en su mundo onírico personal. Es en este trance entre lo real y lo virtual cuando entra en su vida Stéphanie, una hermosa joven que se muda al apartamento de al lado y que, como él, posee un vasto mundo interior.

Uno de los experimentos cinematográficos más raros hechos en las últimas decadas, La ciencia del sueño mezcla visualmente escenas de imagen real con técnicas de stop motion contando un argumento en el que el mundo real y el de los sueños resultan indistinguibles. Cine en estado puro, la película es una eterna metáfora a todos los niveles sobre la búsqueda del sentido de la vida y las relaciones humanas profundas, bordada con una maestría nada desdeñable. Bebiendo muchísimo de la estética videoclip que tan bien ha sabido llevar su director, Michel Gondry, y recordando tanto temática como estéticamente a cintas de la talla de Amelie, el producto final es una orgía para los sentidos y una de las historias mas inspiradoras y edificantes del cine reciente.

Este programa se encuentra en youtube:

http://www.youtube.com/watch?v=c_C9qeXiKYo
http://www.youtube.com/watch?v=t_g5MsJMuHg
http://www.youtube.com/watch?v=un-ZKeBcuF4
http://www.youtube.com/watch?v=kwJ9L3zZ_-U
http://www.youtube.com/watch?v=D43OF0G74TU
http://www.youtube.com/watch?v=-cbE3EDxe6A
http://www.youtube.com/watch?v=ubUJ29Pj-7A
http://www.youtube.com/watch?v=ONmaNZHnzMo

Desayuno con diamantes (24-4-09)

Título original: Breakfast at Tiffany's.
Año de estreno: 1961.
Compañía productora: Paramount.
Productor: Martin Jurow, Richard Shepherd.
Director: Blake Edwards.
Fotografía: Franz Planer.
Música: Henry Mancini.
Panfleto original: Truman Capote.
Guión adaptado: George Axelrod.
Intérpretes principales: Audrey Hepburn (Holly), George Peppard (Paul), Patricia Neal (señorita Hallenson), Martin Balsam (Tod), Jose Luís de Vilallonga (José), Mickey Rooney (señor Yunioshi).

Holly, una joven emancipada y liberal, vive su vida en el centro de Nueva York entre fiesta y fiesta en un ambiente bohemio, viviendo del dinero que recibe de los hombres a cambio de sus atenciones. Un buen día tropieza con el que será su vecino de arriba, Paul, un escritor fracasado que busca la inspiración. Pronto congeniarán, y poco a poco Paul irá conociendo los oscuros secretos del pasado de Holly, comprendiendo mejor la compleja personalidad de la muchacha.

Totalmente icónica a día de hoy, con sus imágenes convertidas en imaginería para bolsos, complementos e incluso artículos del hogar, Desayuno con diamantes ha pasado a la historia como una de las películas más sensibles, entrañables y divertidas sobre los distintos tipos de amor que se pueden dar entre dos seres humanos. Poderosa en sus reflexiones, pero sin dejar de saca la mejor de las sonrisas a su público, la cinta es todo un elenco de grandes interpretaciones, incluso en secundarios (con nuestro Vilallonga a la cabeza), y una de las muestras más claras y admirables del cine de su director, amante de la sencillez y las chanzas efectivas.

Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (17-4-09)

Título original: Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón.
Año de estreno: 1980.
Compañía productora: Fígaro films.
Productor: Pepón Coromina, Pastora Delgado, Ester Rambal.
Director: Pedro Almodóvar.
Fotografía: Paco Femenía.
Música: Alaska y los Pegamoides.
Guión original: Pedro Almodóvar.
Intérpretes principales: Carmen Maura (Pepi), Eva Siva (Luci), Olvido "Alaska" Gara (Bom), Félix Rotaeta (policía).

Tras perder la virginidad al ser forzada por un policía durante la inspección de su casa, Pepi, una mujer moderna indignada por haber perdido la oportunidad de vender su virgo a cambio de una fortuna, decide vengarse de su forzador. Para ello, aborda a la mujer del susodicho, Luci, una mujer chapada a la antigua y muy tradicional que esconde en su interior a una masoquista irredenta, y la lía con una amiga suya, Bom, una adolescente irascible y mandona líder de un grupo punk. Juntas explorarán la escena de la Movida madrileña, en su ambiente de pubs decadentes, fiestas ilegales y excesos sexuales y morales de todo tipo.

Quizá la obra underground que mejor supo expresar el espíritu de la época en que fue rodada, la primera película de nuestro internacional Pedro Almodóvar es un retrato fidedigno de la Movida, punta de lanza de la lucha de una sociedad incipiente contra las ataduras que aún la unían a un pasado dictatorial y odioso, y también es la historia de tres mujeres que muestran tanto su fortaleza y determinación como su debilidad. Pésimamente rodada, con a penas medios y mil y un contratiempos en su contra, goza sin embargo de unos personajes muy sólidos y una trama sorprendente y (áun hoy) escandalizadora, que ya pronosticaba el surgir de uno de los maestros del cine español actuales.

Casablanca (10-4-09)

Título original: Casablanca.
Año de estreno: 1942.
Compañía productora: Warner Bros.
Productor: Hal B. Wallis.
Director: Michael Curtiz.
Fotografía: Arthur Edeson.
Música: Max Steiner.
Panfleto original: Murray Burnett, Joan Allison.
Guión adaptado: Julius J. Epstein, Phillip G. Epstein, Howard Koch, Casey Robinson.
Intérpretes principales: Humphrey Bogart (Rick), Ingrid Bergman (Ilsa), Paul Henreid (Victor), Dooley Wilson (Sam), Claude Rins (capitán Renault), Conrad Veidt (mayor Strasser), Sydney Greenstreet (Ferrari), Peter Lorre (Ugarte).

Rick Blaine, americano fugado de su país por razones misteriosas, ha llevado una vida azarosa mezclándose con los grandes conflictos europeos de la época (oponiéndose a los italianos llevando armas a Etiopía, ayudando a la República en España, y formando parte de la lista negra nazi en la II GM) hasta dar con sus huesos en Casablanca, transformado en el cínico y desencantado dueño del café de moda de la ciudad. Uno de sus clientes, Ugarte, un maleante de poca monta, le confía unos salvoconductos especiales que permitirían a dos personas importantes salir del país y llegar a los EE.UU., pero es arrestado y ejecutado poco después por la policía francesa. Esas dos personas resultan ser Victor Lazlo, un luchador prolibertades fugado de varios campos de concentración y una gran amenaza para la progaganda nazi, e Ilsa Lund, su esposa, una mujer misteriosa con la que Rick mantuvo un romance en la París previa a la ocupación alemana. El encuentro con su antigua amante provocará un gran conflicto en Rick: obrar en consonancia a su deber, facilitando los salvoconductos a la pareja para que sigan con su importante labor; u obrar según sus pasiones y entragarse de nuevo a un amor que nunca se extinguió. A este embrollo se sumarán el capitán Renault, el jefe de la policía francesa, y el mayor Strasser, un alto cargo aleman de visita en Casablanca.

Probablemente la más inmortal y querida de las películas de todos los tiempos, la leyenda de Casablanca desafía la mera etiqueta de obra de arte para convertirse en un icono, un género en sí misma. Amada desde el día de su estreno por todas las generaciones posteriores a ella, este film es la viva muestra de cómo la belleza puede no solo ser producida por un artista o autor completo, sino también a partes iguales por la dedicación de profesionales entregados y la intervención de la buena fortuna. En sus fotogramas encontramos a personajes atemporales, frases geniales que pueden ser usadas en multitud de ocasiones, y sobre todo, un cúmulo de sentimientos y actitudes frente al mundo que hacen de ella un compendio de las luces y sombras del hombre. Su fotografía, en delicados grises, su montaje innovador y efectista, y sobre todo una banda sonora que ha pasado a ser un leitmotiv de la vida misma, no hacen sino acrecentar su grandeza.

Una obra irrepetible, homenajeada en infinidad de ocasiones, pero aún así sin parangón:
http://www.youtube.com/watch?v=Wo2Lof_5dy4


Aquí están los enlaces al programa en youtube:

http://www.youtube.com/watch?v=RDTaB5GKEzs
http://www.youtube.com/watch?v=X8V8dQJucC8
http://www.youtube.com/watch?v=jsl3swDoY3g
http://www.youtube.com/watch?v=gNArjekt_8s
http://www.youtube.com/watch?v=Et8Hfl46ZKg
http://www.youtube.com/watch?v=s3SiWz1HYs4
http://www.youtube.com/watch?v=VA8jn4lZ4XA
http://www.youtube.com/watch?v=3VOPEGNazXg
http://www.youtube.com/watch?v=DEhwE09YCxs

Muerte en Venecia (3-4-09)

Título original: Morte a Venezia.
Año de estreno: 1971.
Compañía productora: Warner Bros.
Productor: Robert Gordon Edwards, Mario Gallo, Luchino Visconti.
Director: Luchino Visconti.
Fotografía: Pasqualino de Santis.
Música: Gustav Mahler.
Panfleto original: Thomas Mann.
Guión adaptado: Luchino Visconti, Nicola Badalucco.
Intérpretes principales: Dirk Bogarde (Gustav von Aschenbach), Bjorn Andresen (Tadzio).

Tras el detonante de la muerte de su hija, el compositor Gustav von Aschenbach ve mermada su salud, y también su talento musical. Decidido a huír de su mujer y de su amigo intelectual, quien siempre pone en entredicho sus creencias, acaba llegando a una Venecia azotada por el siroco y por una oscura plaga de cólera de la que nadie quiere hablar. Allí se hospeda en un lujoso hotel al lado de la playa, donde pronto posará sus ojos en Tadzio, un apolíneo joven polaco de familia noble, de quien se enamorará platónicamente. Esto le hará plantearse su vida y su forma de ver el arte, mientras los hados del destino le irán condenando irremisiblemente a ser un muerto más en una ciudad de muerte.

Una reflexión alegórica absolutamente magistral acerca de la muerte y la génesis del arte, esta cinta es tanto una colección de imágenes y secuencias de una belleza turbadora como un canto a la existencia crepuscular, maldita. Encontramos en ella una oda a la belleza ideal a la que cantaban los griegos, a la vez que un réquiem a una era que se apagaba paulatinamente, y al indivíduo que una vez la habitó. Muerte en Venecia significó uno de los cúlmenes estéticos de su creador, Luchino Visconti, ya cerca del final de su vida, y el vehículo perfecto para la lírica oscura de Thomas Mann y la soberbia delicadeza de las composiciones de Mahler, que acompañan perfectamente el ritmo angustiosamente lento de la película.